ARTISTAS DEL VACIO Y EL ESPACIO EN EL GUGHENHEIM

En esta charla Lucía nos ha hablado de las relaciones entre arte y espacio en una serie de creaciones plásticas nacionales e internacionales que se exponen en el museo Guggenheim de Bilbao esta temporada. El espacio es una idea muy polifacética, abordable desde muchos campos. El arte de este siglo ha sabido manifestar el espacio como tema en si mismo para poder especular sobre él. Lo vemos sobre todo en el ámbito de la abstracción. El espacio nos lo imaginamos infinito. Pero se establecen un sistema de relaciones mecánicas temporales con el espacio como medida. Las vanguardias artísticas como el constructivismo ruso o el futurismo se fijaron en el espacio como motivo en si mismo, lo vemos en varios ejemplos del lenguaje de la abstracción. 

 

En el 69 hay una colaboración entre Chillida y Martin Heidegger. Da como resultado la publicación de un libro titulado el arte y el espacio. Nos muestra la ponente una imagen de ambos en esos tiempos. Heidegger hace unos textos del espacio filosófico como noción abstracta, de lo metafísico fisco y científico. En esta actividad Chilida ilustra su ensayo. Eduardo se encarga del formato, del aparato. Crea un libro con ilustraciones que no pretenden ser solo pequeños dibujos que apoyen lo que dice el texto de Martin. El realiza collages, que evocarían la idea de espacio formulando implícitamente estas preguntas. Al fin y al cabo, Eduardo era escultor, aunque trabaja en esta publicación. La materia no es la piedra o el bronce sino el papel, sometido a la fuerza de la gravedad y es un elemento de soporte escultórico, aunque sea muy fino y delgado, porque tiene peso y masa. Está sujeto a la fuerza de la gravedad, aunque sea papel. Chillida empuja al filósofo a acercarse a la producción gráfica. La piedra es un soporte ancestral. Son los textos del filósofo del libro del 69 “espacio y arte”. Hablamos de una colaboración, de un pensamiento compartido, trasladado a la caligrafía, y a la expresión gráfica con la impronta de ambos. En la imagen aparecen los dos.

 

El espacio es un tema con que especular como tema en si mismo. Lo vemos de manera tajante en las primeras vanguardias del arte del siglo xx. Como decía William Wollinger en 1908, “esa ansia de abstracción se identifica con el miedo al espacio”. En formaciones cristalográficas se dan cuenta de que pueden representar y pasar ese mundo espacio que desconocen, pero que experimentan e investigan constantemente. El ser humano se guarece tras la línea recta y los trazados geométricos sencillos. Lo vemos en la obra de Georges Braque de 1909 del cubismo analítico, que reduce lo que tiene delante, la realidad, a planos geométricos, a una naturaleza muerta con violín y partitura. El científico Einstein habló de que en el mismo tiempo y espacio ocurren múltiples eventos. Georges Braque trata de expresar lo mismo que los cubistas futuristas italianos, hacen confluir la misma obra en todas las perspectivas de una naturaleza muerta. A la velocidad de la luz no hay secuencia, no hay tiempo. Espacio y tiempo son simultáneos. 

 

El filósofo y el escultor tratan de preguntarse los problemas existenciales basándose en la ciencia, el pensamiento teosófico y religioso. Los constructivistas rusos son conscientes de eso, como Anton Perser o Naum Gabo (1890 1977) que unen ciencia y arte, arte y física en la construcción de la línea y el espacio. Es la confluencia entre un artista del siglo XX como Picasso con un Einstein o el científico Stephen Hawking o el astronauta Neil Armstrong dentro del mundo de la ciencia. Ya se relataba en textos como los Cosmicosmicos de Italo Calvino o la obra conceptual de George Perec, los relatos de distopia y de ciencia ficción de Ray Bradbury, Isaac Asimov o Philip K. Dick.  Nos hablaban de universos paralelos en una relatividad astrofísica, en la vía láctea que es nuestra galaxia, como en el cuadro firmamento estrellado. Velocidad y gravedad son lo mismo, piensas que caes, pero es la tierra la que sube arriba. ¿Es gravedad o aceleración lo que hace caer? Ascensores y planetas van cayendo. La luz relaciona con la gravedad. Esto nos habla de la existencia de agujeros de gusanos, de agujeros negros, de un espacio vacío entre átomos y electrones. Nos habla de ciudades verticales. A los artistas les han atraído estos temas; los ovnis, la posibilidad de clonación, de los robots y replicantes

