EL CINE EN BLANCO Y NEGRO; FOTOGRAMAS DEL BUEN COLOR

El cine en blanco negro, fotogramas de buen color

Sirva esto para lo que sirva, sirva como homenaje al cine clásico, al cine e blanco y negro y sus orígenes. Los directores del cine de los años 30 y 40 vienen del mundo del teatro. Sus guiones son una interpretación condicionada de ese otro mundo que ya conocían. Se encuentran con un nuevo mundo distinto que es el de la imagen en movimiento. En sus comienzos esos actores, directores y maestros de la fotografía van a copiar estas obras de teatro iniciales. Hay una impronta de ese mundo La representación de estos actores está condicionada por el teatro. Esa dicción de la puesta en escena va a tener mucho valor en la actuación de esos primeros momentos de la historia del cine. Los guionistas están muy influenciados por el mundo del teatro. Las temáticas de esos primeros comienzos del cine se centran en el mundo de la comedia, la historia, la política, el humor… esa comedia de la vida supone un antídoto a las situaciones trágicas de la propia vida. La comedia no es más que una forma de dulcificar esas situaciones trágicas dramáticas de lo cotidiano. El humor será una forma en los comienzos del cine de compensar ese malestar o sentido trágico de la vida, que diría Unamuno. Los directores primero serán guionistas, Billy Wilder rueda Irma la dulce, el apartamento, con faldas y a lo loco, oriente y occidente, la de la coca cola… intentará romper la realidad con ese humor. La tragicomedia de la realidad está muy patente y clara en todas sus elucubraciones reflexivas sobre la realidad. Actores como Claudette Colbert harán una comedia llena de sabiduría. Hay mucha picardía, inteligencia, doble sentido de las cosas. No son narraciones lineales, sino que se pretende encontrar en el humor la sabiduría de la picardía inteligente. El maestro de la comedia es Frank Cappa, la vida pretende ser con ese toque de humor un compromiso ante lo social, ante la vida, una forma de utopía libertaria que a través de imágenes aparece en los comienzos de la historia del cine. Las películas de los años 30 son muy lineales, se ven muchos fotogramas de primeros planos. Pasamos de ese teatro a un movimiento también teatral en el primer cine. Los primeros planos son una forma de teatro en movimiento. La cámara no hace verdaderos registros de grandes espacios o exteriores. Este cine se hace dentro de los parámetros de los estudios. Con ello tiene más que suficiente al hacer estos espectáculos y discursos lingüísticos. A través del lenguaje, aparecen directores que usan la filosofía dentro de lo que es el cine. Jhon Ford rueda películas en blanco y negro; la diligencia, el hombre que mató a daily balas… tras el western, el cine del oeste hay mucha filosofía, que afecta al componente humano, aparece la venganza, el rencor y la piedad… pasiones humanas plasmadas en el discurso cinematográfico. Personajes que aparecen como elementos de juicio para el estudio filosófico de lo que representan. El cine es más que un mero discurso o fotograma, lo relacionamos con la filosofía, con la interpretación de la razón. Esos personajes nos dicen una serie de cosas que podemos analizar. No son solo imágenes, generan humor.

