Si Warhol era el rey del
pop, Basquiat es el príncipe del principado de las calles marginales de Nueva
York. Este adolescente conflictivo se dedicaba a hacer grafitis en vagones de
tren ferroviarios. Es el inventor del grafiti de tipo conceptual. Su pintura
retrata el metro de Manhattan, hace arte sobre objetos diversos que encuentra
en la calle; neveras, radiadores, basuras… hoy en nuestra mentalidad políticamente
correcta diríamos que sufría Diógenes. Tenía amigos que le dejaban dormir en
sus apartamentos. Cualquier objeto podía ser intervenido por él. Las calles
urbanas estaban llenas de sus grafitis. Rubricaba los dibujos con su firma, una
abreviatura; seirnor. Este hombre negro pasó de las calles al mundo del arte,
al negocio de críticos y público pero para él “seguía pintando la misma
porquería, la mierda de siempre”. Su arte parte de que la cultura es un lavado de
cerebro que nos ha hecho la iglesia y el capital. Es el fin de la política que
para él no simboliza nada y de la falsa filosofía. En filosofía se sentía
cercano a filósofos como Nietzsche o la escuela de Frankfurt; adorno, Marcuse.
Quería revolucionar el mundo. Y sobre todo que la raza negra reconquistará su
papel en el mundo. Su arte es una denuncia del racismo, hay en él mucho compromiso
y no es la simple pataleta de un niño bien, un artista edipico y
revolucionario. Los textos que acompañan sus cuadros son políticos y liricos
porque él mezcla lo visual con lo escrito y sus cuadros están llenos de frases,
consignas… añade a todo lo que pintaba el logotipo copy rhigts. Pasó de ser
grafitero de las calles a uno de los artistas más cotizados del momento, quizá
gracias a su amistad con Warhol que fue su maestro. Creaba obras de arte con la
marca registrada “trade made copy whits”. Esta revindicando la propiedad
intelectual en la propia calle. Es una parodia de las pintadas de guerrilla.
Pinta vallas y vagones de metro. Sus grafitis
son muy textuales, anuncian el destacado papel de los textos en su pintura. Texto
e imagen se mezclan en su pintura. Fue líder para los grupos jóvenes de Brooklyn
o el Bronx, decora las cumbres y paredes de los espacios públicos; vagones
metro, tapias, andenes, vallas…en estos lugares expresa su pataleta de desencanto,
decorando estructuras publicas económicas. Deja la huella, la firma, su
identidad perteneciendo a la comunidad negra marginal. En 1989 escribe esta
frase; samo is dead, samo ha muerto. Samo es como él se llamaba en los grafitis. Acaba su etapa samo. San Michel sigue usando
el texto pero incorpora más imágenes en su pintura. Deja de ser artista del
grafiti. “no soy grafitero, lo he dejado atas” Sin haber ido a ninguna academia
ni cursos de formación ni haberse matriculado ni en la universidad ni en
ninguna escuela de bellas artes. Fue oyente de algún centro municipal artístico
pero este autor es verdaderamente autodidacta. Acaba denegando de la pintura
del grafiti. Su obra es locuaz, original, sin paradón. Le siguen referenciando y
admirando y empieza una carrera meteorológica. Murió con 27 años. Samo muere pero
la pintura dura, escribió. Su arte es un automatismo controlado. En uno de sus
cuadros aparece retratado como san Michael Baskiat, con su aureola de santo,
hecho santo. Estaba atraído por la pintura afroamericana. Inauguró su
exposición en el Nueva York y Chicago de principios del siglo xx. En sus
cuadros retrataba a los esclavos del sur, la lucha que habían hecho los negros
por alcanzar su libertad, librarse del patrón que los explotaba en los campos
de algodón. Luchó pacíficamente por los
derechos de la población negra. Admiraba a Mártir Luther King y otros héroes
del anti apartheid, de la defensa del colectivo negro marginado. Las calles de
la ciudad eran los escenarios de estos contenidos de sus cuadros. Combatía el racismo
en la propia calle dónde pintaba los grafitis. La calle es su lugar punto de encuentro.
Pinto dibujos no solo en
los soportes tradicionales de la pintura sino en tela y madera, sobre muros,
viejas puertas desechadas, cajas de puros, espejos viejos. En el 81 choca con
un coche. Usa materiales extraídos de la calle, esa artillería de lo desecho en
la calle de Nueva York. Hace una composición de letras y dibujos extraños junto
al tema; el accidente de coche. A medida que hace su obra traza su propia auto
biografía. A los 8 años juega con sus amigos en las calles de Brooklyn, al choque
de coches. Es atropellado por un coche y pasa un mes convaleciente en el hospital
donde le extirpan el bazo. Le queda una mano mal, y su madre le regala el libro
de 50 anatomías, un libro de estudio de la medicina en EE.UU. Desde entonces enmarca
los accidentes de autos en su pintura, los desvirtúa, sobreseída las letras pululan
en la parte superior de la composición. Con un estilo muy personal retrata coches,
trenes, aviones, con los que jugaba en el barrio de niño. En el 81 sus
trabajos, su poesía de la calle ocupa el espacio de una galería. Con su obra
cuenta su propia vida, es muy autobiográfico. Pasando una galerista en el 81 le
pinta una pieza de la colección brake y ella queda tan fascinada que le dedica
una sala a este cuadro. Le pago 400 dólares por él, y además le cedía el espacio
de la galería para que trabajara. El artista ponía música muy alta cuando trabaja,
era como un adolescente, lo mismo ponía música jazz, que boleros de Ravel, todo
continuo, y la galerista cargó con él y con su juventud. Le dejaba trabajar
como quisiera. En la falsa superación de su vida la galerista le apoya. En el 81
en el art foul aparece en plena pintada con un artículo escrito; the radical
art. El mundo del arte empezó a fijarse en el, tanto el americano como el
estadounidense. Pero él no se sentía amado, nunca se sintió reconocido. El mundo
del arte de los críticos escribe la vida artística de forma paternalista. A él no