 

Vemos en la naturaleza muerta anterior esos múltiples puntos de vista, múltiples espacios. Einstein dice que el espacio y el tiempo están en el mismo plano y ocurren y corren cosas en esa simultaneidad. Esta revisión del espacio y del tiempo sucede en las vanguardias debido al desarrollo científico de los 50. EL arte habla del espacio, lo matiza, lo hace motivo de representación, se convierte en idea y se expresa en lenguaje abstracto, aun no dentro de la obra de Naum Gabo. La obra es de mediados de los años 40, y hay que aludir a él si hablamos de volumen virtual. Esos rostros de la imagen están hechos a partir de 1915 hasta los años 30. Hace una escultura con más volúmenes de espacio que de masa, los planos lisos se inter seccionan con el observador que rellena mentalmente un borde a otro de cada plano. Al maestro fundador del constructivismo le interesa más el volumen de espacio que de masa. 

 

Vemos estas reminiscencias constructivistas en Oteiza. Chillida y Oteiza reflexionan sobre la importancia del espacio. Introducen como hombres de su tiempo el material industrial de plexiglás o plástico, esos kilos de nailon conforman fuerzas que van de dentro afuera. La escultura se vuelve liviana y ligera ante la mirada del espectador. El espacio negativo se introduce en esa masa cuasi virtual y se revitaliza. Lo que encarna el material es el espacio positivo y el negativo es el vacío, no bien llamado así. Decir espacio es hablar de espacio, el vacío no existe entre nosotros aquí. El vacío de esta sala está ocupado por el aire y las masas corporales y cuerpos del mobiliario. 

 

Estos artistas nos hacen reflexionar sobre estas cuestiones. Chillida trabaja con un material de acero y piedra, la luz negra identifica la luminosidad del país vasco. Trata de eliminar los excedentes, quedarse con lo esencial. En el arte vasco tenemos obras de él en nuestras propias calles. A lo largo de su trayectoria creativa crea fórmulas más depuradas. Entre lo conseguido y lo fallado apenas hay diferencia. El escultor está inclinado a preguntas mas que a respuestas. Ha restado y podado más que añadido o sumado. Todo se arregla quitando, quita materia para dar importancia al espacio. Lo vemos en el peine de los vientos en San Sebastián, esa vinculación e interacción con la naturaleza, donde está ubicada la pieza. Se inspira en la naturaleza, en las hojas de ramos, las olas del mar o el viento o la luz, tan importante en su trabajo. Usa materiales especiales que trabaja sin alterar su esencia. Sus esculturas dialogan con el entorno natural perfectamente, con el cielo y el mar, sus esculturas se integran en todo eso. “En media que soy naturaleza mi curso sigo como una estrella”, dijo el escultor. Él mismo era parte de la propia naturaleza. 

 

En esta pieza de 1993 consejo al espacio 5 vemos unos primeros estudios para la nueva pinacoteca de Múnich. Como son formas se alzan y se elevan, pero la escultura se vacía, porque contiene un espacio que quiere escaparse. Las enormes láminas de acero van aunándose con gran ligereza, ese signo distintivo lo vemos en las obras en acero de Chillida. Recuerda a una chimenea, a ese hueco de fuego y calor donde una energía vital llena el espacio que lo rodea. En el granito rosa de los años 90 vemos una obra realiza con métodos tradicionales. El espacio estaña hecho para el espíritu, habita la piedra, pero la piedra está devastada. Lo que hizo Chillida en su juventud, aparte de ser portero de la real sociedad, fue estudiar unos pocos años de arquitectura. Por eso abre ventanas, devasta la piedra, el espacio se introduce en la piedra. Él decía; ¿no se daban cuenta los maestros canteros que cuando arrancaban la piedra de la montaña estaban llenando la montaña de espacio, ocupándola con el espacio? Los ecologistas no le permitieron hacerlo en el Timanfaya, pero lo hace en su parque, Chillida leku, el castillo de acero con muchas de sus obras. Sigue los mismos métodos tradicionales sobre el granito rosa que los canteros de la India. Era un material espiritual pues en la India se usa el granito para elementos arquitectónicos de los templos indios. Chillida comienza a trabajar con el granito y vemos las aberturas en la parte superior, el cuadrado permite entrar la luz y el espacio. La tierra imperturbable se niega a ser penetrada, busca lo intrínseco en la piedra misma. La fuerza y su poder residen en la capacidad de llenarse de espacio. Los canteros maestros arrancan materia, pero introducen el espacio. Trabajando con el granito el escultor quiere que la roca ofrezca una experiencia casi arquitectónica. Respetando el bloque y las partes externas, irregulares y poco acabas o trabajadas, respeta la naturaleza del propio material. Aunque también la pule, abre la materia para ser rehabilitada por el propio espacio. 

