FRANCIS BACON

ORIGINAL FUERZA PICTORICA DE FRANCIS BACON

Bacon es un pintor de gran originalidad, y profunda huella. No crea escuela, no tiene antecedentes, aunque conoce toda la historia del arte. Es además auto didacta. El Bacon original y su fuerza y pasión por pintar la descubre el pintor a partir de la visualización de una exposición de Picasso en el 27 en París. Es un artista que no tiene parangón. Alguna base tendría que tener para la base de su arte. Es autodidacta, pero a usar los pinceles se lo enseña un australiano que conoce en los años 30 en Londres. Toma como base dentro de su obra la historia del arte, los clásicos del siglo oro español, cercanos al siglo xx, coetáneos a él como pablo Picasso.

Bacon como persona, artista, pensador, vivió en sus carnes dos guerras mundiales y el periodo existencialista y el periodo de la guerra fría. Nace en Dublín Irlanda en 1909 de padres ingleses, segundo de 5 hermanos, de familia de militares, descendientes condescendientes del filósofo isabelino Francis Bacon. la madre se llamaba Cristina, era de una adinerada familia de vendedores de cuchillos. Se iban asentando, cambiando domicilio, de Inglaterra. Era enclenque y frágil, con asma crónica desde pequeño, desde la pubertad y el padre entrena caballos de carreras y los cría. Allí criado entre animales se acervará su asma. En 1914 se marchan a Londres, pues el padre trabaja en el ministerio de defensa. Vuelven a Inglaterra en 5 años. Regresan a Irlanda. La familia va dando tumbos, la familia era ciertamente acomodada donde no hay antecedente de tipo artístico. Les pilla la guerra mundial. Pertenece a la country noble, nobleza rural, gente adinerada del campo, tenían caballos en hipódromo, practican la caza y vida social. En ese ambiente era un inadaptado. Entre los caballos del padre, el campo no era el mejor ambiente para un asmático. No tuvo aprendizaje como otro niño, el asma le impedía ir a la escuela. Los tutores iban al propio domicilio, a casa, a implantar esos conocimientos. A los 16 ocurre un hecho deleznable, es invitado por su padre a marcharse de casa. El padre le sorprende llevando ropa y mudas de su madre. era una sociedad victoriana cerrada y homofóbica. Esos comportamientos eran inaceptables. Desde los 16 años la madre le da la asignación y le apoya en nivel dinerario en lo que pudo. En 1929 en Londres abre un estudió de interiorismo; muebles alfombras azulejos tapices. “Yo solo me dedicaba a seguir pautas del modernismo y copiar a le Corbusier que estaba de moda”. Que de reconocimiento tuvo en la época; un artículo de 2 páginas en una revista de diseño decorativo de los años 30, dier estudium, conocida en gran Bretaña. Posee un estudio en Crownel place desde los años 40 cuando se dedica de pleno a la pintura. Abre un estudio de decoración. Entre 27 y 28 viaja a Berlín París, recibe encargos de interiorismo, hace un descubrimiento importante; la visión de las obras de Picasso, momento de inflexión de su vida dónde decide dedicarse solo a la pintura. Conoce la obra de Nicolás machan de la escuela clasicista del xix, refleja la expresión simbólica de la mujer en el cuadro la matanza de los inocentes. Probablemente tusan representaría el mejor grito humano de la historia. Esto lo vio en la obra matanza de Santichi. Allí vivía en el 27 con una familia para aprender francés. Se acerca a las obras de Tusan. Herodes va a matar al inocente hijo como vemos en pantalla. Bacon visita París y la galería Paul rosen, en el año 1927 año fundamental para él. Observa las obras dibujanticas del malagueño Picasso que le dejan fascinado. El periodo 27 32 de Picasso está ligado al surrealismo. En esa época el autor español conforma figuras con miembros distorsionados, combina lo monstruoso con lo sublime, de aspecto gigantesco y a veces terrorífico.  