le gustaba que abalaran su trayectoria. Era inteligente y sensible, y tenía un sentido
culpa de otros artistas negros que sin dinero no habían tenido éxito o sobresalido
en el arte. Pinta una enorme cabeza, un cuerpo pictórico de volumen fisonómico
enorme. Tiene mucha calidez expresiva esta gran cabeza. Basquiat se erigió como
una nueva y autentica voz en el arte. Pinta calaveras que representan la
decadencia de la cultura occidental, con sus ojos maxi miliares, sus oreja
descocadas, cicatrices, que expresan las relaciones entre los sentidos
cognitivos y la conciencia. Va más allá del retrato del ser humano en sociedad,
pretende la revelación del ser. Del presente libro de anatomía que su madre le
regaló en los 50 saca muchas ideas. El libro analiza el cuerpo humano en el
campo de la medicina. Está lleno de ira y rabia. Extrapola esta reflexión de la
condición humana para la raza negra. África y la cultura de Oceanía y afroamericana
estaban marginados de la vida artística. Él el racismo lo sufría en sus propias
carnes, también estaba contra el capitalismo. Tiene su obra mucha influencia de
la cultura de Oceanía. Representa figuras monumentales, héroes y santos. La cultura
americana esta en amenaza de muerte y decadencia. Él pinta el cuerpo humano con
sus miembros internos y externos en descomposición y representa a la muerte en
su agresivo ataque. En su obra siempre hay una presencia de la figura humana. Ensalza
el papel de los personajes negros en la cultura literatura y política
americana. Presenta héroes, con alas y
halo que los elevan, les dota de una trascendencia no católica pero si mística
heterodoxa. Se rebela a los papeles impuestos por la sociedad, la sociedad busca
que se evite el caos, etiquetan la sociedad para ordenarla, no para que
alcancen la libertad. La sociedad deja de lado a los negros. Francesco
clemente, pintor de la vanguardia italiana, dice que hay 3 picos en su obra; el
poeta el músico y el campeón de boxeo
Basquiat medra sus destrezas
en todo que él considera. Al margen de su edad, era un genio. Cuestiona el arte
tradicional. Quiere honrar al hombre negro rey o santo. Se representa así mismo
como Jesús, un héroe de laureada victoria, con su corona de espinas, el
sacrificio y la crucifixión que representa. También retrata la majestad de los héroes
deportistas. Hace una continuación del linaje del hombre negro. Aparece muchas
veces coronado con sus rostros famosos, el cabello que le hace de corona. Retrata
el martirio y la santidad, santos y guerreros triunfales, hombres victoriosos, motivos
americanos, cuerpos enteros y bellas imágenes, victimas, mártires, ángeles y luchadores
con un halo de primitivismo. Aparecen muchas figuras primitivas y tribales. El vigilante
preparado para el banquete o la lucha de contraste con fondo rojo. Siente predilección
por el boxeo, y retrata a Jordi Mayo y por los cantantes de jazz que eran héroes
para el como Charlie Parker. Retrata reyes y santos con el cabello en forma de
corona. Las coronas son expresión de la majestad de atletas o músicos. Pinta escenas
de triunfo, con el brazo alzado, hace retratos de puerto riqueño, haitiano y
estadounidenses. Lucha contra las injusticias sociales, se enfrenta a estas
personas racistas, combate contra los conflictos raciales y la discriminación.
Su padre es quién le introduce en el boxeo, quedaban en casa para verlo por tv.
Esos combates son muy importantes para la comunidad negra de Norteamérica. En ese
combate racial entre negros blancos, si ganaba el negro o el blanco constituia
un triunfo para comunidad. Por tanto esa guerra de razas en el ring de boxeo
eran en el fondo combates políticos. Él hace pinceladas de estas piezas. Toma el
pincel en sus manos, su pincelada es fresca y violentada rasgando y rascando la
superficie lienzo, haciendo collages, jugando con los recursos pictóricos de
forma nueva y expresiva. Hay videos de su acción pictórica. Fue un gran observador
de la condición humana. Retrata a los veteranos estadounidenses de la guerra de
Vietnam, muchos eran de raza negra. Pinta al veterano sentado en su silla de
ruedas con los ojos cortados y pegados sobre esa cara marrón. Usa el collage de
esa forma. Se incluye así mismo en sus imágenes. Ha trabajado para EE.UU. Pinta
el caballo rosa negro. Desafía las ideas de Hitler sobre la raza aria. Pinta el
triunfo del 36 de josi Owen. Pinta al rey del boxeo como un santo. Pinta sus
pies solo, no hace falta representarle de forma entera. Pone un pie solo. En su
obra hay influencia del libro de anatomía que le regalo su padre en el hospital.
Se choca con un coche y queda herido. Basquiat se convierte en símbolo del
hedonismo y su éxito crecía paulatino. Nunca abandonó los temas de injusticia
social, y discriminación racial. Tenía recursos económicos importantes por la
venta de sus cuadros y al principio era autosuficiente. Iba vestido de ropa de diseño,
con los bolsillos llenos de dólares. Solicitaba un taxi y nadie le paraba porque
era negro. Sufrió el racismo en sus propias carnes. Explica el racismo como la explotación
del colonialismo. Tuvo problemas con su agente de cambio y su mecenas. Pinta a
un poli negro y critica este sistema injusto que mantiene la opresión. Se pregunta
¿cómo pude haber polis negros en las calles? ¿un reprimido por los blancos se pasa
al otro lado a reprimirnos a nosotros? Esto no le cuadra. Pinta también rotos. Se
basa en los fusilamientos de Goya para un cuadro. El ejército como máquina de matar
sin rostro, ejecutando las órdenes sin contestación ni reflexión. La amenaza de
los polis para un joven latino era muy real. Su amigo Raiquel Estewar murió
brutalmente golpeado por unos policías. Influye eso en sus trabajos. Aparecen
negros en cuadros que no aparecían antes en la historia. Participa en
documentales, “quiero hacer pelis dónde aparezcan negros dignamente”, dirá. En los
telediarios siempre aparecen como delincuentes y asesinos.