 

Abrazo once de 1996, está hecho de forma vertical y curva en la parte superior. La escultura está hecha en acero forjado, surgido de la lucha del artista con la materia. Lo somete al fuego, al elemento puro. Las secciones de acero se entrelazan y se cubren como planchas de acero sobre si mimas en un abrazo. Hay una estrecha relación de la obra de Chillida con lo natural, con el espacio, el aire, la luz, todo rebela las proyecciones de las curvas, de su polígono. Toda su obra está marcada por la dialéctica entre materia y espacio. Es esa su mayor preocupación, el dialogo entre lo lleno y lo vacío. Para que funcione, la materia solo puede ser maciza, pues si fuera hueca tendría ya espacio negativo. Sería una trampa. El espacio es lo visible y accesible. El espacio negativo, en el granito, es para Chillida un espacio muy rápido, una materia virtual muy rápida, pero al contrario que la materia o espacio positivo es un espacio muy lento. Hay un dialogo limpio y neto entre materia y espacio. La maravilla está en el límite, todo depende de si el espacio es una materia muy rápida o lenta. 

 

Chillida se hace preguntas como los filósofos; ¿Quiénes somos? ¿a dónde vamos? El límite es la frontera entre las densidades y también entre las velocidades. Sobre el tamaño y su escala, la percepción que tenemos cambia según el espacio y la forma de relacionarnos con él. Chillida hace obras gigantes o pequeñas, pero siempre la escala elegida es la humana. El vaciamiento de la montaña del Timanfaya en Canarias es su obra más amplia. La mide en función de sí mismo y el espectador. La escultura debe dar la cara, atenta a lo que está alrededor de ella, lo que se mueve que la hace viva. Las preguntas que se hacía Chillida coinciden con el pensamiento de Heidegger, del nihilismo y el especialísimo zero. 

 

Nuestra vida, por unos sucesivos presentes sin sucesión, dura unos 90 años. Heidegger habla de la noción del tiempo, que medimos con relojes y calendarios, pero es una noción abstracta.  Cuando envejecemos, ¿cómo se mide eso? ¿qué clase de tiempo conduce a eso? La geometría es coherente solo cuando el puerto no tiene medida. No tiene medida, pero sin embargo ocupa un lugar. Únicamente en la mente esto es posible. No existe una nada sin media en el espacio. Es la medida condición necesaria para formar parte del universo. ¿Este presente sin medida es parte del universo? Si el presente tuviera medida ¿no estarían sucedidos por ellos pasado y futuro? ¿Existen limites para el espíritu? ¿Cómo se representa? ¿Podemos aludir a ello? Chillida decía que gracias al espacio existen límites en el espacio físico y él puede ser escultor. Razona su oficio como escultor y artista plástico de esa forma. ¿Qué clase de espacio halla limites en el mundo del espíritu? El arte es consecuencia de la necesidad hermosa y difícil de hacer lo que no sabemos hacer. Es prueba de que el hombre no se considera terminado. Es el paso decisivo un artista el estar con frecuencia desorientado. Del maravilloso dialogo entre espacio y materia es de lo que nos habla este autor. Habla de lo físico y de lo espiritual, lo metafísico. En el tema de la filosofía, en su pensamiento existe una preocupación por los problemas fundamentales de la existencia. Toda su obra nace de la necesidad de reconocerse y reconocernos en el mundo, y las dudas sobre el tiempo y el espacio del ser en la naturaleza. Colabora con Cioran, otro filosofo. Chillida haría muchos homenajes a pensadores, músicos. Su discurso de entrada en la academia de las bellas artes de san Fernando llevaba el título de “preguntas, compendio de los interrogantes universales de toda la humanidad”. 

