EL ARTE FIN DE SIGLO 1980 POST IMPRESIONISTAS, SAVIS y SIMBOLISTAS

En esta charla vemos los movimientos post impresionistas que anteceden a las vanguardias pictóricas y artísticas en Europa, entre el final del siglo XX y el principio del siglo XX. 

Monet crea un jardín japonés, que estaba de moda, gustaba el exotismo de otros países. Muchas características de esta casa vienen del país nipón. Le interesa lo japonés como motivo para pintar. Se compró varias hectáreas en su casa de Giverny.  Diseña un jardín de serie japonesa. Crea nenúfares, cañas, lirios de distintas variedades, el puente japonés… hace versiones y versiones sobre ese mismo paisaje, juega con la luz del día, las estaciones del año, el encuadre tremendamente fotográfico. El jardín prosigue a través de la vegetación y expresa el agua, los nenúfares, tema que tanto gustó al propio Monet y a los neo impresionistas. Moviliza su energía creadora en pintar este estanque. Desprecia el resto de jardín, solo se fija en el agua y las especies que viven en ese espacio acuático. Su pintura estalla como una ruptura con lo anterior. Nos avisa de que algo estaba ocurriendo, se van a cambiar de siglo de inmediato y aparecen las primeras vanguardias. 

 

No hay nada puro en arte. Los movimientos artísticos no son parcelas estanco pues muchos artistas pertenecían a varias generaciones y grupos y se influenciaban entre ellos.  El paso de una corriente a otra no se hace tajante sino de forma no traumática, taxativa, vemos varios fenómenos de ruptura. En el contexto del fin del siglo XIX aparecen los simbolistas, y los neo impresionistas. Los temas son parecidos a la generación anterior. Decían de Monet que era solo un ojo, pero que ojo. Los motivos son el paisaje, la vida moderna, las escenas placenteras, hedonistas, más comprometidas con la modernidad de la época. A esos motivos exteriores se les añaden escenas de tipo introspectivo, del mundo interior. El siglo XIX busca lo fenomenológico, la realidad en un tiempo positiva. Hegel había dicho; todo lo real es racional. Y de repente irrumpe la imaginación y la fantasía, miran los pintores hacía otro lado, hacía dentro. Trabajan obras perfectamente acabadas, no buscando el naturalismo mimético sino hablando de la forma. Importa el fondo, pero también mucho la forma. Apelan a la sique y emociones del espectador. Son nuevos temas y estilos. No es acotado y limitado cada estilo. Hay características de “los Navis” que vienen de los neo impresionistas, simbolistas que se evaden mientras nos hablan de la vida cotidiana. Bonnard, Vuillard o Sérusier son los principales navis. Bonnard será cronista de la época, del trajín urbano de la ciudad de París. Hay artistas que basan sus técnicas y praxis pictórica en lo científico, los contenidos sociales y de denuncia e imágenes teñidas de misticismo. En todos los grupos predomina el sentido colectivo de trascender, crear arte con una resonancia de tipo universal. El arte no se para, como el progreso o la evolución. (se leía la evolución de las especies de Darwin, el positivismo de Comte de creerse en lo más desarrollado del progreso) 

 

Florecía este nuevo arte evasivo a pesar de los acontecimientos convulsos de ese periodo de finales del xix. Se produce en la época el hundimiento del barco católico unión general, se da una quiebra de los valores bursátiles en 1882, es el fin de la economía de libre mercado que originaría la gran crisis financiera a la que Francia está abocada hasta 1890. Se produce el escándalo del canal de panamá. La corrupción política no es nada nuevo, se descubrió la corrupción ya entonces, los activistas escritores de izquierda pasan a la acción. Denuncian el consumismo descarado de la burguesía. Y los males derivados de la expansión urbana industrial. Se producen muchas manifestaciones de las grandes masas. y el asesinato en 1894 del presidente Sadi Carnot.  