Todos somos personas de
raza humana y hemos de tratar a las minorías con respeto. La riqueza no está en
la exclusión y segregación sino en la integración. Él mismo provenía de una familia
acomodada de origen haitiano, el país más joven de Sudamérica. La carga social está
muy presente en sus obras y tiene influencia el cubismo y Picasso. Indagamos
sobre la propia identidad. En el 88 pinta siserimi, expresión inventada de la
apalabra delincuente. Crea 3 trípticos, 3 paneles de hombres sin identificar
con aureolas de santos, suspendidas sobre la ciudad. Es una obra garabateada en
3 composiciones. Lo hace rascando las capas de color que ha marcado, haciendo
emerger la pintura interior al exterior. Juega también en sus cuadros con el
juego del ahorcado, las 3 rayas, la rayuela de los niños en las calles. Tiene una
fina y particular forma de hacer. Todo lo hace genial. Obras basadas en la matemática
y geometría con círculos, cuadriculas y rayas. Basquiat vivió la experiencia de
que un extraño se adentra y acerca el mundo del arte. Muchas de sus obras se
inspiran en las máscaras africanas. La máscara sirve para ocultar la identidad, hacer rostros diferentes. Las máscaras
abordan cuestiones políticas como los estereotipos y explotaciones raciales. En
los 80 se deja influir por las corrientes neo expresionistas. Se codeó con los
vanguardistas italianos, los metafísicos, futuristas como Girorgo de Chirico. Es
el prototipo del genio romántico o niño prodigio. Lo llaman así los
historiadores. Se hizo muy celebre. Era famoso y rendía culto a lo bello, se
cuidaba, tenía culto al cuerpo, disfrutaba su fama y celebridad, inculcaba en los jóvenes que había q tener éxito,
salir en los medios. Explotó bien sus 10 minutos de fama. Fue un profesional
ansioso de celebridad. Consigue mucho dinero. Rediseña el espacio donde se ha
insertado. Aparece al espectador insolente y descalzo con una silla tirado a
sus pies. Los medios se hicieron eco de su obra. Warhol fue uno de sus muchos mentores.
Le fascina el arte no europeo, oceánico, el arte herencia de puerto rico y Haití.
Admira a Picasso, Pollock, Wiliam Dekunin. Tiene su propia simbología y lenguaje
artístico. Pintaba con música altísima, trabaja sobre el propio suelo. Pinta
sobre muros la importancia de las vidas de las personas negras. Se enfrenta a
la hipocresía en la vida cotidiana, a la esclavitud, al colonialismo, a la explotación
policial. Tenía un gran compromiso contra el racismo a nivel universal. Rendía culto
a escritores como Mar Twain, el autor de Tom Sayer y Hukeberry Flint. Podía
hablar de Napoleón, de Édison, de da Vinci, era una persona muy culta. Hablaban de un libro y el único que conocía a
Caravaggio era el. Tenía una sed de conocimiento ávido, siempre estaba estudiando
leyendo. La madre le llevaba a disfrutar de la vida cultural de Nueva York. Él se
escondió tras una máscara. Podía haber sido un dios su amigo Rakel Stewar, el
artista grafitero que murió en las calles de Manhattan, la poli le pillo
haciendo grafiti en el meto, 6 polis a golpes le torturaron. Pinta con aerosol los
grafiti. Su amigo estuvo 3 días en coma, para al final morir. El medico en la
autopsia de la familia dijo que había muerto estrangulado, fue una negligencia
profesional. 6 polis fueron juzgados por un tribunal de blancos. Los polis como
eran blancos fueron absueltos, se fueron de rositas. Marcharon los polis
manifestando que ha habido una caza de brujas entre ellos. Podía haber sido yo,
dirá Basquiat que recrea la paliza que le dan a su amigo negro. Tras su máscara
escondida, el artista quedó muy conmocionado por el suceso. Vivía tranquilo el
final de su vida luchando por los derechos de integración. Habla del blak power,
el poder de los negros. Revindica en su arte, sufre el suceso. Critica el abuso
de poder de las autoridades. Tras su máscara era un mártir que vivía el mundo
del arte más truculento y lleno de mentiras.
Vivía en la dualidad, en
la identidad de un mundo clasista de dinero dominado por los blancos, los blancos
cuestionaban a los negros. Basquiat no soporta la esclavitud, el racismo, los
linchamientos de la policía. Adhería y pegaba planos auténticos al lienzo del
cuadro. En su obra retrata a un un presunto criminal delincuente que era impregnado
de alquitrán. A los negros les cubrían de alquitrán y plumas, y los mataban. Era
el castigo de EE.UU. en el XIX y aún en 1915 cuando se fundó el kukuxklán. Eran
normales los linchamientos y desmembramientos. En su silla de ruedas justica la
balanza defendiendo la vida y muerte, criticando la la horca. En el 83 pinta un
nexo entre EE.UU. y el mundo antiguo. Concluye que las personas negras cambian
el mundo. Escribe la palabra referente NUba referente a las tribus africanas. Lo
mezcla con los paneles de la Grecia de la cicuta y el Egipto del faraón Menfis.
La presencia de Egipto se refuerza con los jeroglíficos de la nueva Menfis y Tebas.
Usa papiros para esta obra. Se refiere la Menfis de Egipto y a la Menfis de Tenense,
capital del mundo antiguo. Usa las palabras mujer, esclavo, cicuta. Hace muchas
obras sobre los coches del momento y los espectáculos de la época. Retrata el mundo
capitalista en ascendencia en Haití y puerto rico. Tiene raíces españolas y eslavos,
en los 90 va a América y desembarca en Sudamérica. Sabe hablar inglés francés y
español. En el 82 pinta hombre en Nápoles. Con esta obra descubren al gran
artista, retrata la época con gran profundidad, y el fracaso de Japón y Europa
frente a los EEUU que se erigen amos del mundo. Visita Italia para exponer su cabeza
de cerdo, hecha con gruesos trazos en color azul y rosa. El artista se cabrea
con su mecenas italiano, al que llamaba charcutero, en referencia a los cerdos.