 

Desea experimentar, conocer, llevar en su obra la marcha discontinua. Le interesa más la experimentación que la experiencia, prefiere conocer al conocimiento. El libro arte y espacio es la publicación que sacaron a la luz conjuntamente Chillida y Heidegger. En la parte izquierda hay textos y letras del filósofo y en la derecha el collage de Chillida. Hace una litografía de collages para acompañar la producción gráfica, las piedras inscritas con entidad escultórica. Son bloques de caliza grabados en 12 piedras con tinta. 

Se encuentran dos pensadores en una obra de arte. La parte derecha no ilustra como meros dibujitos lo de la izquierda. Se complementan. Hablan de lo mismo. En la derecha alude a abstracción de la izquierda. Heidegger imprime en unas piedras litográficas su escritura caligráfica, se acerca a la escritura y el texto se hace imagen

 

Oteiza hablaba de lo vasco, como lugar y sentido de pertenencia. El artista de Orio decía que la percepción del vasco no es en el espacio sin con el espacio. No le preocupa el vacío sino las líneas entre ellos. Recupera la sensibilidad ante el vacío. En el 58 crea un ensayo de desocupación de la esfera. Muestra preocupación por esta forma. Txomin Badiola su discípulo, nos dice; “pensemos en la esfera hueca, el espacio interior y exterior son realidades separadas, incomunicadas, neutras. Uno es el contenido y el otro rodea la esfera”. En esa investigación del momento Oteiza deja de hacer escultura sin dejar de ser pensador ensayista porque ha encontrado el vacío. Oteiza pretende que la esfera rompa y se muestre como espacio puramente expresivo. La escultura adquiere diferentes curvaturas. Producen conjuntos con muchos movimientos, las fuerzas centrifugas quieren marcharse hacia fuera, en movimientos en torno al grupo. Aísla un espacio vacío de la fuerza de su exterior. El espacio contenido dialoga con lo que contenía. La supresión de la figuración crea formas abstractas, donde se fomenta el pensar sobre abstracto que es una no imagen. En el caso de Oteiza quiere llegar al absoluto metafísico, quita cuerpo y espacio, delimitar, acotar con la piedra. Oteiza da aspecto antropológico a la esencia de lo vasco y la prehistoria vasa. En 59 al quitar la materia se queda sin espacio, llega a su objetivo (el vacío) y deja la praxis de la escultura, aunque vuelve a ella de forma intermitente. Esa búsqueda de espacio vacío le llevará a establecer contacto con lo espiritual. Esa representación espiritual la encuentra en los dólmenes de prehistoria. Esas representaciones geométricas se pensaban lugares de enterramiento, pero no se han encontrado enterramientos alli. El prehistórico trabaja con el espacio sagrado, piensa en algo metafísico y lo acota con unas meras piedras. Oteiza estaba muy interesado por lo vasco, por el vasco prehistórico. 

 

En la obra de Piet Mondrian, el neo plasticista holandés, se reduce el espacio a esto en fuerzas pictóricas. Le guía lo espiritual. El artista destila el mundo real a pura esencia, para expresar las dicotomías de un universo en expansión, uniendo el arte del espíritu y la materia, para llegar a la armonía universal. No lo hace caprichosamente. Parte de paisajes, figuras de árboles y naturalezas muertas o bodegones, de la realidad exterior, pero introduce el pensamiento abstracto. En el orden de la matemática y la teosofía se une ciencia y espíritu y reduce todo a retículas negras que incluye en ese espacio casi vacío que traduce con el color blanco añadiendo los colores primarios rojo amarillo azul verde. 

 