 

Y también el sonado caso Deyfrus, tragedia que trascendería hasta el siglo xx, revelará una sociedad dividida, el enfrentamiento entre las convenciones democráticas y republicanas en defensa del hombre y sus derechos contra el nacionalismo mal entendido, las tendencias totalitarias, la razón de estado, y las posiciones conservadoras frente a la humanidad del progreso. Deyfrus es acusado de espía. Tras la guerra franco prusiana todo son sospechas. Se le acusa de conspirar y ejercer de espía, de trabajar para los alemanes contra los franceses. Seria desterrado a Alemania, Zola escribe un alegato; el Yo acuso. Revela que se le ha juzgado llevado por el anti semitismo y el sentimiento nacionalista mal entendido. Esto divide más si cabe el país ya de por si dividido. Es un enfrentamiento entre la burguesía y la bohemia, entre republicanos contra anti anarquistas, entre religiosos y ateos. En 1880 empieza el fin de la década y la crisis atraviesa su peor momento. Los pintores sindicalistas, comprometidos políticamente, muestran sus pareceres y opiniones a través de grabados e ilustraciones en prensa y revistas. 

 

Los neo impresionistas en 1886 empiezan a darse a conocer en el panorama artístico. Se celebra la octava exposición impresionista de París y la última. La obra más famosa es tarde de un domingo cualquiera en 1884 y en 1996 empieza la obra de Seurat. No sale al paisaje y crea una obra de manera rápida sino todo lo contrario. Es una obra muy pensada, cuasi científica. Usaba pequeños puntos yuxtapuestos de colores puros, cargando más el azul, o el rojo o el amarillo. Es nuestra retina y nuestro ojo la que realiza la síntesis. Mucho afán cientifista encontramos aquí. Influenció a muchos. Es una ruptura grande la que proponen estos pintores. El mismo Seurat hace obras no con técnicas tradicionales como el óleo, sino con el blanco y negro del lápiz con te. De esta forma vibra la superficie, la luz emana de alguna parte y viene hacia nosotros. El lápiz con té se manifiesta como su medio preferido, crea una pintura grasa para hacer bocetos y que tengan entidad en sí mismos como obras de arte. Representa a una portera en un cuadro, creando una gama de líneas y sombreados que otorgan al cuadro una atmosfera de graduaciones tonales de blanco negro. Destaca la superficie granulada del papel. Crea efectos luminosos, delinea la forma. Observamos lo oscuro de su echarpe, el fondo se muestra como algo aterciopelado. Adivinamos la zona intervenida con este lápiz. Es una mujer sin identidad. Una obra muy evocadora. Seurat murió con 32 años en 1891. Signac se convierte en el líder teórico de los neo impresionistas. Maximilien Luce, Camille Pisarro son otros miembros de Navis. Pisarro fue impresionista con Monet. El movimiento neo impresionista es apoyado por Leox Muñon, galerista francés, vinculado con los grupos anarquistas. Apoya las formas de hacer exposiciones de estos autores. Había artistas que se unieron. Observamos la vista de Londres de Maximilien Luce. A la hora de crear, el adalid neo impresionista es Signac. Crea efectos ópticos en el puntillismo. Renovó las teorías del color y la perfección en efectos ópticos. Es cientifista y no científico, pues entra en juego la intuición. Hace juegos cromáticos y científicos.  Julen Sebrion y Priel run fueron químicos estadounidenses en la época. Estos pintores revolucionan la técnica pictórica. Optan por la yuxtaposición de pigmento de pinceladas. No trabajan los colores solamente puros, pero si dan toquecitos, un solo tono de gran intensidad. Los colores intermediados son combinados con formas delicadas. Hacen obras formalmente unificadas. Importa el efecto de la luz, el color refractándose en el agua, en distintas condiciones atmosféricas. Van por los campos pintando. Luce viaje a Londres y pinta ese cuadro

 