Le parece algo propio de cerdos, algo indignante la explotación comercial de
sus obras. Trabaja para marchantes y mecenas, a los que compara con dar alimentos
a los leones; puedes pasar dos días echando carne y filetes y siguen teniendo
hambre. Se hacen costes por contrato, tantos cuadros tanto dinero. Es el
artista mas valorado a nivel dinerario del momento. Le daban pequeñas cuartillas
equivalentes a dinero. En sus cuadros hay textos lingüísticos y aparece mucho
el retrato con corona de espinas. En Italia expone por motivos de trabajo su
obra vini vidi venci vique venci. El artista nunca disimuló su descontento con el
mundo del arte. El origen del grafiti se remonta al imperio romano, estos
sentían la necesidad de expresión en los muros del imperio. Para el mercado
arte su obra tenía mucha fuerza
expresiva y mucha ironía. En su obra mezcla varias mitologías, por ejemplo la
de los habitantes de Nigeria que pertenecen a Yotura y retrata sus ofrendas y
sacrificios. Es un autor embaucador, subversivo y travieso. Tiene un cuadro
lleno de ojos. El autor vence con astucia a sus enemigos convencido de que Dios
le va a cuidar. Representa el caos. Estaba enganchado a las bebidas alcohólicas
y al tabaco de cigarrillos. Siempre en el límite entre la vida y la muerte. Critica
el mundo de esclavitud y trabajo de las explotaciones de tabaco donde
trabajaban negros y africanos. En su obra hay muchos tachados para enfatizar y representar
lo que queda semiculto. Nunca podremos conocer a Dios, por ejemplo. Cuanto más tachado
una figura mas queremos saber lo que está oculto del mensaje tachado. En el 83
pinta techo oscuro retratando un lanzallamas y unos dientes, es la dualidad de
la justicia, de lo blanco y lo negro. Muchas obras suyas tienen pictogramas jeroglíficos
de Egipto. Alude al tema de la muerte y la creación destinada a un fin
funerario. En el 81 pinta la figura de un varón afroamericano, un tema que se mostró
complejo. Aparece un hombre desnudo, con los brazos cruzados en pecho, y una serpiente
enrollada al cuello. Otro cuadro son moscas y signos de descomposición en el estómago
de una vaca, huesos de esqueletos, las moscas rondan por el cadáver.
cercano al abismo la figura
de la vaca es inquietante y además se inserta en un paisaje atmosférico. Las modulaciones
tonales se compensan en otros lugares de la composición. Con su gran potencia exclusiva
carga la pintura de mucha materia. Son palabras trazadas en oleo. Representan el
trance entre la vida y la muerte, con las letras alfa omega y el cielo visto en
varias dimensiones; principio fin apocalipsis…todo lo copia de las tradiciones
religiosas de diversas etnias africanas. En su obra integra imagen y texto. Estatifica
la composición con color, líneas y efectos atmosféricos. Deniega de su época de
grafitero del 77 al 79 al hacer nuevos descubrimientos artísticos. Deleita con
su calidad pictórica en los muros y estratificaciones que hablan de otras obras
de arte. Como un notario hace de cronista de su país, citando muchas referencias
de la cultura tribal, del sistema monetario, del estado de bienestar físico, del
imperio romano, la cultura griega. La música era importante para él, tocaba el
clarinete y el sintetizador, hacía música industrial y pertenecía a un grupo. Le
gustaban variadas y distintas músicas; los bailes caribeños, el rap, el hip hop,
la subcultura o contra cultura. Su obra está llena de ritmos, musicalidad y era
admirada. le gustaba la quinta sinfonía de Betoween porque era una marcha heroica.
En el 79 se inicia con su banda, y conoce al escritor mikel hifman. Actúa en discos
bares de Nueva York dónde la gente aprecia su música. El grupo de música se
llama gray en referencia al libro de anatomía de gray que releía y que le
regalaron sus padres. Retrata a Charli Parker en la expo del Guggenheim de
Nueva York. Ahora es su momento. Marthir Luther King había incluido esa frase en
su discurso; ahora es el momento. Era el discurso de hoy he tenido un sueño. Así
tituló la pieza 45. Realizó varias obras sobre cantantes de jazz y a él mismo
le gustaba tocar de forma improvisada, rápida. Tocaba e improvisaba vinilos
como dj en un club de moda. Le gustaba la cadencia de los sonidos. El jazz
influencia mucho su obra pues viene de la música africana trasmitida oralmente.
Basquiat salió de novios con Madonna cuando esta era jovencita. Apenas duraron
2 meses. Se codeó con artistas de la jet set. Nueva York en esa época era como
la movida Madrileña multiplicada x 50. La efervescencia y la creatividad estaban
a la orden del día en barrios como Chelsea, Manhattan o Grenwich Village. Critican
sus primeras obras, pero todos los críticos le consideran un niño prodigio. Él decía
que los negros conocen mejor a los blancos que los blancos a los negros. Su pintura
y su música es un teatro de los desposeídos. Le admiraron cantantes como
blondie. Él sacaba fotos en su polaroid dispuesto a aprehender toda la
realidad. También le admiraba la diseñadora francesa meril pas. Llegó a
interpretar películas con Warhol. En la exposición del Guggenheim de Bilbao hay
un archivo de audio de 20 minutos, una entrevista a Basquiat y cómo vinculaba
sus obras con lo personal, con su propia autobiografía. Este documental es el
documento más amplio que hay sobre él. A Basquiat le gustaba posar para los fotógrafos,
hacer de sí mismo personaje o celebridad, famoso o popular. En eso se adelantó
a sus tiempos, sabía venderse así mismo cara a los medios audiovisuales. Colabora
intensamente con Warhol pero tiene un estilo personal inconfundible. En el 62
crean juntos serigrafías e n su fábrica o factory. Crean arte manteniendo el respeto
entre ellos y una gran energía creativa. Warhol empezaba una obra, Basquiat la completaba y acumulaba parte de su
obra con la norma del respeto mutuo, y no molestarse. Aunque se influyeron
mutuamente, cada uno hacía su propio arte, sin que el otro interviniera. Warhol
es más suave y estático. Juntos ganaron millones de dolores. La imagen en serigrafía
era fabricada y trasmitida de forma mecánica. La última exposición en colaboración
con Warhol es la del 85. Terminan sus colaboraciones pero no su amistad.