Lucio Fontana 1899 1968 decía que el espacio infinito pasaba por sus obras. El historiador Gombrich dice que el espacio en pintura sugiere y no representa. Por ello Fontana hace rajas sobre el lienzo, que agrandaba metiendo los dedos. Era la forma doliente de representar el dolor del ser humano en el espacio, el astronauta comprimido y aplastado, la pequeñez del ser humano en el universo que dice la ciencia que es infinito. Hay infinitas galaxias, más allá del hombre. La ciencia habla de la noción de infinito. Fontana estaba obsesionado con la ciencia, y la carrera espacial. Gadari en 61 ve el primer paseo espacial como algo genial. Lo infinito entronca con la categoría romántica de lo sublime. Hace rayas en el espacio negro, el lienzo se vuelve un objeto con cierta tridimensional, evoca lo infinito el vacío, el ir buscando en el universo. Hay una llaga metafórica, cristológica en tantas obras del arte occidental como la incredulidad de Santo tomas. En el 69 es la llegada del hombre a la luna. Esto obsesiona a muchos artistas. Se crean obras en torno a la carrera espacial. La obra del cineasta Kubrik del 68 “2001 una odisea en el espacio”, por ejemplo. La película tenía guion de Arthur Clarke, y fue producida por la Metro Goldym Mayer. Se caracteriza por sus efectos especiales, el realismo científico, las proyecciones vanguardistas, la Warner Bross ya había hecho películas de ovnis en la luna.  La obra de arte se adueña del espacio y la carrera espacial atraviesa la obra de arte vinculada a la forma, al número y al pensamiento lógico.

 

En pintura los artistas tienen que crear la ilusión óptica, abrir el espacio, convertirlo en algo virtual. Robert Motherwell, artista del expresionismo abstracto, en su “estudio fenicio del rojo” hace alusión a una obra de Matisse de principios del siglo xx “salón rojo”. Habla de abrir espacios y ventanas. En su serie ventana incluimos esta obra que tenemos delante. Con esa geometría crea una ventana en la parte derecha de la composición y abre más el espacio con un color, el ocre blanquecino. Aparecen dos caracteres fenicios. La escritura ha sido nuestra herramienta para plasmar el pensamiento a lo largo de la historia. Estos artistas piensan sobre el espacio, en como representarlo y dejar constancia y representar las ideas. Hace Robert Motherwell, esto.

 

Al apropiarse del espacio, hablan de la forma, del número, de la matemática en general. El pensamiento lógico parte de axiomas y presunciones dentro de las matemáticas o la física. Todo ello es recogido por el arte. Lo vemos en la obra del americano Slow Lewi, él estudio los cubos modulares y el cubículo multidimensional, las formas cuadradas y cuadriculadas. El elemento tridimensional está fuera de la extensión y contrasta con el espacio pictórico bidimensional. Estaba interesado por las matemáticas, los efectos visuales físicos. Escoge la cuadricula y el cubo, los números enteros relacionados por la misma proporción de línea y materia. El cubo lo hace tridimensional y es tangible, físico. Este americano basa sus obras en la pureza conceptual y la lógica a través de la fabricación impoluta con acero pintado de blanco. Se repite en un cubo central el dibujo simétrico de la cuadricula y mide la distancia entre el cubo y la base. 

 

Estos artistas recuerdan el sistema filosófico del atomismo en el siglo v a. C en la Grecia clásica y en la india hacía el 200 a. C. Demócrito. Epicuro y Leucipo dentro del atomismo mecanicista entendían que la naturaleza y las cosas estaban constituidas por partículas indivisibles llamadas átomos. Los átomos son partículas materiales indestructibles, se distinguen por su forma y dimensión, constituyen diferentes cuerpos en el espacio. Según la doctrina atomista las cosas son solo aparentemente sólidas. No se destruye la energía, sino que se trasforma, y entre átomo y átomo hay vacíos. Hay artistas que tratan el tema de los intersticios, de la expansión de la materia. Lo vemos en esta escultura con instalación suspendida desde el techo. Cada unidad se meta morfea en un átomo, pero si lo juntamos tenemos el coche Volkswagen o escarabajo, un icono dentro de Ciudad de México. Daniel Ortega en esta obra del 67 se remite a su origen. Une 89 cables con barras entrelazadas de metacrilato y piezas de este coche desmontado y con hilos colgando. Hace una autopsia urbana, que está a la orden del día en la ciudad de México. Los taxis suelen ser escarabajos. Es un modelo vinculado a la juventud, al proletariado, y un icono de México. Se despieza el coche en unidades minias matéricas con que construyen los cuerpos. Lo divide en una especie de átomos. La acumulación de átomos crea un cuerpo. Entre átomo y átomo hay espacios intersticiales que se nos muestran entre pieza y pieza. 

