EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO EN EL GUGENHEIM

Heroísmo subjetivo expresionismo abstracto

Analizamos a los artistas del movimiento abstracto estadounidense teniendo en cuenta el subjetivismo de cada uno. Estos autores se convirtieron en chamanes portavoces de su época. Buscan el fundamento de la vida a través del arte, como grandes pensadores que son. La Cultura occidental estaba a la vanguardia de todo, de las artes visuales, sobre todo. Estos pintores compartieron raza, país, procedencia, política, y tiempos convulsos como la guerra civil española, las dos guerras mundiales, la guerra atómica y la guerra fría. En 1945 EE.UU. miraba a Europa diciendo yo estoy aquí. París deja de ser la capital de las artes para sustituirse por Nueva York. Y así surge la escuela de Nueva York. No es una escuela común, ni todos los autores son solo de Nueva York. Son un conjunto de artistas que no obedecen a nada unitario. Afirman su individualidad y el carácter expresivo del arte. Desde 1924 anterior a la segunda guerra mundial era el surrealismo la gran vanguardia. A partir de los descubrimientos de la mente, el psicoanálisis de Freud, se estudia el ámbito de los sueños, el subjetivismo, lo que eran ellos mismos por dentro como individuos. Estos autores europeos huirían de la guerra y se refugian en EE.UU. Allí siguen trabajando, son grandes profesores que imparten sus conocimientos a estas generaciones, nacidas en EE.UU. o venidos de fuera y criados en tiempos de la gran depresión Estas enseñanzas de los surrealistas influirán en su arte. Por ejemplo, vemos la influencia del automatismo que recoge para si Jackson Pollock- Estos jóvenes quieren mostrar el reflejo inconsciente, el espejo interior de su individualidad a través del arte. Lo instintivo al frente. Los expresionistas abstractos toman del surrealismo lo que automático tenía como arte de crear, los gestos, los tics, los movimientos inconscientes… surge el inconsciente. Se trata de reflejar estas emociones individuales y a la vez universales, mezclando lo simbólico y lo abstracto. Pintar un cuadro es una experiencia dramática del artista, no fruto de la razón. Se muestra cada uno a su manera. Son hijos de su tiempo, personas desencantadas por guerras y lo que les ha tocado vivir. En EE.UU. no vivieron tan cercano la guerra mundial como nosotros. El existencialismo venia de Europa e influyó en los estadounidenses. Hablamos de un periodo muy convulso. La depresión era a nivel mundial, y la crisis hace que cada uno se refugie consigo mismo, en su interior. Empieza a rechazarse la forma figurativa y a coger fuerza la marcha, la textura, el gesto, la acción física, la materia… En el empasto de Pollock, hay textura, filamentos, grosor. Estos autores pintan mientras piensan en el tema de la bomba atómica, el holocausto, el ser humano generador de catástrofes que destruyen al ser humano. El tema del holocausto y la bomba atómica quiebra el concepto de civilización. El arte anterior a la segunda guerra mundial ya no sirve para expresar los mundos de ahora. 

 

