CARMELO ORTIZ DE ELEGEA

Carmelo Ortiz de Elegea lleva 53 años pintando y ahora se trata de divulgar su obra, clave en el Arte vasco.  Javier Bian, director del museo de bellas artes, es también el comisario de esta exposición y el que nos hace la Introducción de esta obra donada al museo y que podremos ver el Martes 29 a las 7 en el museo. El comisario nos da una lección magistral sobre el pintor que ha estado presente en la charla, respondiendo a las preguntas del público. Es una sesión previa antes de la visita del 15 de diciembre al museo. El comisario quiere que le tuteemos pues hablar de usted está demodé.  

Lo más bonito de los libros son los santos. Por eso empieza la conferencia enseñándonos el cuadro Masiel del 69. El comisario en el 72 conoce la obra del pintor. Son obras de gran tamaño, impresionantes, donde logra la expresión y color y el reflejo de una realidad extraña, pero muy fuerte e impactante. La figuración que hace se contradice con el éxito que había tenido la abstracción en aquellos tiempos. Se aleja de los Abstractos (Chillida, Oteiza Mendiburu, Valerde o Basterretxea). Esto rompía con el arte abstracto vasco. Están expuestos en la sala posterior que explica con el nombre de artes tempranas como ha llegado a este momento en los años 60.

Él es un paisajista, aunque no parezcan paisajes pues son abstractas. Retrata un panorama muy amplio, el espacio desarrollado como el paisaje. Es alavés. Nace en Vitoria, pero pasa la infancia en Antxabaleta, en los montes de Vitoria. Pinta la carretera hacia la Rioja. Está inmerso en un paisaje muy impresionante. Conoce esa realidad del paisajismo. Lo que se lleva en mundo cultural alavés es el paisaje. Él lo trasforma en algo distinto. Una montaña es distinta a la otra. No es un árbol sino muchos. La diversidad se desarrolla en su obra. Empieza de niño pintando paisajes. Pinta el niño con colores lo que está viendo. En los primeros años 60 empieza a reflejar el mundo de la historia del arte, de forma más sofisticada. Pinta como alguien o algo siguiendo un estilo. Sale dependiendo de la espontaneidad, los colores, o el talento que tengas. Luego pintas de manera culta. Tiene una deuda con el expresionismo en los colores amarillos pintados de forma fuerte. pinta el Amboto desde Aramayona. Pinta la realidad tal y como la ve, da importancia a su visión personal- Evoluciona en el estilo. Supera los movimientos vanguardistas del momento, es un puente entre la escuela de Madrid que pintaba paisajes y la abstracción que se impone con una serie de artistas ya mencionados. La vanguardia más importante la conoce gracias a Tapies. Un bodegón se convierte en obra abstracta, un limón con una hoja. Forma parte del grupo Odani alavés. La pintura se ha hecho abstracta, aparece el símbolo del sol o la luna, la montaña no es montaña. El joven tantea caminos dentro del arte contemporáneo. Entra en el pop art, influenciado por los anuncios, los elementos comunes y habituales, como letras, imágenes que se ven en carteles, el cartelismo..  La desproporción de espacios, los paseantes en espacios abstractos, se funden para crear ese estilo más maduro. Recuerdo de un viaje del 69 representa esas figuras aisladas, cada una en su espacio, como estructuras herméticas. Coge elementos del cartelismo. Son figuras desproporcionadas sin espacios comunes. Es un estilo maduro. En el 68 empieza a crear este tipo de arte

Figuras con paisaje

Herencia del pop art, las figuras son muy importantes. El paisaje aparece como telón de fondo. El paisaje es mas importante que las figuras. Aquí las figuras tienen su personalidad. Como en el baño del 68. Son paisajes abiertos, sin proporción y siguiendo una perspectiva. Unas obras son grandes y otras más pequeñas. Dibuja un espacio compartimentado, roto- Tiene la propensión a hacer cuadros de gran tamaño, hasta nuestros días. Nos cuenta una historia divertida, humorística, trágica, compleja, muy auto referencial. Tiene mucho de Gauguin, de Matisse… de su propio padre. Se ve esto en el fondo del paraíso.