 

Es una remisión a historia del arte, a los futuristas italianos con que hemos abierto esta charla. Los futuristas ya tematizaron el espacio, decían que un automóvil de carreras en 1908 era más bello que la batalla de Samotracia. Al ser hijos de su tiempo concebían el espacio de otra manera, a través del avión y del espacio. Es el cohete y la nave espacial. Ahora se organizan viajes espaciales. Ese atomismo en ciencia lo vemos en imagen en el parque Atomium de Bruselas creado para la exposición universal del 58. En estas exposiciones se dan a conocer los últimos avances científicos técnicos y tecnológicos y cosas más modernas. El parque está hecho para ese evento en vinculación con la ciencia. Es un pedazo de hierro ampliado millones de veces. Mide 8 m de diámetro cada esfera. Alcanza una altura de 110 m. y lo componen 9 esferas. 

 

Ese pensamiento que inducen los artistas sobre el tema del espacio va a hacernos conscientes de cómo funciona nuestro mundo. La artista afincada en Nueva York crea una serie de espacios aéreos donde muestra meteorititos evitando ser suspendidos en el aire. Lo hace con un sistema electromagnético. ¿De qué nos habla esta autora? Nos hace consciente de cómo manipulamos el espacio, que en principio es la nada, pero crea esos espacios intersticiales del coche escarabajo. Habla de espacio aéreo, ¿Dónde están las fronteras?, ¿esa frontera pertenece a este país o a este otro?  Ella extrae redito dinerario de “la nada” entre comillas. Lucia, la ponente, es profesora de arte también y a sus alumnos les pone este ejemplo para que entiendan el valor de la nada; si tengo una casa de dos alturas en medio de Baracaldo, pero tengo derechos arreos de hacer 4 alturas, puedo alquilar el espacio a una agencia publicitaria para que ponga un anuncio o una valla promocionando el producto. Es como sacar beneficios de la nada. Algo inconcebible para Marx y Engels en su época hablar de espacios vacíos que tienen valor dinerario. En principio es la nada, pero trabajamos con dinero. La oblea o ostia sagrada se convierte en la eucarística en el cuerpo de cristo según el ritual ceremonial de la santa misa. El espacio y la nada está ahí y produce un valor que en función de cómo lo manejemos siempre es simbólico. Un billete de 50 e tiene valor simbólico, pero tangiblemente es un papel y si no está vigente es mejor tirarlo pues no vale nada. Bitcoin es la moneda virtual para hacer transacciones económicas por internet, pero tangiblemente no es nada. Sobre estas cuestiones con sus espacios matéricos se reflexiona. A partir de eso los meteoritos son levantados con electromagnetismo. El planteamiento tiene un eco filosófico. El aire tiene densidad, también pesa. Hablamos de elementos físicos. Esto nos remite a la obra de Duchamp aire de París, en el 58. Embotella el aire, que tiene valor artístico y simbólico. Ives Klein presenta el vacío en una urna vacía en una galería francesa en años 50. Encontraba salas vacías que estaban ocupadas en realidad por el aire y los cuerpos de los observadores que paseaba por esas estancias. 

 

La obra de los 70 de Bruce Nauman (41-) quiere poner en acción nuestros sentidos a través de la experimentación del espacio, dos paredes ejecutando un pasillo muy estrecho. Hay que entrar de forma lateral. Los paneles fosforescentes de luz verde apelan a la vista, nuestra retina queda conmocionada al salir de ese pasillo. El color complementario de las paredes blancas de la galería ha reaccionado al espacio lumínico. 

 

Eva Hesse (36-70), fallecido muy pronto, a finales de los años 60 habla ya de la piel, del órgano en el cuerpo humano más grande. Nos cuenta la grasa establecida con látex y yeso alambre cordel y lino que representa la piel. En la piel vemos el mismo límite de acotación que veíamos en Oteiza y en el granito y acero de Chillida. Para hablar de la piel usa el material del papel, la cola, el celo. La piel es la frontera entre el espacio exterior que contiene y el interior contenido. Son fabulosas las formas cóncavas y convexas que se dan en una forma orgánica como es nuestro cuerpo. El ser humano usa la geometría para sintetizar y representar el mundo. Sirve para abstraer esa noción de cómo son las cosas, qué forma tienen. 