Todos estos pintores eran de ideología política de izquierdas. Se ve en la forma de hacer. Hacen una crónica social con un fuerte compromiso adquirido por el propio artista. Se van a retratar entornos fabriles, a las clases trabajadoras. Pisarro o Luce en sus visiones iniciales cogen de motivo a los obreros. Eran anarquistas y comunistas. También vemos escenas utópicas donde se aúnan los contenidos ideológicos y esa teoría técnica que he comentado. Los objetivos no eran políticos, pero hay cierto politiquismo en esas escenas urbanas o del extrarradio, del mar o campo lleno de armonía. Lo mismo hablamos de fábricas, un puente en Londres. La armonía se la da el tema del color. Seurat era de Montparnasse, de una casa y un hogar obrero paupérrimo. Inventan la técnica divisionista. Vibran la superficie de los cuadros. Pinta escenas industriales, el esfuerzo de los obreros en las fábricas, los interiores de las acerías, escenas de la vida moderna muy comprometidas. Exalta el trabajo del ser humano. Actúan como activos anarquistas en sus cuadros. Recurrían al cientifismo, a la teoría del color de Sebron y tantos otros. El progreso científico aplicado al arte permite reflexionar sobre las iconografías sobre el arte moderno. Pintan el interior muy frugal de un proletario. Nuestro ojo vuelve a tener que hacer la síntesis. Pinta las sombras de la camisa, su pose, ese lecho o camastro donde duerme. La pared esta dibujada con la técnica del puntillismo al igual que las figuras, ejerciendo de fondo. Retrata el laboro cotidiano, ganarse el pan con el sudor de la frente. El trabajo dignifica al hombre y le hace ser más humano. Pìsarro habla de ello. En ese momento las jornadas proletarias en la fábrica eran de 16 horas. No podían sobrevivir con el sueldo. Pasaban tanto tiempo en el trabajo… eran tiempos convulsos. Tenemos ya a una clase obrera con conciencia social de clase. Pintan el mundo de la burguesía, bohemia, los proletarios. En el amanecer de Pisarro vemos una mañana invernal desde un nuevo punto de vista. Da un efecto nocturno, como impresionista que se representa a diferentes horas del día. Es la misma composición como la que hizo Monet en la catedral de Ruan. Intervenido por el punteado puntillismo. La perspectiva es desde una posición elevada. Observamos como desde una ventana. la pincelada es ágil, recrea la frenética vida del París de la época, el escenario urbano de elegantes edificios, jardines de pizarra, bosques de chimeneas. Capta el momento, pero reflexionando sobre el carácter científico y el trajín urbano, decorado moderno de la ciudad. Se trabajan las primeras estructuras con acero, tenemos la torre Eiffel hecha con materiales industriales y presentada en la primera exposición de Paris. Los artistas y concretamente los pintores pueden tener puntos de vista a vista pájaro dominando la pintura que antes no tenían. La sensación de gentío domina la escena, la calle, los carruajes… son toques muy rápidos de pincel. El carácter pictórico se reinventa a cada paso. Pisarro, junto a Monet fue impresionista. Cuando llega a París a mediados del siglo xix pasa por varias etapas. Se adapta al neo impresionismo en su última etapa. Hay múltiples iconografías. Escenas de la campiña francesa llenas de luz, o campesinos en la vida cotidiana. Tenía un estudio en París, pero prefiere vivir en zonas rurales. Toma vistas de los habitantes del lugar y sus actividades. Va a Normandía. Conoce a Signac. Siempre predispuesto a experimentar novedades, acepta la praxis puntillista sin dudas. Pinta la arcadia feliz, el mundo bucólico de pastores en realidad es una fábrica de ladrillos. Intenta evadirse de la contaminada urbe parisina rodeada de fábricas. La suciedad estaba por todos lados. Ahora las industrias son más limpias. Revindicaba en sus obras el ir con la naturaleza, la simbiosis hombre naturaleza, aunque hablemos de entorno fabril domina la naturaleza. Estuvo siempre comprometido como anarco comunista al lado de la clase trabajadora, entre lo humano y natural. Pinta paisajes felices, de contacto armónico con la naturaleza. Otro autor neo impresionista es Andre Egmond Este artista está influenciado por Monet. Se conocieron en 1883. Conoció también a su líder Seurac desde 1891. Pero muere este. Inventó la técnica de aplicación de color mediante pinceladas individuales. Aborda la pincelada. 

