HISTORIA DEL CINE. LOS DIEZ MANDAMIENTOS DEL CREYENTE CINEMATOGRAFICO

Empezamos la sesión de hoy rezando el decálogo del buen cinéfilo: No hay más cine que el cine de arte y ensayo. Honrarás el cine del oeste del que Jon Ford es su profeta. No mentarás el nombre de Billy Wilder en vano. Adoraras a Jon Ford sobre todas las cosas, amarás el ritmo lento y pausado de Eric Romher, Visconti o Jacques Tati, no dejarás de ver una película de  No hablarás mal de Antes de que Amanezca de Cuerda.

Norai es una asociación religiosa. He de aclarar que soy agnóstico desde que leí a Ortega pero un ateo también puede admirar el arte románico. Y yo admiro lo que esta asociación está haciendo por la gente del barrio. Puedes disponer de libros para lectura sin compromisos, sin devolverlo o comprarlo o alquilarlo, sólo con solicitarlo, una forma libertaria de hacer cultura. Aquí en Norai hacemos teatro, cine fórum y talleres de filosofía. Antes que el grupo Norai está el individuo persona que se convierte en ciudadano y decide entrar en esta asociación. Nosotros aquí hemos montado nuestra propia religión, con nuestros propios postulados. Los 10 mandamientos son míos, tengo fe religiosa y he visto la luz en esta montaña donde Dios me ha dado estas tablas de la ley. Una forma de introducir la sesión sobre cine evocando esa magnífica película de Charlon Heston, los 10 mandamientos. Además del westerns, hay otro género de culto que es la película religiosa. Esta película nos remite a muchas más que generalmente se suelen emitir en semana santa y semana de pascua. También me acuerdo de la caída del imperio romano o de Espartaco y todo ese cine llamado “de romanos” que tanto gustaba al mitómano Terenci Moix, autor de mis inmortales del cine.  Hemos hecho un concilio, una reunión entre individuos de corazones afligidos, queremos encontrar la fe en el cine, sabiendo que no hay una Verdad verdadera sino verdades. La religión del cine es politeísta pues adoramos a muchos directores, a muchos galanes y divas.  Está abierto a muchas interpretaciones y somos heterodoxos y místicos como los luteranos, los erasmistas, los protestantes que protestan o Santa Teresa.  Es mejor tener varios dioses por si el dios único te falla. Cuando lleguemos al paraíso quizá nos aparezca Alá expulsándonos. Mala suerte. Hemos decidido honrar al dios equivocado. Y nuestro Dios, el Cine, tiene mucho de demonio, de diablo, de Mefistófeles que tenta al fausto cinéfilo. La religión tiene sus mandamientos y su serie de pecados y virtudes. Permitámonos pecar un poco viendo cine.

El cine se enfrentó frontalmente a la literatura. Revolucionó el mundo del arte. El cine sustituyó a las novelas de aventuras que se publicaban en los periódicos y revistas, aventuras que se proseguían semana a semana en los llamados folletines. La literatura dejó de escribirse en modo de acción o aventuras porque para eso ya estaba el cine y así la literatura conquistó el terreno del monologo interior. Las novelas dejaron de ser los 3 mosqueteros para convertirse en Madam Bobary. La novela permite la introspección psicológica que en el cine es más difícil de conseguir. Quedó a rasgos generales el cine para divertir y la literatura para instruir. Sin embargo, es obvio que esta todo mezclado. El cine es el séptimo arte y apela a nuestra imaginación, fantasía, capacidad de soñar. Ya cuando dormimos asistimos al cine de las sábanas blancas. Los esclavos de la caverna de Platón también asistían a una película de sombras chinescas que ellos tomaban por real. Para muchos fans, las películas son más reales que la vida. Y a veces una película puede reflejar mejor la situación de un país que mil telediarios que tomamos siempre por real- racional.