 Harold Lloyd, charlot, buster Keaton…son imágenes de este humor, humor del absurdo, de lo que llamarán después el teatro del absurdo. No tiene lógica, incita a cierta forma de humor inteligente. Vislumbramos matices muy críticos políticos en el cine de Charlot; en el niño o el gran dictador o tiempos modernos, refleja el planteamiento de las luchas de clases. Encarna la idea filosófica de interpretar realidad a través de las clases sociales. Revindica una clase social determinada. El cine toma cuerpo, más allá de las imágenes, hay una interpretación o hermenéutica. Umberto eco es hermenéutico, en el nombre de la rosa interpreta el trasfondo de ese monasterio donde hay asesinatos y gente muerta, a que se debe todo esto. Umberto eco nos enseña hasta el final que ha acontecido en ese monasterio del siglo XIII. Es una historia diseñada, calculada, entre el relato de filosofía y la historia, entre la novela negra policiaca y el cuento gótico. Refleja las pasiones humanas, la convivencia entre los monjes, muchos de ellos homosexuales. El cine es el maestro. Hay tempo para la política, la resistencia al nazismo. Jean Renoir rueda esta tierra es mía, donde los personajes revindican su realidad como seres humanos frente a la barbarie. Mencionemos la película de jean Renoir a su padre, es un homenaje al pintor que pudimos ver en el sótano del Bellas Artes, con motivo de la la exposición de Renoir. Rodó también la gran ilusión.  Vencedores y vencidos refleja un tiempo histórico determinado. Aparecen interpretaciones de comedia, de política, de filosofía en el western o en el relato bélico, de guerra. Samuel Fuller, americano, hace pelis de guerra, de combate bélico, detrás de esto el ser humano tiene sus pasiones, juegos de venganza, perdón y piedad y una psicología profunda y humanismo… el cine es más que desarrollo de imágenes en movimiento. Ese cine en blanco negro goza de buenos guionistas. Son la antesala de la vanguardia. Las realidades vanguardistas afectan a la comedia, a la política, al humor. Se ríe de los convencionalismos. El apartamento de Billy Wilder es un caso de mobbin en el trabajo. Jan lenon para ascender de puesto de trabajo tiene que dejar su apartamento a un directivo de empresa para que hagan sus juergas. Si quiere subir en el escalafón de la empresa, debe dejarles el apartamento. Al principio es un juego de divertimento, pero es tragicómico, tras la comedia vemos el fondo de tragedia. Se toca el tema de la prostitución en Irma, la dulce. El humor está presente. Los proxenetas son entrañables, los policías que controlan, el mundo del hampa son tratados con la poética del humor.   La guerra fría está presente en Billy Wilder. La lucha entre oriente y occidente. Un dirigente del comunismo se convierte en director de la coca cola. Juega con la imaginación y la comedia dentro de tragedia. El tema del alcoholismo lo trata bien, el moobin laboral, la prostitución, la política, las relaciones interpersonales. Dentro siempre hay una falsedad. Exagera esa parte de falsedad, para que nos demos cuenta de donde están los déficits dentro de la humanidad. Es un humor no cándido pero que invita a la reflexión. Se suman las interpretaciones con sus personajes que son entrañables. Los corruptos del sistema de abogacías en EE.UU. aparecen en sus películas. El mundo del periodismo aparece en la película primera plana. Es el mundo de corrupción. Ante un hecho político cambia la realidad según los intereses del medio, las inversiones y el propio capital. Retratan un mundo demoledor. Conocen la realidad histórica de lo que aconteció en el pasado, el pasado lo filtran por el embudo del sentido maravilloso del humor. Así nace la comedia como necesidad de vida, para alejarse de lo trágico que impone y te incomoda. La comedia y risa te hace más libre, conoces los fallos o lo que es la realidad. La sonrisa, la risa, (no la carcajada), ese rictus de humor, es el filtro de la inteligencia que está trabajando de forma variada con mucho vaivén. Los directores nos hacen ver que realidad no es tan homogénea como parece ser. 

 

Hay un cine aquí en blanco negro que queremos homenajear; la comedia italiana de los años 50. Hay mucha ironía. Refleja lo trágico del conservadurismo de una época política. Dino rissi, hector scolla, describen personajes busca vidas, engañadores, timadores que se adaptan a la sociedad. Son picaros porque la sociedad impone su voluntad. Ellos se defienden de la sociedad. Alberto sordi, marcelo mastrionani y victorio gasman reflejan esa Italia de picardía, y lucha por la vida, como diría Baroja. El vendedor es mentiroso y timador. Engaña para sacar adelante su propia vida, no de forma trágica sino con la comedia. Vitorio gasman crea un personaje entrañable de esto. Recuerda al cine de la república. Se hace una caricatura de la picaresca española de los años de la transición. Intenta recuperar ese mundo del engaño, de la mentira, Luis García Berlanga exagera lo que es el alma humana mentirosa y en búsqueda siempre de la propia identidad. Bienvenido míster marshal, el verdugo, placido…. son situaciones trágicas, dramáticas, de comedia, de humor y psicología del tiempo de entonces que hoy día sigue siendo actual. Si Berlanga viviera hoy, con todo el tema de la corrupción, haría muchas películas. En los años 80 dirige una película; todos a la cárcel. No diremos nombres propios que están en los periódicos. El uno vende al ministro inodoros. En una cacería mienten todos como bellacos para conseguir la firma. Acaban todos en la cárcel.