Tiene evocaciones de tipo mitológico. El surrealismo oficialmente se da desde el 24. Picasso no fue surrealista, pero tenía vínculos con los surrealistas, con Breton. Hay personajes surrealistas como la de la imagen. Fascinado por ese arte, por esta pequeña obra de pequeño formato, hombres deformados sin tonsura. Es un hibrido, zoomorficado, caballo entre hombre mujer caballo animal. Genera atracción y terror. los pechos parecen querer caerse, atraído por la ley de gravedad, pero retenido por el falo erecto. Ante una caseta en una playa, dirige su largo brazo una llave. Refleja el ámbito privado y público. Ve las casetas de madera en Coruña que conoció Picasso porque su padre fue allí de profesor de arte. Viaja de vacaciones dónde había casetas de tela. Es la implicación del espacio íntimo privado limitado del exterior público. La mujer impide introducir la llave. La llave remite como símbolo clásico a la mirada del voyeur, mirón, por el ojo de la cerradura todos queremos mirar la consumación sexual, la cúpula. Tiene acepciones de manera simbólica la llave. Bajo un paisaje de fondo, el horizonte azul, vacío siniestro o desolador. Se trata de una imagen sobre el terror emocional producido por el conflicto interno. Picasso lo crea en 27. Sufría por sus emociones, estaba con su joven amante de 17 años teresa Walker. Su esposa Olga Kopovla seguía conviviendo, se negaba a darle el divorcio. Refleja lo interior subjetivo de Picasso, la confrontación emocional. Representa la obra angustia, deseo sexual irrefrenable. Influye en Bacon. En el periodo de entre guerras, Picasso es más íntimo, con conflictos internos, detalles más íntimos, sufrimientos, espacio más social y general. Estamos en el periodo de entre guerras. Pronto vendría la guerra civil española preludio de la segunda guerra mundial. Picasso con 81 años murió en 1973. Bacon nació en 1909 y murió en 1992. Son dos pensadores intelectuales de un siglo donde ocurrieron hechos fundamentales. El sentimentalismo existencialista va a estar ahí. Van a ser coetáneos. Poéticas emocionales y angustiosas se ven en las dos. Se refleja el periodo de entre guerras, las depresiones colectivas dejan sentirse en el ánimo de estos artistas pensadores hijos de su tiempo como eran. En el 33 hace la figura de la playa de Picasso. Comparamos esta imagen con la otra. Figura con fuerza el perfil más poliédrico, más escultórico. Es la caseta de un muro negro en que se asoma. El cuerpo de mujer hombre animal no se ha modulado a través de forma atenta. Se ha violentado su representación en la superficie del cuadro. Es la obra más acabada que en Picasso. El protagonista es el ser humano monstruo zoomorficado.  Vemos expresiones tempranas del sentir de Bacon, la vulnerabilidad de la existencia y el existencialismo de este autor. Abandona el trabajo de decorador para dedicarse a la pintura. En el terreno del arte plástico y pintura sale el libro de 1933 (cuando crea la crucifixión) el ABC de la época en cuanto a arte, titulado art now, arte ahora. Es una obra de referencia. Aparece esta pintura junto a una habanista de Picasso. Bacon trabaja autodidacta en la pintura. Es reconocido en exposiciones individuales y colectivas. Falta de academia se sabe así mismo muy libre. En la academia cuesta mucho desaprender lo aprendido. Libre de carga académica, crea esa crucifixión. Es un martirio, sufrimiento. Parte de la propia historia del arte, de Zurbarán, del siglo oro español en la obra de 1940. Las crucifixiones no son tan sanguinolentas. Aparece el cuerpo de cristo con 3 clavos. El cuerpo de cristo coincide con el eje vertical central de la composición. Su cuerpo aparece emergiendo del fondo oscuro a través de una luz bastante fría. Es un cuerpo muerto, con el color ennegrecido que esa piel tiene. Recuerda a la carne o piel gangrenada. En la parte izquierda inferior aparece el donante. Era condición obligada de la persona que pagaba la obra que apareciera en el cuadro. No sabemos quién es el donante, es un personaje anónimo. De que se nos habla, por qué se fija en la crucifixión. La muestra de forma natural, encerrando en un espacio, situando en una serie de coordenadas a partir de una serie de líneas o pequeños trazos. Bacon habla del sufrimiento, de la vulnerabilidad del ser humano. Cristo hijo dios todopoderoso, rey de judíos y por ende rey del mundo. Con su cuerpecito sufriendo al que le ha venido la muerte. Bacon analiza reanaliza redefine y parafrasea constantemente la historia del arte. Tiene una deuda con Zurbarán, pero sobretodo con Velázquez. Adolece influencia del a surrealismo y del cubismo.  