Se mezcla todo lo aprendido y las vivencias directas, con las vivencias culturales, lo que él va conociendo lo traslada con gran libertad. Pertenece a la Transvanguardia, neo expresionismo, de iconografía auto referencial. Crea de forma original en el contexto del arte vasco. Pertenece a la generación de Vicente Ameztoy, Mari Puri Herrero, Vaquerano en navarra-. Rompen con la abstracción abstracta de Larrea, Mendiburu Oteiza y Chillida. Hacen una nueva figuración. Dentro de estos parámetros. Hay mucho poso pictórico detrás; Bonnard, Gauguin, los post impresionistas….

El cuadro Masiel del 69 es muy de esa época. Hasta el 72 pinta una historia muy propia con personajes famosos. O elementos de su propia biografía, cosas que ha visto, le han interesado. En un cosmos propio. Recoge la manera de pintar de Bonard, de Picaso, Monet… es mucha la complejidad con la que cuenta la historia que cuenta. Es una forma de pintar muy postmoderna. Es arte referencial de cosas que han sucedido.  Contemplación del paisaje es del 70. La estructura viene del cubismo sintético. Coge elementos del cartel, pero se basa en el cubismo. Las estructuras del paisaje son en realidad abstracciones del paisaje. Mezcla la realidad (siempre está el paisaje real, como estímulo absoluto, ls descripciones de árboles, plantas…) pero esta es interpretada. En La danza del 70. Se ve mucha libertad. Son personajes pequeños, fraccionados, cabezas, sombras… un mundo misterioso y estimulante. Santiago Amor era un crítico importante de Baracaldo, de origen palentino, que vivió en Palencia y Madrid. él opina que el arte de este pintor refleja la alegría de vivir de la pintura. Se ve esto en el Árbol de la vida del 70. La Alegría de vivir tiene influencia de Gauguin y sus marquesas. Son personajes cortados, misteriosos, salen de las propias formas vegetales. En este mundo complejo, conviven muchas realidades. Una mujer sale del hombro de la otra, son paisajes paraísos e imaginarios de gran potencia pictórica, belleza y fuerza.  En el Mural del 71 se cuentan historias que no sabemos cuales son, nos las cuenta el autor. No es necesario conocerlas con detalle para disfrutar lo que está pasando. El niño saca la mano para hacer dios sabe qué. Son los signos de los tiempos. Es auto referencial. Con esa historia que ha copiado hace un desarrollo coherente. La vida funciona en todas las formas

Abstracciones sobre paisaje

Prescinde después de la narración. Hay muchas historias. Personajes haciendo cosas. Es algo mas estructurado. No abandona el paisaje.  Ni las formas naturales. En Composición del 73 desaparecen las figuras humanas y los paisajes son algo más estructurales, pero siguen siéndolo. El paisaje es visto desde el avión, paisaje alto, topográfico. Las formas se desarrollan y estructuran. Son estructuras acogedoras, que contemplan la colectividad. Algo que no es individualista sino colectivo. Pinta pintura abstracta, de un huerto, de una montaña, de un territorio sembrado. Usa planos lisos y colores. Es algo que llama a la naturaleza. No es pintura mental sino hecha con el estímulo de la propia naturaleza. Refleja lo variado, lo múltiple, como en Pintura del 75. Es más denso, mas importante la prosa pictórica, la materia de los cuadros pierde estructura. Se va fundiendo todo con el color, es más magmático, menos estructurado. Son cuadros esplendidos que describen fenómenos de la naturaleza más que la propia estructura. Consigue unas luces anomadas extraordinarias; tormentas, rayos, lluvias, derrumbes… el mundo de los fenómenos y cataclismos. Son cuadros abstractos referidos a episodios concretos. Retrata auroras boreales, fuegos de san Telmo. Fenómenos extraordinarios que la naturaleza aporta. Tormentas, y la visión de la naturaleza perturbada por fenómenos extraños. Entra en la pintura para ser una expresión muy tremenda. Refleja el sentimiento, los derrumbes interiores, propios, íntimos, como en los 5 cuadros sin título del 78.