El verdugo es un hombre que tiene ajusticiar a otro, con toques de humor. Aparece la España negra, que no es para tirar cohetes. En bienvenido Mr Marshal se espera a los americanos que vendrán a nuestro país a hacer de este pueblo un paraíso terrenal. Los americanos pasan por el pueblo y no se quedan ni diez minutos. Pasan rápido con el coche. Mantiene la ilusión el pueblo, que los americanos dejaran dinero en el pueblo, que la maestra podrá viajar no sé dónde. También tiene patrimonio nacional, escopeta nacional, nacional 3.. Si hoy viviera tendría guiones impresionantes con estas noticias de corruptos. El cine es un apunte de la propia realidad, con humor o sin él. Esas películas de hace 40 años siguen con vigencia y actualidad pues no ha cambiado nada. Los personajes siniestros van en pro de la mentira con la que funcionan en el día a día. Los corruptos forman parte de nuestro espectáculo diario como si fuera natural que jueguen con el dinero público de todos. Berlanga era un filósofo de la denuncia y la sátira, los sarcasmos, la ironía. Elige para sus películas los mejores actores del momento: Marisa Pérez, personajes importantes como José Luis López Vásquez, Luis escobar, Agustín González… cogía lo más florido y granado de los actores que venían del teatro (inter relacionado con el cine) y enseña que el cine es algo más que imágenes. Es una forma de reflexionar sobre la vida. 

 

El cine es vida en imágenes. El espectador es receptor de esas imágenes y se comporta como un hermenéutico que trabaja lo que está viendo. Los videoclubs eran muy importantes en esos años. El cine no te enseña a pensar sino a ver las múltiples formas de comunicación y expresión de la propia realidad. Ese cine en blanco y negro o en fotogramas del buen color lo rescatamos ahora para el gusto de todos. La cámara se va moviendo de forma lenta y pausada con discursos muy elaborados y nos enseña a repensar la realidad. Lauren bacal y bogart defienden la democracia en el sentido más amplio del término frente a los totalitarismos; en ser y tener, Casablanca, el sueño eterno… estos directores tienen un compromiso de su tiempo histórico contra el nazismo. Defienden la democracia liberal en EE.UU. y el compromiso político era importante pues el dinero venía de los judíos. En los años 40 se da la caza de brujas del senador mc carthy, que acusa a muchos directores y actores de ser comunistas. Les exige pasar por una comisión. detectan si eso es una realidad y por tanto tiene una visión antiamericana de la historia. El cine tiene un compromiso antifascista y dan otra visión al margen de liberalismo económico y político. La caza de brujas fue cortapisas para coartar la libertad de opinión y creación. Fue anterior a Reagan. 1945-50. Ronald Reagan en los años 80 persigue a los comunistas, es visceral con ellos, como Nixon. Reagan fue un actor secundario que hizo películas, fue actor en esa época, era de extrema derecha. En Hollywood se infiltran esos comunistas. Desde Hollywood se lanza al mundo toda la industria cinematografía. La caza de brujas es un control ideológico de esos responsables políticos. El discurso ideológico es muy potente en la época. El cine en blanco y negro es un arma potente para hablar de todos los temas universales; de las pasiones, de comedia, política, historia… Griffith dirige la película el nacimiento de una nación y nos enseña lo que es el kukusklan, el liberalismo, la lucha de esclavos contra los dueños… ese mundo de EE.UU, la democracia burguesa, se expandió al planeta tierra. EEUU dirigía la civilización. Orson Wells dirige los 4 mandamiento de la familia Ford, la familia que distribuía los coches (Trumps intenta potenciar la empresa automovilística) La película nos enseña cómo es esa familia el ideal economicista de exportar a la tierra el liberalismo, y lanzar coches al mundo. Ford dijo; sé que el invento de estos coches parecerá un escándalo. Es un invento positivo para el planeta tierra, pero esto también va a generar muchas muertes. La película cuenta la lucha entre familiares por el poder. Parte de las pasiones, la ambición de la familia, en un proceso de expansión hasta el infinito de los coches. En el futuro se harán películas de la expansión de las nuevas tecnologías. Sustituyen a los coches; lo que en 1900 es el coche, en el año 2000 son las nuevas tecnologías más sofisticadas. El coche no es tan importante. 