En el 36 publica obras en una exposición surrealista. Le consideran poco surrealista, inferior. Había aparecido sus obras en el libro. Decae su ánimo. Deja de trabajar en el arte plástico en los años 30. A principios de los años 40 destruye toda la obra de su primera etapa. Dejo vivas 10 obras. Es muy difícil encontrar obras de periodo temprano de Bacon, las había destruido. Tenemos el lujo de poder ver esta exposición a la que se nos invita desde clara Campoamor. Podemos hacer una visita guiada al Guggenheim. Las obras de la primera etapa son difíciles de encontrar, difíciles de reunir. Podemos ver 40 obras de el, son sus obras hasta los años 80 y se completa con los  maestros más clásicos y contemporáneos a el. Él es autor de figuras. Tanto sus desnudos como sus retratos muestran la visión descarnada, desfigurada, las figuras aisladas, la capacidad de Bacon de encarcelar y aislar al ser humano, solo. Aparece la deformación, esas figuras híbridas que se muestran vulnerables. Hace una nueva perspectiva al género del desnudo y comienza su influencia de Picasso. En el críptico del 44, ya había destruido sus obras y empieza con vigor a trabajar en el arte. Las obras se arrepiente de haberlas roto. Crea 3 estudios al pie de una crucifixión en el 44. Estalla la segunda guerra mundial y es declarado no apto a participar por su asma crónica. Intervino en la defensa civil. Trabajando allí ve la putrefacción de los cadáveres de los individuos rehuidos en Londres, y el olor fétido de los cuerpos en descomposición. Ese año retoma la pintura y termina muchas obras. Es una iconografía violenta, de cuerpos violentos, cuerpos de color naranja, reflejando el sufrimiento dolor y la vulnerabilidad, el sacrificio martirio y el dolor del cuerpo y la brutalidad del ser humano. Hace un hibrido de carne muerta. Sufre la muerte. Pinta la crucifixión de forma tradicional. Solo 3 figuras a las que llamó estudios. Quiso centrarse en la sensación del dolor miedo y fragilidad del ser humano. Hizo fotografías de cuerpos desnudos moviéndose en una cuadricula, figuras humanas y animales. Monvrich fue el artista fotógrafo que dio a demostrar en el XX que gracias a técnica fotográfica un caballo al galope mantiene 4 patas en el aire. Lo demostró eso con la fotografía. Este fotógrafo toma con su cámara sin rodeos, de forma objetiva, los movimientos de los luchadores, los boxeadores, los niños discapacitados movidos a 4 patas. En la Pieza 61 muestra sin remilgos y sin idealizar o tapar nada la anatomía de ese niño. Parte de fotos e ilustraciones sobre la historia del arte que encontraba en los libros. Parte del cine y la literatura. Ana frasis es una obra de 61. A Bacon le influyo la literatura de Camus Sartre Baudelaire, leyó dramas antiguos. En la orestiada de Esquilo, trilogía dramática de Grecia antigua, lee Bacon la frase que le pareció espeluznante pero atractiva “el hedor de la sangre humana te sonríe” LA muerte forma parte vida, y esto lo muestra con los órganos del cuerpo humano, la putrefacción es algo natural vinculado al fin de la existencia. Representa figuras, algún paisaje alguna vez, y retratos. Su pensamiento es el existencialista del siglo xx marcado por las dos guerras mundiales, la guerra fría y la barbarie. El sufrimiento del ser humano lo refleja este ateo confeso. La existencia es cuerpo y sangre, materia, lo que perciben nuestros sentidos. Representa al ser humano y representa una vanitas, el recuerdo de la muerte, de que vamos a morir. Tiene influencia del cine y las ilustraciones y