Regreso al paisaje

Tiene un momento de zozobra, y no sabe dónde ir. Se reencuentra con paisajes de la infancia. Inocentes. Antes de seguir la escuela de Madrid, de Benjamín Palencia. Recupera el paisaje directamente como lo había pintado al principio. El paisaje nunca lo ha abandonado. Nunca deja de ser paisajista. Recupera el horizonte, la manera de pintarlo de forma ordenada según las pautas de ordenación normales; el cielo arriba y la tierra abajo.  Animal herido del 80 refleja un bosque con huellas y sangre de un animal que está huyendo. Pinta árboles. La línea de horizonte. Todo ha vuelto a su lugar de origen. Charol del 81 es un cuadro muy experimental. Hecho de chorretones y muy original la manera de estar pintado. Crea aperturas hacia el paisaje. El paisaje es textual y mucho más inventado, derivado de las cuestiones pictóricas, formas, las maneras de pintar. Es un paisaje muy entrañable. Muy duro, distante. Basado en la experimentación- en Ave del paraíso del 84 se resuelve a favor del paisaje. Es muy libre, no se corta, cómo describe árboles, montes o la tierra. Es de una gran libertad pictórica en los colores y formas. Hay árbol, hojas, montañas.. regresa al paisaje.  El gran cielo del 85 retrata el paisaje por Salvatierra. Podía ser un paisaje oriental. La estructura debajo de los montes debe mucho a los pintores japoneses. Es de enorme complejidad y una riqueza expresiva tremenda.  Como en niebla en el pantano del 86

Paisaje con figuras

En paisaje de la Rioja del 87 vemos la riqueza de formas y colores descritos en el paisaje. Por aquí pasa toda la historia del arte. No es ponerse delante del paisaje y relatarlo tal como es. Es una descripción rica de formas, territorios y colores sin dejar de ser un paisaje cercano al modelo natural. Domina el paisaje. Con un aire misterioso. La alegría de vivir de los primitivos paisajes se ha perdido. Retrata un mundo más triste, oscuro, melancólico. Los personajes no tienen la entidad que tenían. Los paisajes los devoran. En paisaje atravesando el bosque todo es algo más sórdido, más negro. En Otoño en el rio 87 se ven colores claros, hermosos. El vigía o Jagolea recoge la forma de pintar de Bonald.  En Momia de santo del 92 se ha perdido inocencia. Vemos la maduración de la propia pintura. Es un territorio más elaborado, complejo y profundo En distracción de la carabina del 93 hay recuperaciones de los cuadros anteriores y parece del principio. Es una etapa más dispersa, mas pictórica. Los personajes son menos definidos. Todo ocurre de forma más inconcreta y fantasmagórica. Los personajes se convierten en fantasmas. Pero no ha perdido el vigor de la descripción o la capacidad de pintar- En Bilbao 1 vemos una serie sobre Bilbao. Coge las formas de Tintoreto, formas estructurales del paisaje, muy desequilibradas. El mundo suyo ha sido muy cercano, está totalmente impregnado de su entorno. En sus cuadros aparecen los montes de Vitoria, la llanada, los paisajes alaveses, siu infancia en Antxabaleta. Se aleja de esos temas alaveses para pintar el desmantelamiento de Bilbao en los 80 y 90. Tiene un ciclo largo de 15 o 20 cuadros sobre el tema. Estuvo pintando en Baracaldo y Sestao. Son esqueletos industriales. Identifica una catástrofe en pintura con un episodio histórico. También tiene una serie sobre el bombardeo de Guernica. Un ciclo imaginario basado en fotos, e hipótesis de cómo pudo ser.

Pinta la Falúa la Faluca en el 97. Vemos el territorio de la variedad. Pinta abstracto figurativo y lo que le da la gana. No tiene pautas estrictas de creación sino una libertad absoluta. Vemos cosas muy diferentes en esa etapa. Retrata sus viajes; a Egipto, lugar que le apasiona. Hay varios cuadros. Hay una visión genital de una Faluca; los remos, el agua, los remeros… el ladrón de momias.
En Accidente del 2001 las manchas van y vienen, adquiridas de manera espontaneo. No pintadas. Lo pinta con la pintura chorreando de un lado a otro del cuadro. Denotamos la diversidad de la manera de pintar. No pinta como un informalista, impresionista, pos impresionista o cubista, sino que lo mezcla todo. Tiene una capacidad absoluta de interpretación de formas y colores, y un uso maestro de recursos. En Huellas de mi estudio del 2002 gira 180 grados en su pintura, aparecen las pisadas de sus propios zapatos por encima del cuadro, hay fuerte presencia auto biográfica. En Mariscador 2008 vemos el fondo submarino, o el cielo. Detengámonos en la riqueza y colores y las formas de los peces.