El primer cine era mudo. Era la imagen directa al espectador con pequeños rótulos y letreros. Era un cine inocente como el de Chaplin o el gordo y el flaco. Luego llegaría el dialogo desternillante de los hermanos Marx aunque la escena del camarote lleno de personas habla por sí solo. Y el cine de Buster Keaton. Al llegar el dialogo y después el color el cine arrebató a la literatura la capacidad de hacernos soñar. El primer cine de los hermanos Lumiere, aquellas imágenes de la luna…el primer cine es de aventuras, de drama, de pasión, de misterio. Un clásico es el cine del oeste o muchos rodados en Almería, donde todo se divide en buenos y malos. Como los cuentos. Como los tebeos. Y los buenos eran los yanquis y los malos las pobres reservas de indios cherokies. El sheriff enfrentado al villano. Ambos se miran frente a frente. Los ganaderos del pueblo observan el combate refugiados y escondidos en el salón. Suena un disparo. El pistolero ha disparado al cielo. Dan unos pasos atrás. Y el sheriff dispara. La bala sobrevuela el aire. Silencio, los caballos levantan una nube de polvo y no hay más ruido que una brizna de paja. El villano cae herido, la mano sujetando el corazón. Lo ha matado. Su cuerpo cae para atrás. El sheriff abre las puertas del salón y las bellas bailarinas bailan el can can. Corten. Silencio. Se rueda. Este cine se caracteriza por la buena fotografía, vestuario, la decoración de papel cartón del escenario y esos diálogos magníficos entre el protagonista y el antagonista a causa del objeto de deseo, generalmente una bella dama. El sheriff representa el orden, del pueblo, de la cultura, frente al caos del malvado villano o del indio. Películas que hablan del bien y el mal, del perdón, la piedad y la venganza. Tenían un discurso filosófico, primeros planos, era buen cine.  Ahora son películas que nos duermen como documentales de la dos. Todos recordamos el bueno, el feo y el malo. Antagonista protagonista objeto de deseo. Y la película la caravana. O la diligencia. A clean eastwood.  

El segundo mandamiento es no tomaras el nombre de Billy Wilder en vano, porque simboliza la comedia que encierra tragedia. El cine de Hollywood de los años 40 y 50 es perfecto, con unos guionistas buscados entre lo más selecto de la literatura. Simpatizamos con la prostituta Irma la dulce. Era un cine hecho por comunistas y simpatizantes de lo radical que sin embargo se vendió como un mensaje conservador y familiar. El cine de Hollywood era conservador como la sociedad de su tiempo pero muchos de sus guionistas eran de izquierdas y estuvieron perseguidos en la caza de brujas de Mc Carthy. Recordamos a en los caballeros las prefieren rubias o la tentación vive arriba. Las faldas de Marilyn levantadas por el viento. Y también (vacaciones en roma, dos en carretera, diario de monja, desayuno con diamantes, del genial Truman Capote..) y Catherine Herburn, la gran Ryta Haiwoord pegando la bofetada en Gilda, Marlene Dietrich en el cine alemán como el ángel azul, Bette Davis y sus papeles de diva fatal, la gran Glorya del crepúsculo de los dioses (una actriz en decadencia, en el ocaso de su carrera, que no se resigna a papeles de secundaria o al olvido y que quiere rodar su gran película, secuestrando para ello en su mansión a un guionista) Si Bette Davis hace siempre de mala, Audrey Herburn hace siempre de buena, con esa mezcla de inocencia y candidez junto a su compromiso con los comunistas y el final de su vida cuando decide ir a África de misionera. Pero sin duda la que destaca entre todas ellas es Marylin Monroe. Los galanes, que también los hubo, estaban más a la sombra.

Después de ese cine de los 40, 50 y 60 se pasó a un cine más comprometido socialmente. Son los años 70 y nace el surrealismo y el neorrealismo italiano. Felini crea amarcord y obras donde mezcla la mitología griega con personajillos homosexuales. Felini era esquizofrénico y homosexual. Al igual que Pasolini. También crea la dolce Vita y su famosa escena en la que ella se tira a la fuente de agua de Roma, a la fontana de Trevi. Nombres como Begnini, Rosellini, Alberto Lattuada, Giussepe de Santis, Mastroniani, Victorio de Sica o Visconti, Maselli, Castellani, tantos otros. La obra maestra de Visconti es el gatopardo, películas largas de escenarios idílicos, grandes mansiones, el retrato de la burguesía, de su sicología y de sus objetos y obras de arte. (y la película Retorno a Bade Heart de dos homosexuales, el genial Sebastián) Es la época en la que Llina Logovrida y Sofía Loren triunfan en obras como estación Termini, matrimonio a la italiana. La película de Boccacio 70 en la que trabajan muchos directores italianos juntos. Son películas que han quedado ya para el recuerdo.