fotos de los libros, las revistas, los medios de masa, el cine. En los años 30 compró un libro de enfermedades bucodentales que conservo hasta el fin de sus días. Son ilustraciones magnificas. Así creó el rostro del panel del centro del críptico gracias a la ilustración del libro de enfermedades bucales. Le influyó la película el Acorazado Potemkin del 25 de Einstein; esa nodriza con el rostro sufriente, el grito desgarrador llama atención de Bacon, es un grito que pone a las figuras de sus pinturas. También le influye la obra del 52 del maestro nacido en Dublín, estudio para cabeza de un papa gritando. Bacon dijo en cierta ocasión que tenía la esperanza de hacer el mejor cuadro del grito humano. Las bocas eran atractivas para Bacon. Los artistas ven donde los demás no vemos. Hacen de algo cotidiano, algo que pasa inadvertido para nosotros, algo extraordinario. Decía que las bocas de animales y personas son como paisajes de Monet o el romántico ingles William Turner. Hace una amalgama de colores y formas. Debajo de la lengua hay cantidad de violetas, carmines amarillos y verduzcos. Se detuvo a pensar en estas cuestiones. Le fascina la carnalidad. Somos cuerpo y sangre, grito desgarrador de alguien que puede llegar a tener mucho poder. Dibuja un hombre de negocios del siglo xx, con su corbata y camisa, esta helado, distorsionado y des configurado. Es un personaje que sufre, un pensador aquí muy joven. Mira hacia la historia del arte, hacia atrás, redefiniendo analizando escudillando en las obra de los viejos maestros. El hizo 33 crípticos en su vida artística. Se remite por un lado a la influencia del movimiento barroco, del 17 español; la temática religiosa, los viejos retablos. Una imagen central y dos a los lados conforman la totalidad del críptico. Siempre hay narrativa. Enlaza el panel con otro a través de una lógica y una historia, montan así la película en nuestra cabeza. No muestra la historia, la va a eludir. Quizá responda hacer tanto críptico a su ansia de hacer películas que nunca hizo. Son como fotogramas disco nexos de una peli sus crípticos. No lo podemos conseguir con nuestro ojo mental. El primer panel muestra la escena de cacería, un  animal desollado en la parte inferior del lienzo, y dos seres descarnados, de una carnalidad distorsionada. No hay espacio para la esperanza. Los espacios que abren ese cubículo son negros. La figura monstruosa parece estar en proceso de descomposición, degradándose por la enfermedad. Podrido. La cama es el principio y final de la existencia, nacemos morimos, reposamos, pasamos enfermedades, dormimos, en la cama se procrea y se obtiene placer. Es una imagen atroz la carne lacerada, putrefacta, la degradación de la carne. En la parte derecha nos encontramos un buey desollado, una naturas o naturaleza muerta, con una referencia al perro semi hundido de goya. Introduce el empasto, empaste, la pintura y su grosor haciendo que la textura de estos paneles sea extremadamente gruesa. Refleja la carnosidad de la propia pintura. Hay un nexo de unión entre el panel y el color y el tratamiento espacial tiene una deuda con Rembrandt, y con la imagen de los años 50 hecha por jon Dikins, el fotógrafo amigo de Bacon. Se muestra semi desnudo portando dos piezas del mismo cuerpo de un animal desollado. Su pintura habla del cuerpo, la carnalidad, la existencia. No le gustaba la  espiritualidad, religiosidad. Esta es la existencia y no hay más. También tiene una deuda con el barroco holandés de Rembrandt y el buey desollado de Rembrandt. Su obra refleja lo pastoso del material de las pinturas. El expresionismo del siglo xx lo recogería también Bacon; Grosz y la nueva objetividad. Bacon tiene en su estudio imágenes por doquier de grandes maestros a los que admira como Rembrandt, retratado en parte posterior del estudio. Bacon pensando hacia arriba, hacia una de sus obras. Nosotros ejerceríamos de obra quizá- en la parte de abajo. En su estudio tenía una ilustración retrato de Rembrandt.