Lo más típico del grupo es la pintura de acción o pintura gestual de Pollock, uno de los adalides del expresionismo abstracto. Muestra el action Paintin o pintura de acción. La saca a la luz esta expresión el crítico Harol Roselver en 1952 para nombrar las obras de De Kooning, Frank klayn... ellos tienen un bagaje académico importante. Vemos en el pequeño autorretrato de Pollock como el pintor parte del academicismo moderno y la figuración. Hace sus retratos en los años 30. Nació en 1912. Hasta los 12 años la familia fue muy trashumante. Se marchan 8 o 9 veces del sitio, por los páramos yermos de California y Arizona buscando nuevos hogares. Se establecieron cerca de los ángeles. Fue a varios institutos. Fue expuesto desde la niñez a un modo de vida agrícola en decadencia. Tenía una madre temible terrible y un padre depresivo. Esto hizo mella en el joven., su agresividad nace de su simple inseguridad y miedo a muchas cosas. Se ve un distanciamiento de Pollock con el mundo exterior. Se ve en el autorretrato su mirada que refleja un carácter introspectivo, mira hacia sí mismo frente al mundo exterior que le aterra. Está asustado, quizá también aburrido. Se escondía en su caparazón. Sentía aversión a la religión convencional, a la vida que le tocó vivir. Sus ideas eran procedentes de filosofías de moda en California, la teosofía, las teorías de Krishnamurti, pensar quienes somos, de dónde venimos y a donde vamos. Le lleva esto a un panteísmo importante en su juventud que le duró toda la vida. Muestra su carácter fruto del malestar producido por el flujo de la existencia que había que responder cortándolo. Estaba incomodo con las tres dimensiones. Pintó varios paisajes tempranos Pollock donde se ve su estilo figurativo con el que empezó. Casi todos los artistas del movimiento pasaron por los federal Brother. En los años 30 Franklin Rooselvet intentó arreglar el país mediante el plan conocido como New Deal, un conjunto de reformas para evitar revolución ninguna. Intentó dar trabajo a todo el mundo, a todos los gremios. El gobierno estadounidense crea proyectos para especialidades, los federal Brothers. Eran diseñados por el gobierno que daban trabajo a los artistas. Le podía tocar hacer una escultura publica o una pintura mural, escenografías para teatro, fotografías... Se aseguraban un sueldo. Estaban sujeto a normas y horarios del gobierno, pero seguros de tener su dinero. Por eso experimentan con Álvaro Junqueiros, un muralista mexicano, que abre un taller y da clases a sus alumnos. Experimenta con diversas técnicas como la pintura al aerógrafo. Eran técnicas poco puristas académicamente hablando. Tenía ansias de que la pintura fuera perdurable al hacer murales de tipo público, quedando a la intemperie de los muros de las pinturas. Las pinturas no perduraban en el tiempo. Pero el arte industrial químico científico aparece en los años 30 y descubren la pintura acrílica, plástica que se mezcla con agua y pervive mucho y a la intemperie. Diego rivera, Orozco y otros muralistas querían que perduraren las obras artísticas en los muros. Pollock empieza siendo figurativo. En su obra camino del oeste vemos su pesimismo inicial. Tenía un aire melancólico. Descubrimos en Pollock muchas influencias de la historia del arte. Estos artistas eran grandes conocedores de la historia del arte. Conocen las primeras vanguardias de mano de artistas que venían de Europa. En sus obras notamos el manierismo del Greco, la teatralidad y movimiento de Rubens. Retrata paisajes norteamericanos que había vivido en su niñez. Recibe clases regionalistas de Berton, recibe clases de arte en los años 30. Este hace un mural que le impacta a Pollock. Estuvo un tiempo enfermo Pollock. En 1937 sufre una crisis nerviosa. Está 4 años buscando ayuda en los terapeutas yung-ianos. Le gusta Yung. Intenta superar su depresión y alcoholismo. En el 38 ingresa 4 meses en un psiquiátrico para tratar su alcoholismo. Ese año vuelve a la sección de pintura de caballete de los federal Brother. Son obras en masculino y femenino. Su pincelada es agresiva, vigorosa, con furor pictórico. Como un ángel, restriega colores ante el lienzo. Lo va impregnando todo. Vislumbra cuales son las figuras y el fondo. Va cambiando la historia del arte. Las formas sensuales se contraponen a la forma rígida y geométrica que remite a la masculinidad. A la masculinidad se le asocia la intelectualidad, por eso parece una