 

Vemos el escamado, un pequeño impasto de cada una de las pinceladas, una textura visual muy moderna para su tiempo. Los temas son los paisajes mediterráneos, las visiones armoniosas idílicas. Juega con el contraste de complementarios. Signac toma el revelo de Seurat tras prematura muerte. Henri-Edmond Delacroix se cambió el nombre para no ser confundido con el maestro del romanticismo Eugene Delacroix ni del escultor Herny Cros. Así que desde entonces se llamó Henri Edmond Cross

 

Estos artistas eran poco sonados, pocos conocidos, tenían poca fama. Su fama llegará en el siglo XX, y entran con un pie en las primeras vanguardias del siglo xx. Su tratamiento cromático se adelanta al fauvismo de 1905. Junto con Signac, Cross abandona los diminutos puntos color. Hace pinceladas más amplias y condesadas, parecen teselas de un mosaico. Esta forma de crear tuvo una importancia decisiva. Se retira y muere en 1910 de cáncer en Saint Claire. 

 

Félix Fénéon organizó una retrospectiva de su obra en la Galería Bernheim-Jeune en 1907. Era una muestra monográfica retrospectiva. Él innova con las tonalidades y el color. Tuvo éxito, mucho público parisino fue a verle en 1905 en la primera exposición de maestros fauves. Louis Vauxcelles el crítico de arte, se lleva una sorpresa con su obra y en general con la de todos los fauvistas. Utilizan colores estridentes chillones contrastes tremendos para expresar la emoción a través del color. En medio de estas obras de los fauvistas encuentra una escultura de carácter clásico. Y dice; ¡Un Donatello entre las fieras! Se quedaron con ese nombre los pintores. Henri Edmond Cross pertenece al neo impresionismo de segunda generación. Les dejó epatados a los clásicos este nuevo movimiento fauvista.  Paul Signac contemplo la retrospectiva a Monet, con pocos años. Se entrega al puntillismo cuando conoce a Seurat. Gay ciertas analogías entre la pintura y la música con el tratamiento de los ritmos. Los cuadros parecen arabescos, una especie de tótem parece el árbol de la parte izquierda, una composición en azul con un peso visual importante. Hablamos de luz, del efecto cambiante, de la vibración, de las formas. Son escenas arcádicas. No son campesinas sino burguesas las protagonistas de este cuadro. Vestidas de esa guisa han ido a la fuente en Saint tropez. Viven en comunión con esa naturaleza. Signac no quería captar la impresión fugaz como los impresionistas. Sintetiza el paisaje observándolo continuamente. Según la técnica neo impresionista, no pintaban al aire libre (plen air) sino en el taller de principio a fin, con esa técnica de mezcla de colores. El paisaje se reduce a lo esencial, es sencillo austero. Se equilibran las líneas horizontales de las márgenes rocosas con las curvas naturales a lado del paisaje. La mar, al bajar marea en la orilla aparece la arena mojada. Lo carga de una tonalidad azul. Es una época de descubrimientos para estos jóvenes que eran pintores críticos escritores e intelectual. No pasaban de los 30 años. Pisarro era el mayor. Aplican las teorías científicas de la percepción de colores que les gusta. En la escena del monte san Michell denotamos la regularidad de las pinceladas, pero fragmentadas. El artista reduce todo al expresionismo. No ser percibe la nerviosidad de la pincelada. Es un trabajo concienzudo y arduo mostrar el impacto de esos puntos de color. Es una pintura de gran vibración. Una invención nueva en el lenguaje visual. 