En el 27 descubre que quiere ser artista plástico al ver las obras de Picasso en París. Descubre a chucin y Giorgio de Chirico. Es el artista que más se auto retrata. Representa a la manera libre, era el precedente Rembrandt en el barroco holandés. Descubre a Poussant, picazo, Chirico, el acorazado Potenmkin la ve en el 27 y un perro andaluz de Buñuel y Dalí. Era un hombre con ansia de conocimiento. En la Obra del violorruso Chantí se muestra lo perecedero y naturaleza de lo corporal. La pincelada y el empaste es la misma que Rembrandt. Hacía retratos de sus amigos como el retrato de Michael Leri. Es un género tradicional. No se subordina a encargos de retratos que le hacen sus amigos. No lo hace por ansia dineraria. “No me gusta hacer retratos pero alguien los tiene que hacer”, dice. Siempre retrata a través de fotografías, pedía a sus amigos que le dieran una foto o que su amigo fotógrafo les fotografiara a ellos. Esas fotos le servían de referencia. Tengo que retratar a personas que me conozcan, amigos míos. Hace retratos a una amiga suya. Tiene influencia de mon virch, los luchadores como referencia. A menos que miremos con el microscopio parecen estar en un abrazo sexual. La copula y la sexualidad es un motivo muy retratado por Bacon. Las rotundas grandiosas proporciones recuerdan a miguel Ángel. Retrata la torsión insólita de los miembros. Recuerda a Ingres. Esa carne piel gris recuerda al Greco que visitaba y revisitaba.

Otra vez la cama, lugar de placer y dolor, inicio y final de la existencia. Es un espacio cubico marcado por sencillas coordenadas. Todo se quiere velar, erosionar. Consigue mostrar esa existencia. A veces hace adhesiones, temas que rozan lo escatológico. Hombres en los lavados, dos figuras en la cama, hombres en espejo, proyección del espejo de las meninas de Velázquez, músculos fibrados musculados como las figuras de Miguel Ángel.

Estaba obsesionado con el cuadro de Velázquez de Inocencio X. Forma artistas en la técnica para formar la propia pericia. Ingres decía que copiar está muy bien, ser original imitando. Giacometi decía que hay que copiar, pero para ver mejor. Las obras maestras son sus obras de estudio. Desafían los artistas imitando a la copia y paráfrasis. No hablamos de plagio. La copia es un procedimiento educativo, implica la visita al buen maestro con la mirada de cada uno. Paul Cezzane decía que en el Louvre se aprende a leer la pintura. Bacon lía la pintura en el Prado. Leía mucho. Estuvo mucho allí. En los 90 pidió la visita él solo, una visita íntima delante de los Velázquez Goya Murillo Rivera y Zurbarán. De 1650 es el retrato del papa Inocencio. Desde 1949 hasta 1971 se obsesionó con el cuadro, convierte a Inocencio X de Velázquez en un palimpsesto donde se cruza filosofía y pintura, Velázquez y el existencialismo del siglo XX.  Alimentó la leyenda de que nunca vio el cuadro de forma real, no se enfrentó a el de tu a tu. En 1954 lucían Freud mel Mikinson y el representa a Inglaterra en la bienal de Roma, y visitó roma Florencia Venecia. En la galería dora Panfini no se enfrentó al original velazqueño. No puedo enfrentarme a ese cuadro cuando he hecho tantas atrocidades sobre el. Lo parafrasea continuamente. La paráfrasis sobre Inocencio X es una mirada atenta peculiar subjetiva. Tiene una visión panorámica sobre la obra en general. Es una autoridad entronizada, vicario de Cristo en la iglesia, autoridad máxima en el Vaticano. Con gesto de rotundidad, psicológicamente retrata a sus personajes Velázquez, les saca emoción. El papa es persona recta, le gusta tener todo controlado, pero es hombres desconfiado. Fíjense en esa mirada, el papa es la autoridad máxima con mucho poder, en su trono, pero está solo y por ser desconfiado sufre, está al acecho siempre, que no le pase nada. Esta sicología le llamó la atención a Bacon. La posición, su soledad y sufrimiento le toca