 En Francia se da en esa misma época la nouvelle vage o la nueva ola. Truffault destacará cómo un genio de la cámara super 8, rodando los 400 gopes o Jules y Jim, sin olvidar Farenheitt (esa sociedad del futuro donde queman todos los libros y a sus lectores) Luego en Francia estará Jacques Tati con su obra mi tío (influencia del tío como en Antonio López) y muchas obras de escenarios cubistas y surrealistas formas geométricas. El cine de , un cine psicológico y alternativo de discurso pausado. Scolla y su discurso de las pequeñas cosas, Rober Preson, Alexandres Somuros. Obras en las que lo que menos importa es el lenguaje porque nos importa su fondo, su significado. La tragedia se convierte en estética en las obras melodramáticas de Flassblinder que también rueda en súper 8, influenciando a Almodóvar. Ambos eran homosexuales, de clase baja, si bien Fasblinder, que era bisexual, murió joven.  Y es que el cine español pasa del acartonamiento franquista a la explosión y eclosión de color de la transición y la movida.

Las películas de Joselito, Marisol, Alfredo Landa, Paco Martínez Soria, Carmen Sevilla, Lola Flores, Concha Velasco, Sara Montiel, las de Pajares y Esteso, Florinda Chico, Rafaela Aparicio, Fernando Fernand Gómez, Estrellita Castro, Alfredo Rey, Guillén Cuervo, Forqué, José Sacristán… son las películas rodadas en el franquismo que pueden verse en cine de barrio. Las películas del franquismo no tienen ninguna aspiración, tan sólo comercial. Son la forma de lanzar la carrera de Lola Flores o Carmen Sevilla y las tonadilleras del momento. En el inicio de la transición este cine se sustituye por el el del destape, que se caracteriza por mostrar muchos desnudos y por un movimiento vertiginoso del zoom. Pero estas obras no pretendían mostrar desnudos artísticos sino simplemente desnudos. En esos tiempos si querías ver un desnudo tenías que irte a Biarritz o país vasco francés, porque en España estaba todo censurado, hasta el final de Casablanca o lo que el viento se llevo. En la transición empiezan a surgir directores que buscan remover conciencias y dar un mensaje. Obras como el diputado o las obras de Eloy de la Iglesia o de Gracia Querejeta, el cine de Berlanga (reírse de los pueblos, de la visita de los americanos en Bienvenido Mister marsal, o la película el verdugo o Plácido) De esa época es la vaquilla, denuncia de la guerra civil. Ay carmela. Etc. El cine de Carlos Saura, de José Luis Cuerda, de Fernando y David Trueba, de Jose Luis Garci (el abuelo. Garci ha presentado tertulias sobre cine)