operación matemática. La mujer con grandes ojos que aparece en el cuadro está vinculada a ser madre nutricia o la devoradora sexual. Tiene un concepto de la mujer un tanto monstruoso. En la mujer refleja la maternidad, sensualidad, belleza de la naturaleza. Lo masculino es un largo rectángulo negro donde se ven símbolos de la actividad intelectual. Es una simbología. Alude a mitos y al primitivismo. Vemos pocos rasgos corporales. En 1943 pinta un cuadro para la mecenas Peggy Guggenheim; la galerista hable en 1942. Es el mayor museo del arte de este siglo el Guggenheim junto al Moma. El cuadro es el resultado de la actividad febril de una sola noche. La obra es de 56 metros de largo. Lo trabajo para una fiesta de Peggy. Refleja su caligrafía individual del hecho subjetivo, del acontecimiento donde es exigido moverse, la expresión, y la emoción. Los periodistas machacones le dicen que deja las obras al azar, y que la suerte está implícita en sus obras. No es azar, dirá él. Hay estudios preparatorios para lograr ese color luminoso de la composición. Tiene toques menores con respecto al resto de colores que dominan la composición. Es un trabajo de movilidad, una danza, un acto performativo. El expresionismo abstracto cambia las tornas del arte actual. Si no fuera por ellos estaríamos dando una conferencia de otra cosa diferente. Son los precursores del arte de acción, la performance, el happening. Precursores del minimalismo y arte conceptual o de la idea. Comienzan de manera libre. Pollock trabaja cubriéndolo todo, la superficie del cuadro. A finales del 46 aparecen sus cuadros e imágenes en revistas de moda y de arte, hay fotos famosas. Los diseños con su drippin fueron aplicados al mundo de la moda. A finales del 46 empieza a verter o echar gotas de esmalte a la pintura de aluminio sin tensar y extendido el lienzo en el suelo. Usa palos, pinceles endurecidos y agujerea botes de pintura por abajo para que este chorree por el suelo. Usaba sus brazos, gesticulaba, usaba la muñeca, el codo y el hombro. Su propia figura aparece todo el rato. Es un artista revolucionario. A Mondrian le pregunta Pollock delante de Peggy ¿qué te parece? No sé, estamos ante la obra más emocionante desde hace siglos. Esto es un trabajo muy singular, pero parece fácil. No es nada fácil, fíjense en el gesto. Este fenómeno artístico sale a la luz, al mundo genuinamente americano. Hasta 1945, hasta la segunda guerra mundial, Norteamérica mira Europa, les imitaba. A partir de esa fecha son ellos los guías artísticos que marcan la pauta que Europa ha de seguir. Gracias a este movimiento artístico que goza de gran democracia y libertad. Cada uno hacia lo que quería. Desde el 59 no se ha hecho ninguna exposición del expresionismo abstracto de esta magnitud. Fue difícil reunir 130 obras que han venido a Bilbao, creadas por los autores más importantes del movimiento que fueron muchos. Mucho se ha escrito sobre el expresionismo abstracto. Ahora sabemos muchas más cosas. En el 59 fue la última exposición sobre expresionismo abstracto. Sabemos que el arte siempre es político y en estos tiempos convulsos más todavía. El Comunismo era poco querido en EE.UU., y aparece el tema de la gran guerra fría. Pollock y estos artistas serán de ideas izquierdistas. Miembros de la CIA y grandes personalidades del Moma organizan exposiciones de estos autores en Europa. Se promocionan. Dan sus obras a conocer sus obras fuera de EE.UU. En realidad, era una manipulación gubernamental. Se estaba mostrando la hegemonía artística norteamericana. Ellos mandan y marcan tendencias. Era un mensaje dirigido a los países comunistas; 2nuestros artistas gozan de toda libertad del mundo y hacen lo que quieren y no vosotros que estáis sujetos al realismo socialista”. Es una manipulación política gubernamental propagandística. Esto se ha sabido a través de los años. El expresionismo nace en los 30, en la gran depresión y morir no muere de forma tajante (no hay nada químicamente puro en arte) Muere el arte expresionista abstracto cuando emerge el pop. Warhol hace alarde de la sociedad consumo y vuelve al arte figurativo con tintas planas, fondo figura, del ámbito de la publicidad. Estos artistas habían nacido en periodo de miseria, habían vivido la gran depresión, las dos guerras mundiales y la guerra civil española. Quedan conmocionados con el Guernica de Picasso. El ser humano busca a nivel metafísico a donde vamos