dentro a Bacon. Hasta 71 hay 50 obras sobre el Inocencio, cuadro que nunca vio. La visión zoo mórfica deforma la imagen. No le interesa la personalidad o el momento actual pero si el icono que lo pervierte. Lo extrapola al tiempo del siglo xx, un ser humano solo que sufre un ambiente existencialista. Fija el cuerpo y el rostro. Bacon dice al crítico sobre la obra de Velázquez; “es uno de sus mejores cuadros, compro una y otra vez sus postales y reproducciones, pero nunca la ha visto porque lo deformé y me daba vergüenza ver el original”. Le fascina como pintura. Le interesa no como papa sino como icono de pintura y porque refleja la soledad y vulnerabilidad del ser humano. El hombre ejecutivo con corbata y camisa está aislado. Las pinceladas rojas velan el espacio y su cuerpo son como lanzas agresivas sobre el mismo. Muestra la pesadumbre, horror, fragilidad de ser humano. Es una expresión elocuente de la sociedad que le toco vivir. Venimos del siglo xx. Nuestros abuelos padres vivieron dos grandes guerras y la civil y la fría. La vibración sonora, el grito sordo del personaje, la boca abierta, es todo como un paisaje de Turner o Monet. Violenta el lienzo, plasma el color, precipita la imagen. Las superficies bajan del marco y son terriblemente agresivas. Es la espontaneidad pensada y controlada en Bacon sin parangón. El Papa baconiano aparece entronizado también, con su bonete y su mantel. Es un papa de los años 50 del siglo xx. Es pio XII, que hizo la labor de apoyo a los judíos en la segunda guerra mundial. Hubo  controversias en el tema de las relaciones entre alemanes y judíos. Es una violenta imagen sobre el cuerpo de Inocencio X vulnerado. Es violento el tratamiento en pintura del color y la textura rasgada. Aplica el cepillo como instrumento. Es increíble que siendo autodidacta no ensucie los colores. Es algo muy tremendo. No estaba satisfecho de la intensidad de la pincelada. Recurre constantemente fenómeno de la soledad de la existencia. Aunque se tenga el poder se está solo. Es un críptico para figuras al pie de una crucifixión. El buey desollado de Rembrandt, la vanitas, la carne como fin de la existencia y la erosión. Tiene influencia de su amigo Albert Giacometti. Araña, emborrona, vela, empaña, el lienzo. Quiere aprehender la figura, vuelve a ella una y otra vez pero la adelgaza, habla de la soledad. Tuvo una amistad muy corta con el suizo Giacometi. Le gusta más su obra gráfica que su escultórica. Su obra puede hacer pensar en esa referencia sobre la paráfrasis de Bacon. Retrata a jon eduardws, uno de sus amantes o compañeros. No queremos entrar en su vida personal de Bacon con esas relaciones pasionales y amantes hombres. Hace referencia a la pintura e imágenes ya hechas; fotos, ilustraciones, fotogramas de pelis, fuentes literarias, su propia vida. Pocas veces permite posar para él, siempre les retrata a través de fotos e ilustraciones. Pero a sus dos amantes oficiales les permitió posar en condiciones. Su último amante es un camarero que conoce en 1975 en Londres. Uno de los últimos amantes. No tuvieron una relación íntima, pero fueron amigos lucían Freud y él. Fue amigo de muchos famosos. Se codea con la crem de la crem de intelectualidad de la época. Con un David Horney, con William burrroughts, el gran escritor. El primer amante Oeter Lesey que conoce en los años 50, es un ex piloto. Tiene con él 8 años de relación sadomasoquista, con disputas constantemente. Ese hombre destruyó parte de su obra, sus cuadros cuando discutían. El primer amante se suicida. El segundo también. Eran personas que vivían la vida al límite, bebían mucho, mezclaban el alcohol con barbitúricos. Era tan pasional y les protegía, les apoyaba, les mostraba en sus propias obras. El segundo amante que conoció era un personaje de la calle y el lumpen. Era un pequeño caco que sorprendió  Bacon robando en su taller