Paisajes recientes

Flores fiego del 2000 es un paisaje bodegón. Otras obras son Paisaje asturiano del 2003 La maraña del 2009. Pinta árboles, pinos, un bosque que se abre al final Cabañas de pastor en california del 2012 más figurativo no puede ser. Vemos formas, colores, su libertad de crear, transita entre la figuración y la abstracción El manglar del 2014 recoge su viaje por Guatemala Paisaje desolado del 2015 refleja un lago montañas con nevadas y árboles. En 2016 pinta un paisaje minero, con colores óxidos, medulas. Los colores son muy importantes. Tiene influencia de los post impresionistas y maestros del color como van Goth, Gauguin o Benjamín Palencia. Trasforma la realidad y la naturaleza. La historia del arte es muy rica y es una esponja de todos los movimientos y vanguardias. Acepta todo y lo pasa por su criba. Hay Influencia de grandes pintores. Se ve que está más a gusto con su libertad pintando. Es el gozo de pintar la naturaleza, las figuras sufriendo en los paraísos.  Matisse es mas plano. Copia de él el barroquismo en el plano. Dura poco en esta etapa. Quiere salir de ahí y que la pintura baile, vibre más, dejar la forma, el seudo cubismo que tenía. Le dura poquito esa etapa. La forma debe ser para el escultor y la atmosfera para el pintor. Quiere que todo baile, vibre. Es una aventura de lo que va a pasar. Aparece la naturaleza de forma mas materica, con formas más cerradas.

Retrata el derrumbe industrial de Bilbao y las forjas alavesas, las que se presentaban por aquí. Hacía exposiciones itinerantes en el recuerdo hace 20 años. Retrata muy bien a rostro de pájaro. Convierte la zona en un retrato sentimental de un tiempo que ya no existe.  La recuperación y rehabilitación que se ha hecho es un ejemplo a seguir a nivel internacional. Lo que se ha hecho en el proyecto la ría de Bilbao, es como un jardín que ha desmantelado la industria y estos andares le interesaban pictóricamente. Es raro que coja planos tranquilos. Quiere que eso tenga una expresividad mayor, es más barroco. Para pintar no le interesa ahora el paisaje industrial, pero para vivir sí. El mal es mucho más divertido. Con el mal se crea más. El diablo es mucho más divertido para hacer arte. Pero para vivir es mejor el cielo. El infierno es más rico y complejo. Vio en EE.UU. el gran cañón de colorado bajo. Si bajo ya no subo, pensó. Eran impresionantes las formas, la geología que había ahí, el color de la piedra roja, blanca, otra azul. Era su estudio. Le interesan los paisajes expresivos.  Su creatividad la desarrolla más en gran formato que en pequeño. Es un esfuerzo pintar un cuadro superior a un 3 x 3. Un cuadro de 50 x 50 cts le cuesta tanto como una obra. Y lo que debe meter en ese espacio. Los holandeses en un cuadrito han metido todo. El tamaño pequeño es un reto. Si los holandeses lo hacen ¿por qué yo no? En el grande le interesa el tamaño real de sus obras. Mete figuras en un gran paisaje para ver la proporción a través de nuestra medida, de ese gran paisaje, de ese gran espacio.

Esta conferencia es una sugerencia para invitarnos a la exposición. Ese poso es importante. Debemos ver su obra con total libertad. Sin prejuicios y a pecho abierto. No tiene nudos. Hemos de abrirnos, a ver que me da esto. El viaje de la vida hace que cuanto más se gana en experiencia más se avanza en libertad creativa. De joven la pintura es un reto moderno. Tengo que ser un pintor moderno, romper estatus, hacer cosas que ya se han visto… ahora ya no.

De mayor entras en un lienzo, no sabes lo que vas a hacer y estas pintando con acrílico, no hay temas, se va creando un tema o cien temas en un lienzo. Coges uno, eliminas 7. Haces una estructura que no sabes que estás haciendo, estás haciendo un cuadro y algo muy profundo. Cuando acabas ni entiendes el cuadro tú mismo. Hemos de dialogar con el cuadro. El pintor le da la vuelta y lo saca dentro de una semana para ver que ha pintado y que le dice esto. No lo hace premeditado. Lees lo que el inconsciente te ha creado, el cuadro por tanto se hace una sorpresa, es el mundo desconocido que tenemos dentro y que tenemos la capacidad de sacarlo en forma de arte. Sus cuadros reflejan la naturaleza tormentosa con luces de desgarro. Son grietas interiores. Están sacados de la tripa estos cuadros. Es una pintura más épica, que nos suena a Tintoreto, llena de tormentas, y relámpagos. Un juego fantástico. Es el proceso creativo de Carmelo Ortiz de Elegea. Visítenlo en el museo de Bellas Artes.