Luego llegaría el cine de Almodóvar, un estallido de color en el cine gris o blanco negro de antes. El encanto de Almodóvar es reflejar una sociedad pueblerina y mojigata que llega al Madrid de las oportunidades pero que sigue comportándose de forma paleta. En los pueblos destacan los personajes diferentes y con eso juega Almodóvar; caricaturas de personajes homosexuales, cocainómanos, monjas poco al uso, punkis, caos de muchos personajes de la movida, travestis…el cine de Almodóvar ha ido evolucionando, desde la vertiginosa época de la movida hasta ahora. Que lejos Pepy Lucy y otra chica del montón que es una mezcla de comic y fancine universitario con estética punk que escribió mientras era funcionario de la telefónica en la época de la movida. La mejor obra es qué he hecho yo para merecer esto y la que se llevó el óscar Todo sobre mi madre. Ahora su cine se ha vuelto más artificial, más burgués y mas tecnológico, igual que la burguesía madrileña que retrata. El cine surrealista de Julio Medén (en obras como los amantes del círculo Polar, o Tierra Vacas Lucia y el sexo, la pelota vasca que habla del problema vasco) Mezcla también el encanto de los pueblos con imágenes insólitas, herederas en mi opinión del Buñuel surrealista. Buñuel es el director español más conocido con obras como el Ángel exterminador, Viridiana o el bello encanto de la burguesía. También Alejandro Amenábar con sus obras de terror psicológico como Tesis, Abre los ojos etc. Pilar Miró y el crimen de cuenca Gary Coper que estas en los cielos, el perro del hortelano (con dialogo tal cual sacado de Lope de Vega) Directores como Mario Camus o el surrealista Bigas Luna o Aitor Mazo o Alex de la Iglesia (cine violento tipo Tarantino o Escorcesse, como pulp fiction) El Cine de Alex de la iglesia es violento, con acción trepidante y siempre está presente la fantasía; los satánicos, los gores, los góticos, las brujas, los curas, el cine… Vicente Aranda, el cine social de Bardem... Las directoras mujeres Iciar Bollain, Gracia Querejeta, Isabel Coiset…actrices como Maribel Verdú, Veronica Forqué, Enma Suarez, Carmen Maura, Penélope Cruz, Paz Vega.. y actores como Imanol Arias, Bardem, Resines ect.

No podemos olvidar el cine del resto del mundo; Korusawa. Sobretodo el cine estadounidense de los hermanos Copola, Tarantino, Scorcese, Tim Burton y sus obras góticas y tétricas (slepeen holow, eduardo manos tijeras, la novia cadáver, pesadilla antes navidad, batman) y el cine de Woody Allen, tragicomedias que nos hablan de los perdedores, de los antihéroes a lo Bogart, personajes neuróticos que siempre son él mismo enfrascado en diálogos intelectuales con Diana Keaton, Mia Farrow etc Obras maestras como Asesinato en Manhattan, o maridos o mujeres, Mach Point, Melinda y Melinda, scoop etc. Sin olvidar al genial Kubrik de la chaqueta metálica, la naranja mecánica, el planeta de los simios o eyes whide shut. O Blade Runner, esa película que fue un fracaso de público y taquilla convertida en cine de culto. Hay que hablar del cine obsesivo y terrorífico de Hiscoth, con obras como los pájaros, o sicosis o testigo de cargo.  

Por supuesto el cine de James Cameron, como Titanic, o Spilver con Jurasic Park, la lista de schiller, Inteligencia Artficial, Indiana Jones (también ha llevado al cine a nuestro querido Tintín o novelas de Steffen King) El cine de culto de la guerra de las galaxias, de star trek, del señor de los anillos, harry potter, un cine comercial que ha ido encontrando en sus fans un público target comercial al que vender su márquetin y merchandaisin. Y por supuesto Disney, la factoría Disney, un negocio redondo durante décadas que actualmente está en crisis. Surgen así dos formas de hacer cine; la comercial, de la súper producción que al igual que el best seller se nos ofrece en el primer lugar del escaparate. Y el cine alternativo, contra cultural, de autor o de culto, que se encuentra en las estanterías más alejadas del escaparate.  