 

El centro de intereses del action paint es el acto de pintar, es pintura gestual, del gesto espontaneo. Usan el automatismo como los surrealistas, plasman el estado físico psíquico del propio pintor. Eliminan los límites entre pintor y pintura, ligándolo con la biografía del artista. Pollock muere con 44 años en 1956 en un accidente de automóvil. Trabajó con aerógrafo, y productos sintéticos alemanes, barnices de aluminio. Lo aplica en obras como esta. En los años 40 tira la tela en el suelo. En el arte tradicional durante siglos, académicamente hablando, se ejecuta siempre de pie sobre el caballete para vislumbrar las coordenadas del mundo real; izquierda derecha arriba abajo. Él coloca la tela en el suelo y salpica luego y chorrea con todo su cuerpo. Daba vueltas alrededor del papel o tela, se desorientaba así de esas coordenadas. Son como filamentos, hilos. El dripinn es chorrear la pintura o gotear desde un recipiente. Tubo lata o caja pueden ser agujereado por abajo y hacer grandes salpicaduras. Esa técnica le hizo famoso. El potencial subjetivo del artista está ahí. El artista fue criado en paisajes extensos, yermas y horizontales. Refleja grandes paisajes en horizontal, por eso tira la tela al suelo. Era el gesto que había visto a los indios americanos en sus pinturas de arena mezclándolo con sangre o líquidos animales. Era como esparcir sal a la comida. Coloca en el suelo el lienzo como la pintura sobre la piel que trabajaban esos indios navajos. Conocía la técnica por su pasado americano. Es un caos ordenado. “Cuando lo hago no soy consciente de lo que hago. Luego viene un proceso de familiarizacion y veo lo que ha hecho. No hago cambios, dejo que se exprese, pues el cuadro tiene vida propia”, dice Pollock. Hace pintura sin usar el pincel, usaba ramas de árbol cepillos etc. el proceso artístico es parte de esa acción y lo que nos va a quedar es una obra abstracta, documento de aquella acción. Lo presenta como un trabajo que es acción, acto performativo. El artista parece que entra en trance. El vigor y violencia, energía y movimiento, lo vemos en la obra de lis Krasler, su esposa. Se conocieron en el 36 tras colaborar en una exposición colectiva y contraen matrimonio en el 45. Ese año Pollock expone individualmente en galería de Peggy y el crítico y guía del expresionismo abstracto lo describe en el nación; la muestra le pone como el pintor mejor de su generación, el más grande desde Miró. Un Rembrandt del XVII lo comparan con un Pollock del XX. La mujer desempeña un papel esencial. El expresionismo abstracto es un fenómeno machista pues no se habla de las pintoras. Este arte quiere divulgarse entre las personas que nunca han visto nada de expresionismo abstracto. Este movimiento tiene una importancia que no se le ha dado. Ella tendió un puente para potenciar la rebeldía de su esposo. Ella le asesoraba y aconsejaba y buscaba galeristas. Aminora su trabajo cuando se casan. La obra pictórica de esta autora es impresionante. La película de Pollock, cuenta la biografía del artista hasta que fallece en el 56

 

ROCKHO Nace en Rusia Letonia en 1903. Había llegado con 10 años a EE.UU. Era figurativo también al principio. Controla lo geométrico orgánico compositivo cromático. Se centra en esa expresión de poderosos sentimientos humanos, y nos habla de la tragedia, el éxtasis la fatalidad... estos autores son reconocidos todos ellos al instante. Retrata figuras que no tienen identidad, en el trajín moderno del metro, nadie mira a nadie, cada uno va a la suyo. Hay múltiples interpretaciones de este cuadro por parte de muchos. El espacio es aséptico, no hay rostros, sólo imágenes del metro de Nueva York. Desemboca después en sus fachadas. Observemos como compartimenta el espacio, el hueco por el que bajan figuras. Aquí vemos la compartimentación de ese espacio. El cuadro respira poca alegría de vivir, las figuras parece que se esconden o abrigan tras esas columnas. El cielo es opresivo tipo marquesina de una parada de autobús. La mujer está más cercana a nosotros. En esa pieza llega a decir; el cuadro no es imagen de una experiencia sino una experiencia en sí misma. Traduce la atmósfera del metro de Nueva York en términos universales, mostrando agitados tiempos, el cíclico transito del devenir y destino del ser humano. Tiene muchas composiciones arquitectónicas de los años 30. Estas arquitecturas están habitadas por figuras, oprimidas por la estatutaria a ambos lados. Es la conciencia dividida en parcelas evolutivas. Se adivina cierta geométrica y los colores rojizos en el superior y el verduzco en el inferior. No han llegado al gran formato, aún son de pequeño tamaño sus cuadros. Da una imagen melancólica y triste del artista. Necesitaba mucho tiempo para pensar, trabajaba con bloques rectangulares, colores y brillos intensos, pero luego disminuye la saturación. Aparece la angustia y la depresión. Reduce su pintura a planos de color. Las pinturas de Rotkho las llamó fachadas. Son constituidas por rectángulos que parecen flotar sobre el plano del cuadro. Pretendía llevarnos a través de ese carácter abstracto de pintura a aspectos más transcendentales y espirituales; la fatalidad o el éxtasis, palabras que el usa., reconocibles al instante. Esas imágenes son evocadas, según la sensibilidad, a través de eso rectángulos. La expresión pública provoca una reacción emocional de la imagen. El termino machada remitía a la frontalidad con que las obras interpelan al espectador. Usa el color y la forma como recursos hipnóticos prácticamente. Sus fachadas se relevan y ocultan a un tiempo. Hay planos que quieren ocultarse, pero el del medio es muy poderoso. Hay geometrías más cálidas o más oscuras o claras. Tiende a hacer pinturas más oscuras. Tiene una temprana preocupación por la luz hasta su relación con las sombras. Rotkho usaba una técnica muy personal de crear efectos, diluye las pinturas con clementina (otros lo hacen con otros disolventes) Mancha el lienzo en vez de empastarlo con pintura. Se trata de diferentes densidades, pequeños goteos, nada dejado al azar pues todo es calculado. Eliminar toda narrativa es llegar más a la reacción emocional. La imagen es mucho más directa que si nos presenta de forma figurativa. El arte abstracto tiene mucho que ver con los románticos. El mundo no llega ni sacia esta vida que les ha tocado vivir. Rotkho o Gorki llegan al suicidio. Escribe en el 45 sobre sus obras; en su época temprana le interesan los estados de conciencia y relación con el mundo padecido. Nuestras abstracciones encuentran el equivalente pictórico del nuevo conocimiento o la conciencia que tiene el hombre de un mundo complejo. No se reduce a figuras y fondo. El mayor énfasis recae en el público, el público es tan creativo que tiene que descifrar la obra. Tras su suicidio consiguió lo que les pedía a los galeristas, quería una capilla. Era un hombre místico. A través de la forma y el color llega a la esfera espiritual trascendental a través de la mirada. Los cuadros absorben al espectador y nos meten dentro. En esta obrita pequeña se mantiene la distancia espectador cuadro.