Es más importante la línea estratégica de fibra óptica. Habrá momentos históricos en que se haga una gran película sobre las grandes tecnologías. Hay una película sobre un hombre que se enamora de la voz de una computadora. (la computadora tiene la voz de Scarlet Johanson) la peli se llama Heart. Un hombre es feliz porque tiene una dialéctica con su computador y ella le contesta como ser humano. Le dice buenas noches y qué tal estas. Se engancha al ordenador porque encuentra la felicidad con esa voz. Un día le pregunta a la voz si es el único con el que habla, pero la voz habla con 450 personas. Tiene unos celos tremendos. Él pensaba esa mujer voz era fiel con él. Tiene que compartir la voz con otros. Termina la película muy triste, pues se da cuenta de que la maquina no es el ser excepcional que había imaginado, y la comparte con otras personas. Se desconecta de la voz, y tiene un síndrome de abstinencia y ansiedad con la voz. En la película aparecen los modernistas edificios de Nueva York preciosos. La música es de nueva era, pausada, tranquila. Mete matices de humor. Unos amigos le invitan a un fin de semana con sus respectivas parejas. Tiene que llevar al ordenador como pareja. El ordenador habla como ser humano. Es una cosa de ciencia ficción y realidad por dónde van los tiros. La realidad es más difícil. Ya no hablamos. Todo está sofisticadamente tecnificado. La prensa quiere llegar primero a las noticias y eso es más importante que contar la verdad. Se celebran simposios en Bilbao sobre nuevas tecnologías sofisticadas. Hacen grandes inventos rompedores en el congreso y feria tecnológica en el bec. La dirige gente muy joven, intuye que muy preparada. La delegada del consultin fanding. Cada vez son más rabiosamente jóvenes. Es gente muy preparada en el momento histórico que nos toca. Innova blbao 2017 en el Guggenheim. Participa mucha gente de empresas desconocidas, pero algo nos chirría. Son ferias de tecnología donde la gente de negocio va a venderse. Antes los congresos eran de lenguaje, literatura y modernidad. Los emprendedores constantemente aparecen inventando el futuro donde el tiempo y los ciclos pasan por esos derroteros. Bilbao es un lugar donde posiblemente el lenguaje como lenguaje queda posibilitado gracias a las nuevas tecnologías. La sofisticación de la nueva tecnología suple lo que antes era el lenguaje. Tengo 3mil cien amigos de Facebook. En la vida real uno tiene uno o dos amigos. Recomendamos ver la película del inventor de Facebook. Parece en nuestra era de acuario que todo es artificial. Nunca ha habido tanta información en el planeta tierra y nunca ha habido menos comunicación humana. Al haber tanta información se poraliza y se extreman las tendencias radicales. Millones de personas repiten el mismo mensaje. No se usan los fonemas o recursos de antaño. Hay símbolos para decir las cosas. No es un lenguaje rico en vocalización, con uso de recursos del propio lenguaje… la maquina hace que uno este menos aburrido que nunca, siempre hay posibles, pero nunca ha sido tan factible la incomunicación. El lenguaje está supeditado a las nuevas tecnologías. El cine tiene un discurso que entronca con la realidad. El análisis de la realidad viene de muchas maneras. Una maquina te dice; estas a dos minutos de llegar, te faltan tantos kilómetros. Pulsas una tecla y te cuenta la vida de alguien. Las tecnologías han revolucionado la sicología, la antropología, el control humano. Si todo está hecho para que vas a leer un libro. La máquina te lo resume el libro incluso. Hizo una prueba. Carlos miró a ver si aparecía el final de la crítica a la razón pura de Immanuel Kant.  Buscas el título de una peli que no te acuerdas, tardas tres segundos en buscarlo y al final te lo dan. Parece magia. Tiene sus pros y contras.  El cine está abierto a la historia, la ciencia, el humor, el compromiso, al drama trágico. El cine trabajaba con imágenes, planos. Ahora se pueden inventar los planos, que haya miles de personas donde no hay nadie, gracias a los arreglos de programas informáticos de diseño. Antes se hacían trávelin, juego de cámara, se trabaja el arte del cine. Para un artesano aquello tenía más calidad que lo que puede tener ahora en una conexión con el ordenador donde las imágenes están ya hechas. La fotografía mató al arte clásico, al retratismo hiper realista y al dar un paso histórico a la abstracción y otras comunicaciones, menos fotografiadoras. Llegó la fotografía, ya no hace falta pintar como Velázquez. El cine va por otros derroteros. O se convierte en cine de consumo o en videos arte de cine experimental que entiende una elite