 

Simbolismo. Movimiento que nace como movimiento literario. Surge en 1880, en la década de los 80. Principios del manifiesto simbolismo lo escribe 1886 Jean Moréas en el periódico Le Figaro. Las artes visuales se dejan impregnar por esa filosofía idealista corriente, de estilismo. Los artistas comparten objetivos anti naturalistas. Utilizan peculiaridades en las formas. En cuanto a las alusiones temáticas, intentan evadirse del mundo fenomenológico positivista de entonces recurriendo al mundo interior y la fantasía. Obras como las de Maurice Denis muestran la alegoría de la religión y la mitología como ámbito evocador. Usan un arte no naturalista y no imitativo o mimético, pero si ilusorio por otro lado. Trazan zonas planas de color muy sintético.  Así componen composiciones unitarias sintéticas. Aparece el tema religioso. Denis era católico y de derechas. Estaba a favor fervorosamente del caso Deyfrus. Del mismo gremio había división de pensamiento e ideas entre pintores. Lo da a demostrar en su obra. Funda un taller con la academia duyan y unos compañeros el grupo de los navis. La palabra hebrea nebrin significa profeta y de ahí deriva el nombre de este grupo. Querían expresar que eran adelantados a su tiempo, las nuevas inquietudes, abrir caminos al arte. Surgió el nombre en una conversación entre la bohemia de época, un poco en broma, un poco en vera. Simbolistas y navis como Denis se confunden. Pasan de las impresiones. Reaccionan contra los impresionistas. Destaca su capacidad de síntesis, la figuración, como en la versión de la anunciación de virgen en 1890. El ángel se sustituye por un sacerdote y su monaguillo. Hablamos del ritual religioso, de la ceremonia. Muchos de sus cuadros son decorativistas. Aplican colores que no se corresponden con la realidad. Conciben el arte como una manera de expresar creencias emociones, llegar a lo trascendental.  El autor aborda el aspecto formal y conceptual. Asimila el sintetismo de Paul Guigou perfectamente, las mujeres de Breton aparecen en oración. Trascienda lo descriptivo y provoca emociones en nosotros. Las tonalidades oscuras de devotas en oración hablan del sentido de la devoción. El manto blanco o azul simbolizando la pureza se ve teñido de amarillo, y negruzco, pues se ve el cuerpo amarillo de cristo, como en el cuerpo amarillo de Paul Gauguin. Habla de la religión. En la forma de aplicar los colores volvemos al cientifismo neo impresionista. Aparecen los arabescos que tanto se pintarían durante el art noveau. Estaba en boca en la época la influencia de grabados japoneses al trasgredir los planos espaciales. En 1890 se celebra una muestra sobre grabados japoneses en la universidad de París. Muchos navis protestan porque les encasillen en ese movimiento. Aparecen obras negras, cabezas exentas de cuerpo, flores en el pantano, cabezas tristes. Representan la psicología, el estado ánimo. Se expresan en obras de oleo o en litografías como las que nos muestra la ponente. Son obras desligadas de la realidad. Es algo fantástico, de significados enigmáticos, vinculadas directamente con simbolismo. Aparece por ejemplo una araña con rostro antropomórfico, se adelantan a las imágenes surrealistas del siglo xx. En contra del materialismo, habían perdido la fe en la ciencia que no había paliado males de la sociedad. Pero muchos de estos pintores siguen creyendo en la ciencia, aunque empleen caminos más intuitivos.  Representan las mayores diferencias sociales. Había muchos suicidios. Se concentran en explorar la espiritualidad, los estados de ánimo, el carácter introspectivo. Las imágenes sugerentes evocadoras de Redon aparecen con motivos sinuosos, decorativos como los del art noveau. En su obra Pegaso aparece de nuevo el mito, la religión, un mundo fantástico de pesadilla subjetivo y trascendente

 