londinense. Después de una pequeña conversación mantienen relaciones íntimas esa noche y entablan una relación apasionada muchos años, folla amigos. Era de cuerpo fornido, proporcionado, con la cierta proporción musculada de los cuerpos de Miguel Ángel. Pocas veces posan para el. Tiene imágenes de fotomatón hechos en la calle o estudios. Un retrato tiene que parecerse al retratado, sino no es retrato. Es figurativo, no llega a la abstracción que no quiere para nada. Hace una figuración pos bélica. Fue tan original y trasgresor… ¡Cómo descarna, cómo lacera!. Muestra lo verdadero y real, que no es la esencia sino lo que arranca carnalidad. Era ateo. La existencia es esto, carne y sangre, conlleva  placer dolor enfermedad y muerte. Habla de existencialismo, el hombre es lobo para el hombre. Allí pinta a su tercer amante. Este recibe 11 millones de libras esterlinas como herencia y el estudio en Londres que tenía Bacon desde el 61. Que caos su estudio. Su estudio estaba lleno de libros, lienzos, pinturas, un desastre desordenado por todos lados. Bacon partía de fotografías para sus cuadros. Tuvo varios estudios en Londres y en París. Se lo compra en el número 7 de renmius Londres, un estudio de 4 x 6m. el ventanuco inunda el espacio de luz. Era el lugar athenier de Bacon. Dentro del caos encontraba el orden. Usaba la paleta para mezclar. Cuando ya se asienta, no concebía la la idea de hogar. Toda su vida, desde niño con su familia, daba tumbos, vivió en Montecarlo, en Mónaco. Tuvo estudios desordenados y Diógenes. LA exposición se hace entre los Grimaldi de Mónaco y el Guggenheim porque vivió mucho tiempo en Mónaco. Hay muchas obras en instituciones públicas y colecciones privadas en Mónaco. En los años 40 vivió en Mónaco 3 años. Era jugador. Juega a la máquina. Se queda sin dinero. No tenía lienzos para pintar. Usa el reverso de lienzo, usa la parte mala sin preparar de la tela. Descubre que no había posibilidad de corrección. El reverso lo interviene con oleo tipo acuarela muy fluido. La relación entre pintura y cuadro es indeleble, no se puede separar, se ve la textura del lienzo. Gauguin en las islas Tahití donde murió usaba la tela de saco o artillera, un instrumento poco heterodoxo. El grosor de cáñamo del lienzo incorpora una muy bella impregnación. Lienzo sin imprimar usa. Deja partes sin pintar. Los lienzos son apilados por el suelo. Hace obras de ciertos formatos, pequeños o grandes. Deja vírgenes grandes superficies de la pintura.

Tiene más influencias de la tauromaquia de Goya y Picasso, por haber leído a Lorca, el réquiem por el torero muerto Ignacio Sánchez Mejías, a las 5 de la tarde, verso que se repite todo el rato, le cogió el toro y se murió. El elemento iconográfico que aparece es la vitalidad. la juventud, el instinto muy irracional, la fuerza, la vitalidad. “Solo he visto un par de corridas, con una es suficiente para ver esa vitalidad fuerza y coreografía en el espacio”. La plaza se ha restringido como el toro que parece que está humillado. No hay identidad en el rostro de la figura humana y se limita al espacio. Este estudio, a pesar del caos, lo hereda el ultimo amante oficial. Muere en 1992 en Madrid. a consecuencia de una neumonía que se agrava por ese asma que acarrea desde pequeño. Desoyendo el consejo del médico de Londres viene en Abril del 92 a España con José capelo, un empresario madrileño 40 años más joven que el que era su amante. Se movía mucho, viajaba mucho. Del estudio que tiene desde el 61 en Londres viaja a todo el mundo. Es disciplinado. Se levanta por las mañanas para aprovechar la luz que entra. Comía, pintaba e iba a los pubs londinenses con sus amigos. Se quedaba hasta las 5 o 6 de la mañana. Pero al día siguiente se levantaba temprano para aprovechar la luz que baja por ese cuaternario y pinta. Ese estudio fue heredado por este amante, Jon eduawrd que se lo ofrece al gobierno