 

Vemos ahora una tunelacion en el muro, se ha lijado la pared hasta descubrir su parte interna de hormigón. Como un guardián del tiempo, en el Guggenheim encontramos una pieza de madera.  Tras la tierra se estratifican capas de tierra. Al cortar un trozo de un árbol encontramos sus anillos que dan idea de la edad del árbol. Se muestran las edades y el paso del tiempo a través de la acumulación de esas capas. En este caso se perfora el muro para mostrar las diversas capas de pintura de esa galería que ha sufrido en diferentes exposiciones y repintes y cada exposición se pinta nueva. Cada vez que se expone hay que usar pinturas de distintos colores. Es una cronología a parte de una perforación; estamos quitando materia.

 

Robert Smithson 38 73 hace un viaje por el Yucatán a finales de los años 60. Interviene en el espacio a través de unos espejos. Se proyecta el cielo con la imagen especular del espejo. Las cosas mismas son lugares y no se limitan a pertenecer a un lugar, decía Heidegger. Hemos pensado que el firmamento no era un espacio vacío ni se podía salir de él. Era una plancha plana traducida como de color azul y con estrellas doradas. Pero la carrea espacial nos ha dicho que el cielo no es plano Esta obra de Rober Graber del 54 es un desagüe, es un sumidero conformado en la pared de manera vertical. Se ha quitado la función de evacuar agua del fregadero. Muestra lo oculto y misterioso en ese interior y exterior. Hay una vinculación entre los dos espacios de nuevo. 

 

A James Rosenquist 33-2017 hay que homenajearle pues este autor del pop americano ha fallecido el verano pasado. En esta obra capsula Flamingo o flamenco hace alusión y homenaje a los astronautas del 67, fallecidos en la nave Apolo. La obra es del 70. Era un pintor de vallas publicitarias. Se acerca tanto a los motivos de la pintura que dejamos de reconocernos y percibirlos, pues se muestra fragmentariamente. El contexto son los EE.UU. y la carrera espacial. En parte izquierda de la composición vemos unos globos que remiten a la falta de gravedad de los astronautas en el espacio cuando salen de la tierra. En la imagen se ve el homenaje a esos astronautas y la percepción del espacio. Fueron hijos desarrollo industrial los futuristas. Nosotros somos hijos del cohete y la nave espacial y la carrera espacial. 

Se desvirtúa lo que vemos. Eso se ha querido representar a izquierda y derecha esta malla que funciona como un espejo, es una tela que tensamente desvirtúa la composición que se esta representando sobre la pared. Vemos una ilusión óptica; parece que hay un cristal, pero se puede pasar dentro. No es que este pintado de color cristal, es que no hay nada. Marcius Galan (72 Brasil) hace una sección diagonal de madera, con cera para el suelo, donde se filtra la luz en la pintura sobre la pared, los muros, el suelo, y el techo. Juega con los límites y los juegos lumínicos, dando una ilusión de cristal

 

OTROS ARTISTAS SOBRE EL VACIO Y EL ESPACIO EN EL MUSEO. Sergio Negro hace en su secuencia de diedros de 2007 un dispositivo robot. Agostino bonaluni 35 pinta en 2013 un cuadro negro o en el 66 el lienzo extrofeli con tempera acrílica. A María Mao Alino (42) le interesa representar los agujeros y objetos negros en paneles superpuestos. Sue Filler (14) hace en 2006 una composición con cuerda. Gordon Matt Clark (43) rueda en el 78 un fragmento de película en video llamada intercesión cósmica. Norbert Kricke (22) hace en el 84 una escultura con alambre doblado y Anthony Caro (24) en el 2013 esculpe otra obra con acero pintado. Larense Wemer pone en la pared un apoyo de yeso y madera laminada. Se reproducen videos digitales de la carrera espacial. Zarna Hashoni (37) pinta esquinas y pasos en el 81. Pablo Palazuelo (15) en el 2007 hace una escultura de un viaje inmóvil en el asiento. Hija Celmins (38) pinta cielo nocturno general en idea de pizarra en el 89. Isa Genzken (48) esculpe mirada en el 87 con 12 piezas de cemento. Prudencio Irazabak es otro autor del 54. Susana Salano nacida en el 46 representa en colinas huecas del 85 una especie de anfiteatro. Waltencio Caldas del 46 titula a su obra de repente acero. Rany Crose (45) hace una pintura con luz, video y acrílico. Angela de la Cruz (65) esculpe en mudanza naranja unas sillas con una manta encima. Jean luc Maulene del 55 esculpe niño de hormigón del 2006 sobre piedra horadada y termina en 2008 dos soles con fuera en cabeza madera. Alyson Shotz (64) esculpe un pliegue en gravedad con hilo negro afilado y alfileres. El objeto es reflexión en este aluminio perforado con anillos de acero inoxidable de 2017. Agniezka kurant (78) coloca unas piedras imantadas pulverizadas, sobre ellas pone los derechos aéreos, hecho con madera, electroimanes y pedestal en 2016. Lenguaje virus del espacio exterior es un grabado de cristal de 2007. Mirane Neweschevander 62 y cao Gimaroes 65 crean un inventario con la película pequeñas muertes. M Elena González 57 hace una escultura de madera y Ninca Conech (79) esculpe en el 2014 perdida del rumbo por el espacio libre, pisadas y marco. Julie Mehretu 70 representa en sol invisible los algoritmos y formas de letras en tinta y acrílico sobre lienzo. Pierre Huyghe (62) crea el guardián del tiempo en 2002. Asier Mendizábal (73) esculpe una ágora maquia con planchas de hierro, que evoca la escultura ultima de Oteiza, de la que hay dos versiones. Junta unas sillas, bajo un techo de piedras colgando. Realiza la escultura con telas, piedra imantada.