  

Hans Hoffman. Había conocido a Matisse, George Brake o Picasso, antes de huir de los nazis a EE.UU. Fundó allí dos académicas; Pollock y licrasner fueron allí. En 1933 funda la primera. Enseñó a las generaciones más jóvenes criadas en EE.UU. sobre lo que era el expresionismo alemán, el cubismo, futurismo, las primeras vanguardias. En el cuadro la tetera sobre la mesa roja vemos la derivación de todos los movimientos. Abogaba por una síntesis compendio de todas las vanguardias. Las fuerzas avanzan y retroceden, es la estética del tirar y empujar. Hoffman anima a los más jóvenes y les hace entender lo intrínseco de su disciplina. El color puede crear espacios, no solo el cuadro ilusionista. Exagerando el movimiento o la quietud se muestran características psicológicas. La manera de corregir la psicología se ve allí. Hay una resistencia al vacío, nuevos tonos. El principio en pintura desde Cézanne era encontrar equivalentes a las 3 dimensiones en el cuadro y el drama de que esto suceda. Era alemán. Sigue la tradición europea. Fue ayudante de Robert Denove. La naturaleza, de ahí venia todo. Los demás decían que había que partir del subjetivismo. Se repiensa el mundo natural en el que estamos inmersos. ofreciendo campos con fuerza muy potentes.