británico cuando él muere. Y lo rechazaron. Eso es como decir que os damos a Baracaldo toda la obra de arte del estudio de miguel Ángel y va Baracaldo y no lo quiere. El estudio de Bacon se ha llevado pieza a piza con una precisión arqueológica a la galería municipal de Dublín, se ha llevado desde Londres. Estaba enfermo, no se cuidó, hizo caso omiso de los consejos del médico en Londres. José Capello fue su ultimo amante, el empresario. Vino a Madrid y se pone peor a los 4 días y muere en la clínica Rubens acompañado de dos siervas de Jesús, dos monjitas cuando era ateo. Decía que no quería una ceremonia a nivel religioso, o un homenaje póstumo. Y así fue, se incineran sus restos y se envían a Londres y no se hace ninguna misa. Era un artista profundo, sin parangón hasta el día de hoy. Hasta su estudio es una gran obra de arte. En la obra de 1991 retrata el estudio de un toro que se ha encontrado hace diez años. Martin Harrison es el gran especialista de Bacon, él ha hecho el catálogo razonado de su obra, es el comisario de la exposición del Guggenheim y el ha encontrado su última obra a 2 km de Londres donde tenía Bacon el estudio y ahora pertenece a una colección privada. El toro es influencia de goya Picasso Velázquez y Lorca. Es un toro con miedo a salir a los toriles, a la plaza. Qué espacio es ese, cómo trabaja. Toda esa superficie es el lienzo virgen sin impregnar ni intervenir con la pintura. Se observa cierta rugosidad textualidad, y añadió el polvo de su estudio, polvo vestigio del paso del tiempo, dónde nos habla del tiempo y la muerte. Polvo eres y en polvo te vas a convertir. Es su especie de testamento. En el 91 se ve frágil, pero sigue viajando y pintando. No le gusta el termino hogar. Se asienta en Londres con ese estudio. Hace de su obra una distorsión de la historia del arte, y una trasgresión, con la provocación de una catarsis y una performance o happening. Profundiza en la realidad, sin concesiones, ni idealizaciones. Sus fantasmas carnales tienden a desaparecer. Con espacios mínimos crea una obra inmensa. La crucifixión, la animalidad, la crisis, la copula, la soledad, la decrepitud, la violencia y la sexualidad aparecen en su obra. La exposición la tenemos hasta el día 8 de enero. Se cumplen 19 años del Guggenheim. Ya era hora de que tuviésemos el lujo de presenciar las obras y el recorrido de este autor del siglo xx. A función de los ritmos horarios pasen a verlo. No ensucia los colores, usa ocres sucios. Pablo Picasso escribió una obra de teatro en la segunda guerra mundial cuando estaba recluido aislado en parís, el deseo atrapado por la cola, lo llevó al cine el director Camus.  ¿Qué quiere decir que no ensucia los colores? Usa verdes carmines claros rosáceos… la gestualidad la recoge de la obra de van Goth, hay vibración de la superficie, ese color ocre sucio, consigue los que tienen la grandísima academia. No ensucia nada, todo es limpio y ordenado. Dentro del caos encuentra el orden. En el retrato de Michal lady, intelectual dramaturgo pensador de su época, acentúa el cerebro la cabeza. Este hombre dominaba la palabra, era dramaturgo, tenía una gran capacidad de invención. Fíjense como reproduce los labios de una parte a otra, con gran dinamismo. Hay simetría. Parecen fotos en movimiento. El género del retrato es un género híper clásico ya. En este tipo de obras ves la capacidad y elocuencia de este hombre. Esta foto es la imagen promocional de esa muestra. Fue un gran intelectual, se codea con la crem de la crem de los artistas. Fue autodidacta, pero tiene influencia del siglo de oro español, Velázquez, murillo, de hoya, del romanticismo, del expresionismo europeo, de la nueva objetividad de Gross, de Picasso, del surrealismo y el cubismo y otras vanguardias, del abstracto, del arte pop… un artista completo y genial que hace trasgresión pero basándose en la historia del arte.