Además del coche desmontado esta galería tiene varios videos, garabatos, murales del espacio, el cuadro de las estrellas, asientos con escaleras, esculturas de vacío. También se representan ventanas y celdas. Hay un video de un niño haciéndose uno con el suelo, y otro en el que es el suelo el que se levanta a la altura del niño. Sol Tennitt (28) compone en 2007 una retícula modular 3d. Peter Halley (53) crea un aislamiento confinado con acrílico. Iban Navarro (72) a través de unos tubos neón crea los espejos del 2011 como una puerta a un viaje por el tiempo. 

 

Brújula sobre el eje norte y sur de la galería y burbuja blanca son obras de Ernesto Neto donde uno puede meterse dentro, no hay exterior, se pierde la noción del tiempo como en el espacio exterior o dentro del seno materno. Clafur Eliasson (67) crea luna y respira en 2016. Son 24 esferas. David Tonelas 56 rodó una película sobre el espacio en 2013 y 17 cuencas de cristal representan una escultura de acero. Nobua Sekine (42) crea la fase nada del agua. Cristina iglesias hace una escultura de mineral, alabastro y hierro en el 93. Richard Long (45) crea el circulo de Bilbao, un suelo de pizarra, donde retiene y acumula un conjunto de heces de madera. Son fragmentos de pizarras, como enclave de un ritual, o un circulo Cromwell, como una comunidad invisible. Lee Ufon (36) pinta el lienzo vibración de mente y cuerpo, dialogo de 2010 y desde Pinto en 77 usando pegamento. Sergio Prego (69) crea con un modelo de papel offset secuencia de diedros en 2007. El museo tiene además en su exposición permanente obras de Rotkho de Kooning Kiefer Richard Serra Fran Gerhy, el Puppy, obras de Warhol y Liechestein, de Rauchenberg y Trombly. Además se pueden ver las exposiciones de Jey Holizer, Richard Serra Y David Horcney en la parte de abajo y de Albers en la parte de arriba. 

 

Todos estos artistas interactúan con los ámbitos de la ciencia, la filosofía, la carrera espacial... Los artistas recogen estos conocimientos, piensan sobre ellos. Si no fuera por los satélites ni tendríamos internet ni GPS. Somos hijos de nuestra época. Hemos recorrido el mundo de lo sensorial y lirico, lo científico, la especulación teórica a través de estos ejemplos de las bellas artes. Desde vanguardia se ha convertido en tema el espacio. Este tema en la obra del arte se expresa sobre todo a través de la abstracción. La exposición parte de la colaboración entre Chillida y Heidegger en el 70. El libro fue publicado en Suiza por esa editorial euker Presse y es el punto donde se encuentran el pensamiento filosófico y el escultórico. En la exposición veremos un centenar de obras, y alguna de las que se han proyectado hoy con toda la intención del mundo en esta charla. No deja el indiferente el arte, aunque sean obras abstractas pues nos habla de un pensamiento completo que intenta responder a las preguntas que se hace el ser humano; ¿Quiénes somos? ¿de donde venimos?  ¿Qué es medida, un concepto espacial? Aludimos a las preguntas de Chillida de nuevo