Clyfford Still, de origen escoces irlandés, vive en las praderas de Canadá. Lucha por trabajar la tierra en un territorio hostil agudizado por sequías años atrás. Vino la depresión, la economía es un caos, un páramo. Sus paisajes reflejan esta situación depresiva. En sus cuerpos arquitecturales no hay identidad. Los miembros intentan ser geométricos. Parecen fracturarse. Con sus poses mezcla el sufrimiento del ser humano, la conciencia sobre el mundo, el tiempo, la identidad, la relación con el mundo. Además de obreros, retrata a campesinos. Reflexionan sobre el destino humano, Gorki De Kooning Rotkho… conocen la experiencia de la inmigración. Vivieron en las praderas canadienses tras la segunda guerra mundial y en las barriadas judías. Gorki viene de su Armenia natal, huyendo de las persecuciones a los judíos, la madre muere de hambre en el camino. En 1945 emerge el capitalismo y la industria, la “american way of live” y los bienes de consumo que destilan por doquier, cualquier familia puede tener bienes de consumo de última generación en su casa haciendo la vida más fácil. En esta sociedad de la abundancia no se puede producir este tipo de obras depresivas. Roy Liechtenstein, Warhol son los nuevos artistas que critican y celebran-legitiman el capitalismo y la cultura pop. Estos abstractos son hijos de esta sociedad que le ha costado venir arriba. Vemos el autorretrato de Still. Still vivió la dialéctica de la luz y oscuridad que resumía en una simbiosis o síntesis perfecta. Tiene una estrecha relación con los paisajes del oeste. Vive alejado del centro artístico. Vive 8 años en Nueva York. No se influencia por nadie y es muy original. Se enfrenta al amarillo y negro en paisajes verticales, con ese abismo negro en la parte superior. En la zona de colisión sobresale el blanco como espuma de olas. En ese lienzo hay un blanco que se asoma. Se dirige la mirada hacia el límite. Estos rasgos sintetizan su estilo, la capacidad expresiva de sus colores, el aspecto luminoso y brillante o apagado oscuro. Evoca el conflicto entre la vida y la muerte, el bien y el mal, el yin y yang. Heráclito decía que la vida es una conjunción armoniosa de opuestos (hombre mujer, luz oscuridad), la solución de una dialéctica; tesis y antítesis se funden en una síntesis respuesta de una hipótesis. Habla de la existencia a través de dos colores. Usa el formato vertical porque el ser humano se erige y yergue sobre la tierra, como al construir rascacielos. Ya hemos visto que Pollock prefiere el paisaje en horizontal porque le recuerda los grandes paisajes americanos. El protagonismo es del color por sí mismo. Aplica la pintura con la espátula y le da cierta texturologia. Aplica con espátula los pigmentos y genera una textura que dinamiza el cuadro y hace más potentes sus propias obras. Lo consigue con ese juego luz oscuridad, y el elemento vectorial naranja que cae de arriba abajo. La luminosidad es compensada con el resto del cuadro y la línea dentada en la parte derecha azul. Hablamos de un artista conocedor del academicismo, que tiene una base colchón de bagaje cultural que luego desvirtúa por sus intereses creativos pero que la tiene. Se observa matices en la textura de tonalidades ocres.

Arsile gorki, era armenio. Tiene también un profundo conocimiento de la historia del arte que transmitió a William De Kooning, que venía de los países bajos. Fusiona el cubismo y surrealismo, y otras vanguardias y tendencias. Se auto retrata con esa evocación onírica del recuerdo de su madre que murió de inanición. Está muy influenciado por el surrealismo. Pinta nocturno ensueño y nostalgia en el 30. En esa década recibe mucha influencia de Dalí, o de la pintura metafísica de Chirico, y las formas geométricas de Jean Arp. Refleja su nostalgia por su Armenia natal que representa con signos de fertilidad, de la naturaleza donde pasaba la materia de un estado a otro. Muestra alegría en ocasiones. Refleja la morriña-nostalgia del armenio por su tierra. Visita los paisajes de Conetica Virginia, le recuerdan la flora fauna y la frescura de su Armenia natal. Es una ensoñación fabulosa de colores, en un inmenso jardín. Trabajaba con recuerdos del surrealismo y de Miró. Nosotros terminamos la obra como queramos. Este artista tuvo que marcharse, cuando la madre murió. En los 40 se le incendia el estudio. 30 años haciendo obras de arte convertidas en ceniza. 3 años después sufre un accidente coche. Y un cáncer de colon. Su familia le abandona y acaba ahorcándose. L suicidio también fue la salida para Rotkho y muchos de estos expresionistas abstractos.

 