minoritaria y endogámica. En abril del año pasado el cine club flash de Indautxu proyectó la escapada, el sorpaso de dino risi. El cine estaba lleno de gente de determinada edad. En el cine club de Indautxu no cabía un alma. Vieron la obra maestra de dino risi, y Héctor Scola. Un profesor de universidad le dijo; esto es cine y no langosta. Langosta era una película hecha con nuevas tecnologías sofisticadas. Las pelis antiguas las debemos ver en deconstrucción. El Sorpaso representa lo clásico en el cine pero en bien, con calidad, guion, humor, reflexión, tragedia-comedia… es lo clásico de siempre frente a lo sofisticado que es elitista intelectual. Descodificas lo que el director quiere decirte. El director hace una especie de sicoanálisis. Se enfrenta lo nuevo a lo clásico, el cine de minorías y lo que mayorías ven. Las elites minoritarias comprenden este cine y se quedan con lo clásico. Una vez al mes el cineclub da una peli clásica de los años 40, 50, como el grito de Antonioni. Es el cine club más antiguo de España, de los años 50. Hacen proyecciones interrumpidas en 40 años. Proyectan una película clásica en blanco y negro; dino rissi, Héctor Scola, Antonioni.. Siguen quedando estas películas en los videoclubs para debatir cómo pasa el tiempo. Algunas mantienen su vigencia y otras han quedado obsoletas. Hay directores muy elitistas, kierlosy, andrei tarkovsky es un estilista, en su discurso del cine como creación artística. Supedita el discurso del lenguaje al discurso de la imagen. La imagen es la verdadera belleza de su cine. Es un jeroglífico si te quedas solo en el discurso lingüístico. Pero si te olvidas de que existe la palabra y el lenguaje ves el discurso fílmico, las imágenes, y es de un colorismo y riqueza impresionante. Sokurov, director ruso, usa el leguaje secundario de lo verbal, pero lo importante es la imagen; una puesta de sol, un hijo que lleva a su madre a la cabaña por un campo a la tarde noche cuando el viento choca con las hojas del árbol… es de gran plasticidad y riqueza visual. Las primeras películas de Woody allen no son más que lenguaje constantemente. Se pasa 90 minutos hablando, no te deja descansar. Se estrenaban sus pelis en gran vía, en la sede BBK de cultura. No vuelvo más, decía Carlos. Era un bombardeado constante de lenguaje neurótico. Le costaba 3 veces más rodar estas películas que otras, porque se olvidaban los discursos, no se podían aprender miles de páginas de los miles de libretos que había.  Woody Allen es una ametralladora de escribir, del lenguaje lleno de referencias, personajes secundarios, juegos de palabras, dobles sentidos entre líneas. Es pornografía para eruditos. Esas imágenes aparecen para sentir placer y goce estético. Es una nueva manera de entender la realidad del cine. Alexander sokuro y andre sairkosky, son autores clásicos del cine como estética. Un director es un filósofo. Las películas de un director a otro varían igual que varía la filosofía de un filósofo a otro. el cine de jon Ford, es como la filosofía de Descartes, Platón... dime que director te gusta y te diré quién eres. (mi preferido es Woody Allen) Te puede gustar el terror y miedo de Hiscoth, esos submundos. Frank Cappa es un director muy utópico, hedonista, ingenuo, amante de la belleza. No le gusta lo oscuro negro de la vida. Es amante del ideal de belleza y el afecto por la vida, es el “pablo Coelho” del cine. En los años 40 rueda Caballero de fortuna con jean steward, qué bello es vivir, vive como quieras. Es una especie de anarquista de derechas. Pone el toque libertario dentro de la estructura, no es rompedor de las cosas ni trasgresor. Dentro de esa utopía los personajes tienen un compromiso. No eres feliz porque no quieres. Venga, chaval puedes ser feliz. La solución esta dentro de ti, no te quejes mucho, puedes encontrar la felicidad si lo buscas. En blanco y negro hay una idea filosófica de todo esto. El cine de Allen es alocado, con humor, lucidez, irónico; manhattan, anie hall, poderosa afrodita (que haces esta noche, suicidarme. ¿Y el viernes?) Es humor ácido. Hay un sketz de este hombre genial. Se ríe del nihilismo que en aquella época en Nueva York era la ostia. Se ríe de los intelectuales, del propio humor. El teórico de la comunicación Marshal mc luhan en los años 80 daba la avanzadilla de lo que hoy es internet y ya hablaba de la globalización. Diana Keaton y Woody Allen van al cine. Empieza a hablar de mc luhan un profesor de la universidad de Colombia. Uno en la cola le dice que no tiene ni idea de lo que habla. Tengo tesis doctorales, chaval. Usted no sabe de qué habla, yo soy marshal mc luhan. 