En 1840 nace Redon, pintor y grabador ligado al simbolismo. No quiere imitar la naturaleza sino lo subjetivo. Es tremendamente original imaginativo, una mina de efervescencia de lo mágico. Ese carácter imaginativo surgió porque por su mala salud pasó la infancia encerrado en una finca al norte de Burdeos. Desarrolla una melancolía en aquel paisaje montañés, siempre solitario. Aborda géneros clásicos como un paisaje con un barco. El barco se diría que no tiene nada especial, pero es una obra de carácter mágico e irreal. Refleja la realidad como se percibe por parte del artista. Lo que importa es el mundo interior artista. Por lo que pasa del impresionismo al expresionismo simbolista. Utiliza la técnica del pastel. Elige elementos pictóricos, trabaja con el color que dota a la pintura de un aspecto evocador. Parte de la realidad, pero va más allá. Las obras simbólicas apelan a la mirada subjetiva del espectador. Él no quería ser de este movimiento. Pinta cabezas flotantes, arañas, cuasi fantásticas, como si noches de pesadilla se tratara. No desdeñaba la ciencia, la acepta, tenía amigos científicos. Dicen que pudo haber mirado por el ojo de un microscopio. Se decía. El organismo mínimo con vida es la célula. Las representa a estas células con cara humana apoyándose en su imaginación. 

 

Henri Fantin-Latour pintaba como un policía, decían sus amigos. Esto le dolía en lo más hondo porque era anarquista de ideas. Quiere trasgredir las normas académicas. Se interesa por los grabados japonesas. Le llaman el navi extranjero, porque era suizo, pero llega a París con 16 años. Estudia las diferencias estéticas, hay temas que le interesan. No se posiciona políticamente en sus imágenes, aunque es un artista comprometido socialmente. Pronto adopta el grabado como medio para vender rápidamente y sacarse un dinero para vivir. Es un litógrafo dibujante muy importante. Se le atribuye al grabado sobre madera una nueva vida en el arte moderno. Su obra tiene carácter oriental. En su obra la pereza vemos las tonalidades planas, el dominio de la anatomía del animal que se sube, y la mujer echada para abajo, el lecho con ese decorativismo maravilloso. Él mismo tallaba bloques de madera, estampas. Sus imágenes se publicaban en diarios y periódicos mensuales y revistas de vanguardia. En 1889 se casa con una viuda pudiente acaudalada. Ya no tendrá problemas dinerarios, y se dedica más a la pintura. La pintura es un medio más lento, tiene menos repercusión que sus grabados. Es muy locuaz, vivo, creativo, y pinta sobre cuestiones sociales, cercanas. 

 

Estudia sociológicamente su época. La muerte como forma de espectáculo para la muchedumbre. Asistimos a la obra de 1894 del suicidio. El suicido es una muerte pública, un espectáculo morboso para el transeúnte. Tiene carácter sintético. Cuestiona el gentío y el deseo de su fascinación. El arte reflexiona sobre su propio tiempo. la psicología de masas orden está a la orden del día en los debates de los medios impresos. Muchos sucesos se producían en cada país. París aumentó población, este proceso de urbanización Pisarro lo representó en su obra.  Las concentraciones de la masa eran un fenómeno social intranquilizador. El suicidio fue objeto de fuerte análisis. En la literatura francesa Emile Zola hablaba de esas agitadas masas. la psicología de masas era más que una filosofía, era una nueva rama de la investigación científica moderna en la sociología. La gente va a las ciudades a trabajar. Hay encontronazos, comportamientos rebeldes y diferenciación de clase. Lo estudian como fenómeno. Mirones se agolpan en el puente observando la tragedia del suicido, alguien tirado en al agua. Un mechón de pelo negro surca el agua del Sena. Enmarca un ojo dramático flotando en el agua. El pescador quiere pillar el cuerpo con una caña terminada en un gancho. Lo cierto es que aumentó el número de suicidios en la época en París. El fundador psicología moderna, Durkheim escribió un texto en 1897 sobre el suicidio, estudio sobre sociología. Es un factor social económico más amplio lo que lo provoca. Es consecuencia del malestar sociológico y va más allá de la sicosis. No se reduce a un individuo, es un estado social, de masas. el pintor representa el suicidio como un acontecimiento público, inspirándose en las noticias de la prensa publica de entonces. Se inventan secciones de periódicos para contar noticias, desde crímenes a accidentes y tragedias.