William De Kooning Además de pintor, era fotógrafo. Nace en Roterdam e los países bajos en 1904 y muere en el 97. Llegó de polizonte. Era amante de la ilustración. Iba su futuro destinado a ser publicista ilustrados. Estudia en la academia de Rotterdam. Allí pintaba desnudos normales. Se va a EE.UU. y empieza a pintar desnudos en un país que se está aún construyendo. El arte es más político que en ningún otro momento. En el autorretrato del propio autor vemos el dominio del gesto, la figuración y abstracción que refleja una reacción violenta o amable. Empleaba todo lo que tenía a su alcance. Actualizaba sus reflexiones sobre las condiciones del ser humano a través de lienzos o collages. Tenía conocimientos muy bien adentrados del arte europeo y de los maestros holandeses, de la pintura clásica, Brueghel el viejo, el Bosco... y no lo puede disimular. Sus piezas aparecen como puzles en ocasiones, cubriendo toda la superficie del cuadro. Impregna todo de simbología e icnografía y reflexión de “lo caótico” entre comillas. Sus cuadros son expresión de la fragmentación, manchas esparcidas por la composición. Es la metáfora del cuerpo fragmentado que deja cualquier guerra. Las guerras lo hieren. ¿Cuántos habrán muerto hoy allá por Siria? Esta obra es un collage. Aparte de fragmentos de papel pintado utiliza chinchetas. Es la metáfora de pinchar atravesar o crucificar al ser humano. Vuelve a la figuración con sus mujeres. Él dijo que partía de esa tradición suya, y aparece el tema de la mujer que tanto había cultivado. Pollock le dijo que tanto como había costado revindicar el arte de la abstracción ¿por qué tu vuelves a lo figurativo? El viene de la tradición europea. Sigue trabajando. La ville  Borguese es otro de sus cuadros famosos. Pertenece a la colección propia del Guggenheim Bilbao. Hay un abanico de piezas de la colección de aquí. Pintó este cuadro tras haber visitado el parque villa Borguese de Roma. A través de la fuerza y energía vemos su factura extraordinaria e irrepetible. Lo pintó al instante el autor tras la experiencia de haber visitado Roma. Su pintura es enérgica, una caligrafía rápida y vigorosa. De Kooning era el único universitario del grupo y uno de los mayores intelectuales, escribía, daba conferencias, estudiaba la historia y la historia del arte. Le atrajo mucho el Gernika, la guerra civil, que se vio que era un avance de la segunda guerra mundial, tanto se intereses por ello que estudió el fenómeno y se vino a finales de los 50 a ver qué pasaba en España-. Cuando ve el régimen franquista, expone en Nueva York 200 obras como elegía a la república y guerra civil española. En su obra aparecen barrotes, de la cárcel, metáfora de la opresión. Hay un pequeño alivio en un cuadro negro suyo, un pequeño espacio luminoso, hay pun pequeño hueco para la esperanza. Eso concluyó de su viaje viendo y estudiando la historia más reciente de nuestro país. 

 

Frank Kline es otro artista que colisiona el blanco con el negro, pintando una obra vertiginosa y violenta, de factura extraordinaria, con signos potentes característicos. Nacido en Pensilvania en 1910, destaca por el dinamismo de su expresión. Era estadounidense. Hace trazos negros gigantes. Colisiona de forma violenta y atractiva las formas nocturnas., formas de desorganizar la realidad a través de las cuales podía llegar a una organización. Parecen pinturas espontaneas improvisadas, pero hay mucho trabajo detrás; bosquejos y estudios. Se podían ejecutar con el proyector bellcom de la época. Era un artista muy calculador. Pintaba en grandes superficies, cuadros de gran formato

  

David Smith. Es uno de los escultores del grupo. Este movimiento no se expresó solo en pintura, sino en escultura y fotografía también. La exposición da muestra de ello y de que las mujeres también fueron protagonistas del panorama artístico de esos años. Siguiendo las premisas del siglo xx trabajó con julio González y con Picasso e introduce elementos industriales en su escultura en el año 34 ene EE.UU. Aprende de Europa y lo exporta a EEUU. Pinta el metal. Héroes se llama esa obra. Tiene un carácter abstracto, pero en esencia es formal. El ser humano erguido mira hacia abajo y hacia dentro con esa especie de gran ojo. En su cuadro paisaje sobre el rio Hudson, vemos el paisaje porque está dibujando en el espacio con líneas metálicas. Tiene carácter tridimensional. Se inspiró mucho en el gesto de Rotkho. Los filamentos quedaban en los lienzos de sus obras. Hace interaccionar el espacio negativo y positivo, lo vacío y lo lleno de la escultura. Su carnalidad de su escultura es finísima. Son obras muy liricas. Muere en el 65 al volcar un camión en un accidente en carretera. Las carreteras de antes no son las de ahora. Muchos artistas perecieron en ellas. Era gente que viajaba muchísimo. Los últimos años de su vida usaba formas geométricas que soldaba, acumulaba tipos y asambleas sobre la escultura haciendo una totalidad. Además, las intervenía con material industrial; acero plata aluminio. Usaba lijadora eléctrica para lijar las superficies de estos cubos o series de esculturas. Le daba en la superficie con la lijadora y hacia que la luz saliera. Una escultura tradicional de mármol de Bernini es pulcra suave pulida, la luz resbala maravillosamente. Aquí se detiene y zigzaguea gracias al lijamiento de la escultura.