Muere Warhol por una operación
de vesícula rutinaria, Basquiat le confesó a su primer galerista (que era como
su madre) que al morir Warhol ya no tenía con quien hablar de arte. Basquiat
usó el grafiti y otros soportes. no era fácil pintar con el, olvidaba las ideas
prefijados de la autoría. cualquier cosa que hicieran, aunque fuera una pintada
por encima, requería mucho respeto. Francesco Clemente, pintor de la vanguardia
italiana, también colabora con él. Fue actor en pelis de Warhol, director y artista
posmoderno. Julian Snabol o Dawid Bowie (tan parecido físicamente a Andy Warhol)
le admiraban. Su obra de Charlie Parker, o la del vinilo en grandes
dimensiones, se expone ahora en el museo como una enorme discoteca. Las adiciones
de Basquiat le distanciaron un tiempo de la primera galerista. Tuvo contacto con
la cultura de la droga. Durante toda su corta vida cambió mucho de marchantes y
galeristas. Al final de su vida rompe su relación con la protectora. Y en Agosto
del 88 tras ser sometido a una cura de desintoxicación y drogas dice estar
limpio pero en agosto del 88 muere de sobredosis. Basquiat nada tenía que ver con
otros artistas grafiteros de Nueva York. Su lenguaje moderno es herencia del
siglo xx, de Picasso, de Matisse. Su arte posee una gran frescura naif siempre
con el tema de la desigualdad, el racismo y el capitalismo depredador. Hay lenguajes
ocultos en su breve pero intensa trayectoria. Se movió peligrosamente entre las
personas marginadas y los artista famosos. Le consideran uno de los 25 artistas
más cotizados actualmente. Desde luego fue algo más que un artista del grafiti
callejero. Un gran artista del xx. En la pinacoteca bilbaína hay 2 obras de el.
Despierta interés en la cultura popular. Los precios de sus obras baten el record
de interés monetario de la modernidad clásica. No importa lo precoz que fue
sino su singularidad. Su obra no ha perdido actualidad. Siguen vigentes sus
temas; el racismo, el capitalismo, la sociedad de masas... Ha servido de influencia
para los jóvenes de la calle, para los que no tienen medios y quieren crear. Su
lenguaje plástico es muy original. Su obra está estructurada por temas. Tenemos
sus obras, las pelis en que participo, la música que creó o escuchaba; los ritmos caribeños, el
hip hop… el museo Guggenheim de Bilbao expone junto a su obra una serie de actividades
didácticas promovidas por el departamento de cultura; usar la cámara polaroid
de Basquiat o Warhol, hacer dibujos y exponerlos o dejarlos alli para el museo
o llevarlos a casa, hacer un grafiti en la pared…
Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nueva York; 22 de diciembre de 1960 - Manhattan, Nueva York; 21 de agosto de 1988) fue un artista, poeta, músico, dibujante y pintor estadounidense.
Basquiat fue el primero de los tres hijos de Matilde Andrades (28-7-1934 – 17-11-2008)[1] y Gerard Basquiat (nacido en 1930).[2] Tuvo dos hermanas, Lisane, nacida en 1964, y Jeanine, nacida en 1967.[1]
Su padre, Gerard Basquiat, era un contable haitiano de respetable solvencia económica, y su madre, Matilde, era una diseñadora gráfica puertorriqueña de gran prestigio profesional. Jean Michel creció en un entorno familiar desgarrado, sus padres se divorciaron y por esta situación tuvo que cambiar muchas veces de escuela. Estudió en una escuela católica privada, posteriormente en una escuela pública y finalmente, a los 16 años, ingresó en la City-As-School, centro escolar para adolescentes superdotados, de donde lo expulsaron, por rebeldía, un año antes de graduarse.
Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, relacionada con el uso de drogas y las bandas callejeras. En 1977, junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.
Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en bachillerato y abandonó su casa para vivir durante dos años en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el Low Manhattan, sobreviviendo con la venta de postales y de camisetas que él mismo decoraba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su álter ego compartido con Al Díaz (SAMO son las siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma mierda de siempre", "la misma porquería"), con el que ambos firmaban sus tags y graffitis, con mensajes crípticos, fue decisivo en su vida.
Estos murales llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. Un artículo sobre la escritura callejera de SAMO publicado en The Village Voice fue el primer indicio de que el mundo del arte se interesaba por él.
El graffiti
Desde finales de los años sesenta, grupos de jóvenes de los barrios marginales de Brooklyn y del Bronx empezaron a cubrir las paredes de los espacios públicos (tapias, vallas publicitarias, andenes, túneles y vagones del ferrocarril metropolitano) de garabatos y pintadas. Los más próximos a la love generation se valían de esos espacios públicos para dar rienda suelta a su desencanto, a sus protestas, a sus desacuerdos con las estructuras sociales, políticas y económicas de un sistema que les era absolutamente adverso. Otros, huyendo de sus guetos, dejaban sus huellas o sus marcas anónimas en los muros urbanos con actitudes despolitizadas e indiferentes al establishment, con la única voluntad de afirmar su identidad y dar testimonio de su existencia en el seno de un sistema que los tenía apartados.En 1979 escribió en los muros del SoHo: SAMO is dead. Entonces, colgó el graffiti, y fundó el Gray, un grupo musical en el que tocaba el clarinete y el sintetizador y con el que frecuentaba pubs como CBGB y el Mudd Club, lugares de moda donde se reunían otros artistas, pero pronto abandonó su incipiente carrera musical. En el East Village, músicos y artistas elaboraron su propia subcultura (hip hop), compartieron su afición por la música rock, por el break y el rap, y llevaron a cabo performances, filmes underground y graffitis.