 

En bell de Jour aparece una caja de zapatos donde no se sabe lo que hay. Interpreta lo que hay dentro de la caja de zapatos. El público intenta interpretar porqué había puesto la caja de zapatos. Este tipo de cine desmitifica la realidad. Recuerda a los hermanos Marx. Des idealiza la realidad. El humor es más bajo y sátiro, más sabio, desmontas la realidad con sutileza y humor. Noche en la ópera, más madera, el camarote son obras maestras de los hermanos Marx. Desmitificas lo que en apariencia es estricto y rigurosos y es la realidad. La realidad que se vende como realidad no es tan real como parece porque ella se desmonta. Ya lo decía García Calvo, es la realidad que nos venden como realidad. En el camarote miles de personas entran, quiero dos huevos-le dicen al del servicio, va entrando la de la limpieza, va entrando la comida que ha pedido y se meten todos en el camarote. Los Monty Paiton siguen con este tipo de humor en la vida de Brian. La literatura en argentina tiene un humor sabio de sabiduría. El humor no puede ser chabacano, tiene que parecerlo, pero no serlo. La buena sátira se ríe de la realidad, convierte el mal de muchos en el mal de todos. No lo ves complejo y se pueda reír el menos inteligente sin haberlo comprendido. Es la democracia en el humor.

Hablamos del cine de sorpaso. De dino risi, francisco scola, cine y humor… de las primeras películas en color. Es una transición el paso del blanco y negro al color, pero las temáticas son las mismas. El western sigue siendo western, y la comedia; comedia. Los medios técnicos se apoderan del cine. Las imágenes eran más constates y menos trabajadas. Se estremizan. El artesano es más artesano. Las nuevas tecnologías te garantizan la posibilidad del encuadre, de las técnicas con trípodes, el trávelin. Y todo lo que conlleva el montaje cinematográfico. El cine creció como la pintura, desde que llegas a Velázquez hay un proceso de llegar ahí antes. El cenit fue en los años 80. En ese momento el cine era Velázquez. Pones la muestra al público y decides que se va a poner o no. En el corte del director hay cortes buenos o malos. Ves lo que el del márquetin ha decidido hay que ver. Se mete el márquetin en el cine. Se separa el corte del director, lo que había querido hacer y el comercial, lo que le permitieron. Eso lo hacen con todas. Esa escena era importante para entender la película y la han cortado. La película de Francisco Rosi del 79 cristo se paró en Evoli, el director italiano la hizo en 230 minutos y la productora solo le permitió que fuera de 169 minutos. Le pegó un tijeretazo impresionante. Había visto la película en la versión que la productora había decidió. El destino hizo que en la UPV esté la peli italiana en su originalidad. La RAI (la tele italiana) la pasó en capítulos.  Está en la UPV en documentos de cine. La cogió y la vio en sus años universitarios Carlos. Los 60 minutos cortados es lo que dan fuerza a la magnitud perfecta de la película. ¿Por qué han cortado estas escenas? Son escenas de debates impresionantes sobre política. Alguien decidió que no salieran. Con 170 tenemos más de sobra. Esto es una debilitación del contenido global de la propia película. O el cine comercial de los 80, Blade runner. Con el corte del director entiendes lo que dice desde el minuto 0. El corte comercial te quita la parte final. No se entendía. Había que quitarlo. Deja el final ambiguo en contra de lo que quería el director. Había un final claro; que el protagonista realmente era un androide. Es una joya en primera versión, aunque sigue siéndolo en la segunda. Qué pena que esto no se haya visto. Entre bastidores hay planteamientos que dan otra visión y la enriquecen cada vez más. Se cortó la película. Si ves la segunda parte te decepciona. Ya se sabe que segundas partes no fueron buenas. Y quizá cualquier tiempo pasado fue mejor, pero la genialidad de estas obras del pasado no deben eclipsarnos de valorar las joyas que eventualmente siguen mostrándose en los videoclubs, cineclubs y a veces en el cine comercial.