 

Eran artistas minimalistas. Artistas que trabajan con lo más mínimo; Línea y planos cromáticos. Juegan con la simetría, el color cálido, ciertas tensiones. No es una línea estricta recta, abre el espacio como una cortina hacia carácter más luminoso. Aparecen cremalleras. A veces lo abre más o menos. Aparece el color azul con ciertas simbológicas del azul lo toman como algo mas místico. Pone en acción su mirada, su sentido y su vista. En el plano se abre una luz que se proyecta rígidamente en vertical. Genera espacios con el mínimo de forma y color. Menos, es más. Son obras de gran tamaño. Aparece retratado en su estudio. Pinta el detalle de una caja para colocar ceniceros. Era una caja de Pepsi cola, vemos la publicidad en el envoltorio. Son antecedentes del arte pop, aparecen productos de la sociedad de consumo, pronto va a emerger el pop. La cremallera a nivel escultórico lo hace en bronce, es una obra exenta, tridimensional, con espacios negativos.

Mucha de esas obras la puede hacer mi niño, podemos decir. El niño expresara su inocencia, pero estos artistas no tienen inocencia. Joyce, Picasso Braque Matisse, Fitzgerald, Hemingway forman un árbol genealógico de la bohemia del París es una fiesta. Ellos no son inocentes. Tienen un bagaje cultural humanístico importante. En una publicación a finales años 50 los críticos dicen; aquí hay conocimiento bagaje estudio. Esto nos e hace porque sí. Ponen en acción nuestros sentidos. A través del color, las formas, las divisiones, las compartimentaciones. ¿Qué color es plano o más alejado, cual viene hacia nosotros?, diferentes variaciones.

adolf botrier. Años 30. el tema holocausto, la bomba atómica, la segunda guerra mundial, hizo fracturar el concepto de civilización. No quieren más industrialización o tecnología. Quieren volver a la esencia simbiótica entre hombre y naturaleza, volver a lo primitivo. Por eso introducen mascaras africanas, por ejemplo. Insisten en el rechazo al mundo de la máquina. Hace un paisaje onírico con esos soles. En la parte inferior recae el peso visual, y arriba un sol que levita (forma medio circular, dentada) es la expresión subjetiva de Botrier.

No se pierdan esta exposición. Haremos un recorrido estremecedor, de esta época, de los grandes del expresionismo abstracto. Este tipo de cuadros lo podían adquirir mecenas y coleccionistas de arte como Peggy Guggenheim. Se pueden degustar no obstante en galerías y museos. Tienen mucha influencia de la pintura de tipo mural. A nivel público para eso están los museos, para que podamos ver estas obras. Son obras destinadas al Moma o a las instituciones públicas. Por mucho que me dedique al arte no tengo en mi casa ninguna obra de arte, reconoce Lucia la ponente de esta charla, aunque sea amiga de artistas locales como Iñaki Bilbao, pintor de aquí. Todos estos cuadros tienen en común la necesidad de expresión, sacar luz de alguna manera, todo aquello que les rondaba por su interior cabeza y corazón. Eran artistas portavoces de la sociedad en cada época, se dedican a esto. Ser artista es un oficio y hay que comer. Por eso trabajan para galeristas. Guggenheim les deja libertad, pero otros mecenas como Sober les cobraba hasta por usar el ascensor. Todos necesitan expresarse como el prehistórico que refleja en la cueva su gusto personal, su espiritualidad. El arte abstracto tiene mucho que ver con ese arte de las cavernas donde se abandona la figuración (los retratos con líneas de cazadores y bisontes) para pasar a la abstracción y por tanto a la semiología, a la semántica, a la simbología. Todos tenían fe en el mito y en el arte. Además de la mujer de Pollock hay varias mujeres presentes en la exposición; Helen Frankenthaler, tercera esposa de De Kooning, el de Rótterdam, janes soben, ucraniana que influye a Pollock a hacer dripin.., No aparecen las mujeres en los libros más domésticos de arte.  No esta helene De Kooning, las obras de Krusner. Hay 30 hombres, y solo hay 4 mujeres. Las mujeres han tenido gran importancia en el expresionismo abstracto. Oye, pero están, un logro. No están todas las que son pero esas son y están.  El Guggenheim lleva 20 años y ha habido muchas exposiciones de mujeres; amazonas del arte, las rusas… Joko Ono se llevó la palma, la dedicaron toda la tercera planta para ella. Adquirió el museo dos obras de ella y a cambio ella hizo unas perfonmances extraordinarias. Joko Ono es precursora del arte conceptual, aunque la conozcamos por ser pareja exótica de Jon Lennon