Su actividad pictórica
Pero fue a partir de 1980, siendo aún un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.Desde pequeño había recibido una apreciable educación artística informal; su madre lo llevó a visitar museos (fue miembro júnior del Museo de Brooklyn a los seis años), también lo inició en la lectura de literatura poética, y más tarde lo impulsó a escribir la propia. El nombre de su grupo se convirtió en un capítulo más del mito cuando Basquiat afirmó que estaba inspirado en el autor de un libro sobre anatomía que había acompañado su convalecencia tras ser atropellado, a los seis años, por un automóvil. El propio Basquiat repetiría varias veces que ese libro fue un referente precoz de su trabajo. Completó su formación autodidacta como oyente en la Escuela de Artes Visuales, donde entró en contacto con el pintor y autor de graffiti Keith Haring.
Exposiciones
Su primera participación en una exposición artística fue en 1980 en el Times Square Show, una especie de galería de moda y arte alternativo presentada en un almacén abandonado del Bronx. En cierta manera, fue la primera vez que la expresión del arte del graffiti dejó de ser exclusivamente una manifestación marginal, ya que una serie de artistas, desvinculados en principio del sistema mainstream, es decir comisario/museo/crítico, exhibieron sus obras en la exposición. Estuvo organizada por el colectivo “Colab” (Collaborative Projects Inc.), y en ella los diferentes artistas profesionales y graffiteros fueron presentados de forma anónima e indiscriminada, todos mezclados (no había nombres de autores ni rótulos con los títulos de las obras).Basquiat expuso un mural donde reunía algunos graffitis de SAMO. Y a pesar de las malas críticas que calificaron la exposición como algo en estado bruto, irreverente, rebelde, ejemplo de mal gusto y carente de cualquier atisbo de artisticidad, a partir de entonces los artistas del graffiti fueron objeto de un progresivo reconocimiento e integración en el sistema del arte. Algunas galerías del Soho, como el White Columns y Fashion Moda, cedieron sus espacios para que los grafiteros colgaran eventualmente sus obras.
En 1981, Basquiat expone sus obras en la P.S.1 del Instituto de Arte y Recursos Urbanos de Nueva York, en una exposición titulada New York/New Wave (Nueva York/Nueva Ola). Se intentó decretar que esta muestra estaba formada por un conjunto estelar del emergente jetset artístico. El artista estelar era el fotógrafo Robert Mapplethorpe y, al igual que en cada una de las apariciones públicas de este último, la exposición se elaboró con una minuciosa puesta en escena y tuvo resultados positivos. Esto repercutió favorablemente en Basquiat, ya que, junto a las fotografías se mostraron las obras fuertes, de gestos ásperos y de coloridad tan simple como contundente del joven artista, quien acudió a la exposición saturado de cocaína, lo que incomodaría a gran parte de los concurrentes. Fue aquí donde conoció a Andy Warhol, con quien tendría una larga amistad y colaboración profesional.
En diciembre de 1981 aparece el primer artículo importante “The Radian Child” de Rene Ricard en Artforum (nº 24, pp. 24-43), considerada la revista de arte más importante de la época. Ese mismo año (1981) se exponen sus graffitis en la Documenta de Kassel. Su pasión por la música era tal que en la época más intensa de su carrera, en medio de exhibiciones importantes como la de Transvanguardia Italia/América y la Dokumenta de Kassel, comenzó a producir música rap y DJ en los clubes de Manhattan. Sus músicos favoritos: Miles Davis, Charlie Parker, Dizzie Gillespie y Billie Holiday, entre otros, aparecen en los cuadros de entonces.
Exposiciones individuales
En 1982 se inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se multiplican sus exposiciones individuales y colectivas. En 1982 es incluido en la exposición Transvanguardia: Italia/América con artistas neoexpresionistas de la talla de S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, D. Deutsch, D. Salle y Julian Schnabel. Ese mismo año participa en la exposición organizada por Diego Cortez, presentada en la Galería Marlborough de Nueva York, titulada The Pressure to Paint, junto con otros artistas como G. Baselitz, S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, M. Disler, R. Fetting, K. Haring, y J. Schnabel, entre otros. Al año siguiente (1983) participa en la Bienal del Museo Whitney de Nueva York junto a los emergentes representantes del arte apropiacionista, los nuevos expresionistas, y otros graffitistas como K. Haring.Ese mismo año (1983) la exposición Post-Graffiti, preparada por el prestigioso galerista Sidney Janis y presentada en la galería que lleva su nombre -la Galería Sidney Janis- confrontó el trabajo de aquellos artistas que ya se habían integrado plenamente en el sistema con el de los “artistas de gueto”. Por supuesto, Jean-Michel Basquiat apareció junto a los primeros como principal destacado entre otros como Haring o Scharf. En 1983, participó en exposiciones individuales en galerías de prestigio de Nueva York como Gagosian y Annina Nosei. En 1984, el Museo de Arte Moderno de la misma ciudad (Nueva York), que en principio se había mostrado reacio al neoexpresionismo, presentó la importante exposición An International Survey of Recent Painting and Sculpture, dónde, junto a una selección de ciento setenta artistas, Basquiat también participó.
En 1984 Warhol le presentó al galerista suizo Bruno Bischofberger, quien dio a conocer su obra en Europa y con quien colaboró estrechamente hasta su muerte. Desde este año, los amigos de Basquiat empiezan a preocuparse por sus adicciones. A menudo lo encontraban casi en coma y muy paranoico con ideas de persecución. La paranoia de Basquiat, con todo, tenía motivos por las amenazas muy reales de gente que le robaba cuadros de su estudio o de galeristas que se llevaban obras sin terminar para exhibirlas o venderlas.
En esta época Basquiat, entre otros pocos, llegó a utilizar las páginas de papel couché de las revistas de información general y de moda, como Time, Newsweek, Vanity Fair y Vogue no por su pintura, sino por su vida de “alta sociedad” y por su presencia en fiestas y en clubes de moda, como el neoyorquino Palladium. Frecuenta por entonces a Madonna y a otras estrellas del espectáculo y la música. El 10 de febrero de 1985 Basquiat aparece en la portada de la revista dominical The New York Times, convirtiéndose en el primer artista plástico negro que aparece en la primera plana. Cosa curiosa, pues en esa época el estereotipo racista blanco consideraba a los negros buenos deportistas, buenos bailarines o buenos músicos, pero no en campos como las artes plásticas. El artículo que acompaña la foto, redactado por Cathleen McGuigan, se intitula “New art, new money: The marketing of American artist” ("Nuevo arte, nuevo dinero: El marketing de un artista norteamericano").