André Bretón, padre del surrealismo, dijo que la belleza es corrosiva o no es nada en absoluto. Por eso entendamos el cine intelectualmente (el cine de autor) o simplemente nos emocione, el cine deja escapar cuadros de arte en cada impresión, en cada fotograma. El cine es el registro del directo, el lenguaje a través discurso pero también de la imagen que despierta interés. El lenguaje de Woody Allen es un lenguaje frenético constante, las pelis de Tarantino son el lenguaje de la acción trepidante. En Diario de un cura rural no hay mucho movimiento, el que hace diariamente un sacerdote de pueblo pero la obra funciona como un juego de espejos donde mas importante que el propio discurso del director es el lenguaje en que se cuenta. El cine nos permite ver la realidad a través del lenguaje verbal e icónico.  Nos habla de un tiempo histórico, de la rebelión de cada época a las formas totalitarias. El lenguaje verbal y no verbal. Las imágenes de Orson Wells, esos contrapicados en Ciudadano Kane. Orson Wells empezó en la radio retrasmitiendo la llegada de los extraterrestres a la tierra. En plan Marc Attac. Ataque de marcianos. Los radio oyentes se lo creyeron pero él sólo estaba leyendo la obra de H G Wells la guerra de los mundos. Este cine hermoso de Orson Wells nos hace comulgar con el elemento sagrado que hay en nosotros, con la teología metafísica del hombre contemporáneo. Hablan del tiempo, que era actual y ahora es pasado, ya no está. Victor Escola hace un discurso grande sobre cosas pequeñas, pequeños detalles sin grandes pretensiones de abarcar lo grandioso, como en la película la cena de Antonio Grasman. El maestro Grasman nos va introduciendo en metáforas y acabamos honrando el discurso pausado del director. Pero también el discurso veloz de Willy Wilder, todo sucede a gran velocidad, personajes moviéndose alocados y frenéticos. Sean películas rápidas o lentas, este cine llega a nuestro alma. La importancia de los silencios en Romher. Una óptica introspectiva dentro de los personajes que también se mueven por dentro y lo manifiestan con el lenguaje. No mataras a los directores clásicos, Alexander Somuro, Antropov, Kurosawa etc

El cine es un lenguaje visual, no verbal, simbólico, divertido. Mucho lenguaje irónico en clave de  humor. En el cine de Woody Allen la Tragedia se convierte en estética y colorismo, cubre esa sensación de tragedia, se poetiza y acaba siendo comedía. Toda comedia es tragedia más tiempo suele decir el director de Nueva York. Ante una cosa por trágica que sea siempre triunfa la belleza,. La Imagen se lleva la última palabra en el cine.

Somuro se recrea en los espacios de la naturaleza. La Belleza es corrosiva o no es nada en absoluto, decía Bretón. Ves un cuadro, y no te dice con el lenguaje nada, pero estas interpretando un cuadro acorde con tu sensibilidad. Lo que percibas de ello es la visión del arte. Si despierta el arte en ti algo eso es arte. El arte siempre es bello pero también hay arte de la fealdad, de lo monstruoso, de lo que hemos hablado en la anterior sesión.

Hemos de hablar también del cine de Bergman, el director sueco autor de el manantial de la doncella. Es un cine en blanco y negro pero muy plástico y colorista, que nos remite a las sagas antiguas de los nibelungos y las leyendas nordicas y escandinavas. La peli es un poco trágica, dramática, igual que el carácter de los países del Norte (donde hay tantos suicidios) No confundamos a este director con la directora y actriz Ingrid Bergman, directora de películas intimistas, lentas y pausadas, que protagonizan sobretodo mujeres. Son películas para llorar, emocionarse y reflexionar.  La mayoría del cine no nos habla de grandes batallas sino de lo cotidiano en lo que encontramos belleza.  

El cine poetiza la realidad con imágenes de gran belleza. Carlos nos habla de diario de un cura rural basado en el texto del escritor religioso Angilopoulus. El paisaje de niebla de la película nos habla de la poética desde lo trágico, colorismo estética. En esta eclosión de imágenes no hay nada definido ni definitivo y una profunda soledad existencial. Espacios de la naturaleza en que se recrea son como cuadros en movimiento, dinamismo de una imagen estática que nos invita a entenderlo.