Esto hace pensar en esa importancia que toma el París del xix. Surge el termino badaud. El badaud en francés es un mirón que reflexiona, es el paseante de las calles de París. Es un voyeur. Observa la realidad. Es el curioso. Ve como la vida de la ciudad llega a convertirse en un caos, una vida dedicada al ocio, la fiesta, el entretenimiento. El teatro de la ciudad vemos aquí. 

 

Pierre Bonnard con su talento gráfico, retrata la conciencia de aquellos años con su material impreso. Es el poderío de los colores y líneas que ofrece ese París de 1890 que le seduce. Aparecen las primeras litografías en color, la vida moderna y el trajín urbano. No pinta desde un punto de vista lejano, sino acercándose a la gente de la calle, a la vida urbana, a los bulevares de su propio barrio cerca de Montmartre. Refleja un ambiente lluvioso. El brillo de la luz eléctrica de una tienda y su escaparate. La silueta de una mujer que cruza la plaza. El esplendor amarillo. El rojo del tocado de la que tenemos en primer término. Las ventanas aparecen en el último término. Un sujeto con sombrero hasta casi los ojos sale de un cabaret o prostíbulo, no lo sabemos. Es el trajín como un vadaud o voyeur, atento pero distante. Pinta un ciclo de la vida en la calle. Bonnard consigue notoriedad entre 1899 y 1901, gana un premio a los 22 años cuando ha acabado sus estudios de derecho. Le premian un anuncio en que publicita una marca de champan. Había estudiado en la academia Julián y en la universidad de bellas artes. Revindica el poder del cartel, el anuncio y el grabado. Era visionario y trasgresor, va más allá de los límites que delimitaba la pintura de caballete. Explora las formas de las artes populares, un abanico muy grande. En las vistas de Bonnard, este se aleja, se ha asomado por una ventana. el crítico Groger mach reconoce lo pintoresco de cualquier espectáculo pintado por él. Confiere inmediatez. Es el aire de parís de instantánea, de postal. Son obras fruto de un trabajo extremo, y un proceso creativo. Observa y dibuja los bocetos. Dibuja de memoria al volver a su estudio. Dominaba el color. Era gran aficionado a la fotografía también, la había usado a finales de la década de 1890. Tomaba instantáneas, escenas callejeras del París de estos grabados. Llevaba siempre su cámara de fotos para captar a los amigos y familiares en escenas bucólicas, jardines y montes. La luz de la cámara registra cosas innecesarias. La visión del ojo humano capta lo humano. La cámara no puede hacer eso. Es la visión inmutable a la que se dirige. Las imágenes movimiento llegan con la invención del cine de los hermanos Lumière. Su teatro de sombras es un espectáculo de sombras en la vía parisina. En la vía parisina moderna aparece la dinámica cultural bohemia. Va a celebrar un espectáculo la muy ilustre compañía del 1896 del gato negro. El gato negro era el célebre cabaret de Monmartre donde se presenta actuaciones en directo con mucho éxito. Este teatro de sombras se realiza bajo el mecenazgo de Rodolphe Salis. Hacian giras internacionales. Él pinta un cártel; próximamente su teatro de sombras, poetas, compositores. El cartel tiene gran equilibrio compositivo, su tipografía, con figuración, y el emblema del gato negro coronado con una aureola como si fuera un santo. Resuelva de forma inteligente la composición de esta obra gráfica. 

 