En marzo de ese año, 1984, una nueva exposición individual en la galería Mary Boone, otra de las más importantes del momento. Robert Farris Thomson, en el catálogo de esa exposición, define el arte de Basquiat como parte de una “tradición afroatlántica” y en ese contexto queda catalogada. En 1985 Basquiat colabora con Francesco Clemente y Andy Warhol, aunque las obras producidas no despiertan una respuesta positiva en la crítica. De esta colaboración el resultado son varios lienzos de gran tamaño con sugerentes combinaciones de color, collages que aúnan pintura, serigrafía, el graffiti y el lenguaje publicitario. Entre 1984 y 1985 los lienzos viajaron de un estudio a otro; normalmente los empezaba Warhol, Clemente los perfeccionaba y Basquiat los remataba. Sin embargo, Warhol y Basquiat se entendieron particularmente bien. Warhol dejó escrito en su diario: “Jean-Michel Basquiat ha conseguido que pinte de una forma muy diferente, y eso está muy bien”. La idea de pintar juntos fue considerada enriquecedora para ambos porque Warhol, que en aquel momento sólo empleaba técnicas como la serigrafía, volvió a coger el pincel, y Basquiat comenzó a conocer las técnicas mecánicas aplicadas a la pintura. El establishment cultural negro criticaría el patronazgo de Warhol a un artista negro.
Su muerte
En 1986 Basquiat viaja a África y expone en Abiyán (Costa de Marfil). En noviembre de ese mismo año realiza una gran exposición (más de 80 obras) en el Museo Kestner-Gesellschaft de Hanóver, convirtiéndose, con 25 años, en el artista más joven que exhibe en ese museo. En 1988 se instalan exposiciones en París y Nueva York, y en abril de ese mismo año trata de abandonar sus adicciones y se retira a su casa de Hawái. Vuelve a Nueva York en junio, anunciando que se ha liberado de las adicciones, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere por sobredosis de heroína, siendo el artista visual negro más exitoso en la historia del arte afroamericano.A lo largo de su breve pero intensa carrera artística realizaría más de 40 exposiciones personales y participaría en alrededor de 100 colectivas. La autopromoción y el reclamo publicitario fueron para Basquiat factores prioritarios, como con anterioridad lo habían sido para Andy Warhol o para Julian Schnabel.
El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo, en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas. La crítica, sin embargo, no fue unánime en su valoración, y fue habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista. Se afirmó que el arte que practicaban los neoexpresionistas carecía de cualquier significado político o social, era sólo mercancía y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado. La pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho creativamente descalificado y vulgar.
Tres etapas
En la corta pero intensa actividad pictórica de Basquiat pueden distinguirse tres etapas:- De 1980 a 1982, época en la que los graffiti sígnicos se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturales primitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras.
- De 1982 a 1985, con obras pobladas de palabras-conceptos, imágenes vudú, totémicas y arcaizantes, retratos-homenajes a héroes negros -músicos de jazz, escritores, jugadores de baloncesto, boxeadores- y referencias a la sociedad de consumo norteamericana.
- De 1986 a 1988, período con cuadros cada vez más sofisticados en sus contenidos y en su compleja figuración pictórica, resuelta ésta con múltiples y fragmentarias citas de culturas primitivas o antiguas (africana, azteca, egipcia, grecorromana, etc.), pero también de la tradición pictórica europea. Como él mismo afirmó en más de una ocasión, su trabajo estuvo más cerca de la pintura, una pintura a mitad de camino entre la abstracción gestual y cálida y la figuración post-pop que del graffiti (“Mi trabajo no tiene nada que ver con los graffiti. Forma parte de la pintura. Yo siempre he pintado.”).
Su importancia en la historia del arte
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras. El crítico británico Edward Lucie Smith sostiene: “El más celebrado artista negro de los ochenta, Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad.” También precisa que “su intención no era tanto construir una capillita más para la cultura afroamericana, sino competir en igualdad de condiciones con su mentor Andy Warhol.” Por su parte, el teórico alemán Klaus Honnef afirma: “Sea casualidad o no, si se pasan por alto las significativas alusiones a la existencia social de los negros en los Estados Unidos y la furia considerable de sus cuadros, se podría llegar a la conclusión de que las pinturas y los dibujos de Basquiat están enraizados en la estética francesa, y no en los graffiti de Nueva York”.Por su parte, Irving Sandler sostiene que Basquiat, quien desde 1980 hasta su muerte alcanzó un éxito y notoriedad nada comunes, al igual que unos años antes había hecho su “padrino” Andy Warhol, se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
La leyenda del niño salvaje, tras su muerte, será tocada y retocada hasta hacer casi imposible la distinción entre realidad y fabulación. Por ejemplo, el afán de ser el primero en descubrir, quizás inventar, al nuevo genio pictórico de la década, transforma a Diego Cortez en improvisado e inspirado promotor de la mítica historia de Jean-Michel Basquiat. Cortez alaba su primitivismo, la pureza casi arcaica, el vigor expresivo y otros varios clichés del repertorio previsible cuando de artistas afroamericanos se trata, especialmente con el graffiti.
El mánager, crítico de arte y poeta Rene Ricard le vaticina: “Haré de ti una estrella.” Y profetiza: “Nadie querrá ser parte de una generación que ignora a otro van Gogh”. El artista posee algunos rasgos, que ya hemos comentado, que constituyen una plataforma excelente a la hora de dejar despegar imaginaciones exuberantes: joven, pobre (por lo menos durante algunos años y por propia decisión), negro y de ascendencia latina, presuntamente vinculado al mundo de las bandas, con un pasado reciente de frenético y contestatario graffitero, proveniente de una innominada y patética zona de Brooklyn.