Owen Wilson en diario de un cura crea un arte costumbrista del pueblo y lo cotidiano, como Almodóvar a su forma. Cuando uno es joven quiere vivir la bohemia y el estrés de la ciudad y de viejo reposar en un pueblo, en una casa con muchos libros. La película habla también de la corrupción política, la falta de ética. El lenguaje crea situaciones caóticas o tranquilas dependiendo del lenguaje empleado. El cine nos hace reaccionar ante situaciones de nuestro tiempo histórico, es rebelión contra formas totalitarias y políticas. Muchos directores han estado próximos al teatro (Broadway), muchos pertenecían al Actor estudio como los actores James Dean o Marylin o Marlon Brando que murieron jóvenes y dejaron bonito cadaver. Y muchos cercanos a la intelectualidad de izquierdas. Escritores como Tennense Wiliams han sido guionistas de cine. El cine abre sus puertas a modo de gran teatro del mundo (la Divina comedia de Dante o la comedía humana de Balzac). El escenario decorado en los Ángeles- Hollywood es la pista de baile donde desarrollan la peli. De todo ese mundo corrupto y lleno de prostitución nos habla la obra LA Confidencial de James Elroy con Kim Basinger en el cine y también quién engañó a Rogger Rabbit. La filosofía de la película no es su moraleja final sino todo el lenguaje connotativo de sus fotogramas, el gozo estético de la filmación y el placer de su visionado. Una metáfora de la realidad y a veces el cine por el cine, el cine como meta cine o como divinidad. Es una Fe estética que mueve montañas de fotogramas. El cine como religión y los actores como santos, nos permiten conocer un poco más el alma humana.

El director italiano Francesco Rosi basándose en textos de Carlo Levi dirigió la obra Cristo se paró en Evole. El director ha fallecido hace poco. No es un cine colorista sino en blanco y negro y nos habla de la corrupción humanística en los intelectuales que llevan tres años confinados en un pequeño pueblo, Evole. El intelectual protagonista se enfrenta al absoluto del Partido político fascista y así el director aprovecha para criticar el pasado y presencia del fascismo en la historia. Con una estética futurista habla del comportamiento ético político. Un bandido anarquista no se somete al estado y política y el intelectual le protege.  Este director, Rosi, solo ha hecho pelis políticas. Es un director anti nazi, anti Musolini y su política es esperanzadora, libertaria y liberal con un mensaje comunista. En su universo caótico se desdramatizan las situaciones. Y es que el ser humano no es una pieza perfecta  sino ambivalente, y se puede ser comunista a la vez que religioso.  La mejor terapia es aceptar la contradicción y no creer en el absoluto.

El arte antes tenía q ser bello, ahora puede ser feo. El arte antes era sacrificio, como Antonio López o Velázquez, ahora puede ser rápido, hecho en serie, industrial, 5 minutos de fama. (aunque también Velázquez tenía sus artesanos trabajando) El arte tiene que emocionarte, pero también comprenderse, ser conceptual. No te pido que lo comprendas, siéntelo. El arte no es ya esfuerzo. Lo importante es la idea, los mecánicos los obreros lo realizaran. Esto nos hace a veces tener dudas de vocación, ¿qué distingue al artista del ciudadano de pie? Un filósofo como Nietzsche dice Dios está muerto, pero eso lo saben las clases bajas que nunca han leído a Nietzsche, intuyéndolo. La trasgresión del artista está bien vista en el artista, pero un chaval de barrio comete las mismas trasgresiones sin elevarlas a categoría artística y es encerrado en chirona. El arte surge en la calle, el artista lo copia y el artesano lo reproduce. El arte depende del público que lo ve pero también de la crítica. ¿Quién decide qué es arte?. Al final el dinero, la economía, mueve el arte, es un negocio. El arte abstracto no ha de entenderse, sentirse. El arte conceptual debe interpretarse pero no arbitrariamente sino estudiándole. Un pintor o escritor puede serlo sin tener cultura del arte o literatura pero sin duda el que imita lo anterior, la mimesis, será mejor artista.

En esta comunidad de espectadores con fe se permite la herejía y la blasfemia y son bien venidos todos los directores que nos aportan algo nuevo. El prisionero del odio, el sol siempre brilla, cautivo del mal o el ultimo combate. Con humor maravilloso mucho cine ha seguido los postulados marxistas o comunistas y mucho otro simplemente ha reflejado su tiempo histórico y la necesidad del hombre de verse reflejado en la ficción. Mucho cine simplemente es comercial. Santo santo es el cine  El Lenguaje verbal y el no verbal, y la imagen, nos hablan de la soledad existencial. THE END. HA llegado el fin.