Tolouse Lautrec es el máximo exponente del cartel de finales del xix de París. Desarrollo una estética audaz y moderna por medio del medio gráfico. En 1891 produce su corpus de obra gráfica, 30 carteles, 325 grabados. Se sentía más cómodo, más libre. La pintura le ataba más. Trabaja con contrastes de tonos claros localmente ubicados en la composición. Usa la pintura en los cuadros, en los carteles. Se promulgan estos cartelistas como cronistas de su época. Muestran el ocio, como se divertía la gente en la noche parisina. mademoiselle Eglantien, jane avrit, cleopatre y gazelle son las bailarinas del can can, eas chicas que elevan lo más alto las piernas. Su personal técnica del dibujo se ve aquí. Es capaz de aprisionar en un esquema el movimiento del can can, detenerlo y mostrar el carácter de cada una. Usa tonalidades más claras, el color claro del soporte, del papel. Muestran las enaguas, en la parte inferior. Utiliza contornos y líneas muy prominentes, basándose en aquellos contornos de los grabados japoneses de ukiyo-e. Obras ciertamente frugales, pero con menos se dice más. El anuncio de una actuación de Aristide de bruant es otro ejemplo. Este era un local exterior, una cervecera nocturna. Este hombre era poeta cantante barítono animador, dueño de cabarets y cafés concierto donde pasan la noche la burguesía, la bohemia y los proletarios. El personaje más carismático de esa noche es Demonmarter y muchos pintores le retratan. Le pintan con su atuendo, su suéter rojo o bufanda roja, lleva bastón y sombrero. Es un hombre corpulento de gran personalidad. Retrata con fuerte personalidad la figura a través de la tipografía. Esa tipografía es vertical, es rotunda, la que anuncia la actuación. Era como un monologuista de ahora que canta con si guitarra y cuentan cosas de la actualidad política con mucha sorna sátira y mucho humor. El can can era el motivo preferido de los artistas navis. En otro cuadro se nos muestra el contorno grueso negro, las formas rellenadas de color que quieren ser planas en cada una de las figuras. Alsaciana era una bailarina de la época. Iba sin saberlo su madre a cantar y bailar a esos cabarets. Fue bailarina de can can, cantante, relaciones públicas de lugares como este. Se frece una visión intima de este local que era propiedad de Ruan. 

 

La bohemia está en un lugar entre lo público y lo privado. Se nos permite entrar en la mesa redonda donde están retratados todos estos pintores. Reconocemos a la bohemia de pintores en el cuadro que nos enseña. Lautrec se asoma con una chistera. Emile Bernand al lado. De espaldas a pint pantier con sombrero blanco. 

Muestra un ambiente en que se podía fumar, cargado de esas noches del París. Seguramente fue en invierno pues todos van en chaqueta menos la glotona, una mujer rubia y pequeña con un gracejo extraordinario que hacía las delicias del público que acudía a esos locales. Las litografías de Bonnard son una crónica social de las calles y la noche de París, esa luz eléctrica que salía de los escaparates. En el interior todavía hay luz de gas. No nos permite ver la figura del fondo porque lo interrumpe y se pone en medio la lampara de gas. Lucia quiere terminar la charla hablando de la fotografía que se inicia en los tiempos modernos. Lautrec promociona el estudio de su amigo. Hacen crónica de la época. Las primeras cámaras eran verdaderos armatostes. Se popularizó la fotografía. Nos retiene la mirada esa fotografía y no dejamos de leer en ella. Y vemos ese gesto típico del fotógrafo y a la corpulenta mujer glotona vestida a la guisa de la época. Hablamos de una crónica de la época, el arte reflexiona sobre lo que está ocurriendo, unos con situaciones y posiciones más comprometidas y otros con menos. Muestran la modernidad, que abunda en esa época. Ya sea como denuncia o para evadirse en un mundo fantástico de la realidad que les ha tocado vivir

 

Hasta el día 17 de septiembre de 2017 podemos ver en Guggenheim esta exposición de pintores de 1890. Signac, Seurat, Bonnard, Redon, Tolouse Lautrec… estos pintores representan el cambio en la esfera cultural. El paso del impresionismo a nuevas formas de arte; el neo impresionismo, los navis, los expresionistas y los simbolistas. Y son un antecedente de las primeras vanguardias del siglo XX; dadaísmo, surrealismo, metafísica, futurismo, cubismo, abstracto… son 120 obras. Ha intentado Lucia incluir en esta exposición bastantes cuadros de la exposición. Parece que va a haber una segunda posibilidad de visitarlo. No nos perdamos estas pinturas grabados litografías y dibujos. Han venido de colecciones privadas sobre todo de Suiza. Vayan porque es un lujo tenerlos aquí. Estos artistas y sus obras son parte fundamental para entender el cambio de rumbo hacia las primeras vanguardias ya en el siglo xx.