El mercado levantará su nombre como contraposición orgullosamente antiintelectual a Keith Haring, artista post-pop de raíces grafiteras, aunque con una sólida formación artística. Basquiat solo atravesó fugazmente algunas escuelas de arte, conducta varias veces ponderada como virtud.
Su temprana muerte marcará la definitiva consagración del mito. De alguna manera Basquiat decidió la brevedad de su vida. “Yo sé que algún día voy a dar vuelta a la esquina y voy a estar preparado para eso”, dijo alguna de las pocas veces que habló sobre sí mismo, sobre su existencia. “Eso” era una muerte buscada desde la adolescencia, idea que de alguna manera nunca abandonó, a través de un carácter obsesivamente autodestructivo. “Nunca sé demasiado bien si estoy vivo. De todos modos no me preocupa demasiado: creo que soy inmortal” dijo a una de sus parejas, Jennifer Goode. La idea de su inmortalidad reaparecía como pretexto cada vez que un Warhol paternal le recriminaba el abuso de las drogas: “No te preocupes, soy inmortal”.
El artista chicano Benny Dalmau y el transvanguardista italiano Francesco Clemente coinciden en afirmar que sólo cuando pintaba Basquiat parecía animado por una vitalidad tan incontenible como inesperada.
Sus compradores
El crítico Roberto Hughes en una reseña recuerda: “Le tuvo encerrado en el sótano de su galería pintando cuadros (ahora calificados como “primeros Basquiat”, para distinguirlos de los menos apreciados “últimos Basquiat”, pintados tres años más tarde) que ella vendía antes de que estuvieran secos y, algunas veces antes de que estuvieran acabados”[cita requerida]. Hughes sostiene que Basquiat nunca tuvo demasiada suerte con sus marchands: “Su introductor social fue Henry 'Frebbie' Geldzhaler, que había fracasado antes como escritor, conservador de museo e historiador, pero que aún tenía una considerable influencia como informador, al menos entre los nuevos coleccionistas”.[cita requerida]A Nossei siguió Tony Shafrazi, quien antes de convertirse en galerista especializado en graffiti-art, había cometido un acto de vandalismo contra el sagrado Guernica de Picasso cuando éste se encontraba expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Más tarde se hará cargo de sus obras la implacable Mary Boone, toda una celebridad dentro del circuito artístico neoyorquino por su mano firme en el manejo de sus artistas.
La leyenda
La leyenda seguía creciendo, ahora apuntalada por la vigilancia de un mercado que encontraba un excelente y fructífero producto. Ricard, otra vez, retoma una profecía de 1981 y proclama: “Hemos encontrado el niño radiante del siglo”. Se lo compara, tras la aceptación europea, con Rimbaud.Sus seguidores afirman que en sus obras brilla una sensibilidad intuitiva que seguramente hubiese cuajado en formidable talento, brillan los inicios primarios de un don tremendamente escaso: la genialidad. La fuerza, el lirismo, la melancolía, la violencia, la gracia lúdica, el desenfado cromático, las fusiones imprevisibles están allí, como testimonios que siempre comunican la sensación de fermentalidad inconclusa. También está la apropiación singularizada y sutil de Rauschenberg, de Jasper Johns. Sobre todo, la “salvajización” de los grafismos-textos utilizados por su admirado Cy Twombly. Lo que en Twombly es levedad y refinamiento en Basquiat se vuelve gestualidad exasperada, cartografías de una afectividad en perpetuo e inconforme desconcierto.
En 1996 la vida de Jean-Michel Basquiat fue llevada a la gran pantalla, después de 6 años de rodaje, de la mano de su amigo y colega Julian Schnabel. El cantante David Bowie interpretó a Andy Warhol.
En 2015, fue robada una obra de Basquiat avaluada en más de US$ 11 millones.[3]
Obra
- Cráneo, 1981. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Hombre rojo, 1981. Acrílico, pastel y pintura en aerosol sobre tela.
- Aguas peligrosas, 1981.
- Arroz con pollooo, 1981. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Cenizas, 1981. Acrílico, crayón de óleo y pintura en aerosol sobre madera.
- Pescando, 1981. Acrílico y crayón sobre tela.
- Ángel caído, 1981, Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Beneficio I, 1982. Acrílico sobre tela.
- Santo, 1982. Acrílico y óleo sobre tela.
- Mecca, 1982. Acrílico y crayón de óleo.
- En la cifra, 1982. Acrílico, óleo, crayón de óleo, marcador y collage sobre tela.
- Cabezas empolvadas,1982. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Autorretrato como un talón, parte II, 1982. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Autorretrato, 1982. Acrílico, crayón de óleo y pintura en aerosol sobre tela.
- Los colonos holandeses (parte I), 1982. Acrílico sobre tela.
- Los colonos holandeses (parte II), 1982. Acrílico sobre tela.
- Los colonos holandeses (parte III), 1982. Acrílico sobre tela.
- Alquitrán y plumas, 1982. Acrílico, crayón de óleo, pintura en aerosol, alquitrán y plumas sobre masonite.
- Africanos de Hollywood, 1983. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Moisés joven, 1983. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Bird as Buddha, 1984. Acrílico y óleo sobre tela.
- Tabaco, 1984. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- PZ, 1984. Acrílico y collage sobre tela.
- Ahora es el momento, 1985. Acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Sienna, 1984. Acrílico, crayón de óleo y serigrafía sobre tela.
- Tierra, 1984. Acrílico sobre tela.
- Vino de Babilonia, 1984 Óleo, acrílico y crayón de óleo sobre tela.
- Brazo y martillo, 1985 (elaborado en conjunto con Andy Warhol), Acrílico sobre tela.
- Ahora es el tiempo, 1985. Acrílico sobre madera.
- King Zulú, 1986. Acrílico, cera y rotulador sobre tela.[4]
- 1988, Untitled (inspiración europea, aparece la "Tour Eiffel"). Pintura acrílica y barra de óleo sobre tela.
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