LA COLECCIÖN DE LAS HERMANAS KROPOVICH

Pasión por el arte

Miguel Moran, profesor de arte en la UCM en el 85 hace un estudio sobre la colección. El coleccionista ama sus secretos, le protegen mayores satisfacciones, haya en ellos reposo y paz perfectos. Su colección es mundo hecho a su medida, a salvo de sus tribulaciones. Puede renunciar a todo, pero que nadie le pida renuncie a sus tesoros, no podría hacerlo

Hay un cuadro de Mikel Barcelo detrás de Alicia. La colección se llama Alicia Klopowitz, grupo omega capital. Es su empresa con sede en la castellana donde tiene parte de su obra allí. Está colocada una parte en su casa, en la sede y los jardines de su casa. Del jardín solo hay una pieza de gran envergadura. En las últimas décadas esta colección se ha convertido la más importante a nivel europeo. Nunca se ha expuesto al público salvo en el museo Jacquemart André  de París, se expusieron solo 50 obras. Su colección son 250 piezas; escultura, pintura, artes aplicadas. Se expuso 50 en París, y aquí 90. Es la única vez que se expone en España.  Ella lo presta para exposiciones alguna obra, pero no en el sentido de colección. Los coleccionistas privados s especializan en una parte concreta de la historia del arte; contemporáneo, temáticas, goya…esta colección recoge toda la historia del arte. Hay visitas de hora y media. De la Grecia helenística a hoy en día. Incide especialmente en el XVIII y XX, siglos de revoluciones políticas sociales, y muy importante a nivel artístico. Son momentos en que eclosiona y emociona el arte, pues se empieza a pintar con el sentimiento. Las obras son influidas por las dos guerras mundiales, campo de experimentación formal europeo. Sirva una acuarela de Edgor Schiele como presentación de la exposición. En la fachada principal las ventanas son tapadas por reproducciones de obras que se ven dentro. Tiene un sello y marca intimista, muy personal, cotidiana, familiar y femenina. No feminista, es diferente el matiz. En la fachada del muso se colocan retratos d mujeres de diferentes épocas; la condesa de aro de Goya o Mogdiliani. En una vista interior las salas están dispuestas, muy abiertas. En una zona aparecen obras del XVIII en relación con obras del XX. Podemos contemplar todas las obras a la vez y juzgarlas con un criterio más global. 

  

Las obras tenían tres ubicaciones en su colección; la fundación omega capital, su casa y jardín. La primera obra en el vestíbulo ha venido de sus jardines. Es la mujer de acero de Thomas Schütte (1954- ), alemán. Es muy contemporánea. Es una pieza trabajada en los años 70 80. Corresponde al grupo de piezas de artistas alemanas formados en la academia más importante de bellas artes de Europa, la de Düsseldorf.. Volvían a la figuración, tras pasar por abstracción geometrismos y minimalismos. Vuelven los temas figurativos. Estanflaguer es la mujer de acero. Una Venus tumbada en el diván. Enlaza con la tradición y la representación del mundo clásico con una visión contemporánea. Se ve como representaban en la antigüedad, los sepulcros etruscos, revisitamos el pasado con una imagen de futuro. Su pecho, esas imágenes… no es el motivo sino la capacidad plástica de la forma. Recuerda al apostolado de Oteiza de Aránzazu, esa manera de arañar la pared. Trabaja con pequeños modelos en cerámica y barro que va pintando. Son piezas pequeñas que traslada a un tamaño mayor. Es una serie de 18 piezas de distintos metales, más figurativas. Es la introducción a la exposición, con un sentido clásico y contemporáneo. 

  

Como arranque, en la fluidez del espacio, está situada esta escultura al lado de otra pieza de Oteiza la dulce fontana. Hay esculturas y pinturas. Sigue una secuencia cronológica desde la Grecia helenística. Tiene piezas de esta serie, pero no de esta en concreto. Es la única pieza que hereda de su padre, las demás las compra, tiene un equipo de asesores, conservadores y aparte de los cuadros originales los marcos de esos cuadros son originales. Un equipo de artesanos fabrica esos marcos de épocas. Va buscando que todo se complemente. Todas las piezas son adquiridas, salvo una. Cuando reciben la herencia las hermanas reciben una colección de 24 tablas, “los encolchadas “son piezas que se hacían en el México del virreinato español del siglo 17 y 18. Son tablas con aplicación de concha, representa la historia de la conquista de México. Representa un pasaje cada tabla. Son 24. 12 tiene ella y 12 su hermana. Es lo único que heredan del padre. Lo demás es adquirido en distintas subastas. Las piezas se hacen sobre tablas, se aplican distintos trocitos de concha, con diferentes motivos. Se hace con una capa de oleo diluido y queda ese efecto irisado que tiene la concha. Eran piezas muy exquisitas que se vendían en el mercado criollo. Estos artistas están influidos por lo que llega al virreinato de nueva España, en su comercio con piezas de Japón y china. Son cajitas nampar con esa aplicación de concha. Llegan a México y trabajan con esa misma técnica en forma de tabla como si fueran cuadros.

Por origen cronológico la exposición empieza en el 3 y 2 a c. de la Grecia helenística hay 6 piezas. Se han traído 3. La escultura de Afrodita mide 70cts. En su origen fue encontrada en la Grecia continental. Se hacían en gran número, ubicadas en templos y viviendas privadas. Siguen la pauta del artista más clásico. A la talla de Praxiteles recuerda, a la Grecia clásica, a la curva praxiteliana, a la aplicación en tela, al contraposto de la figura con movimiento de cadera y pie adelantado. Dialoga con el mundo del renacimiento barroco. Se busca que el marco sea original o se fabrica. Aparece la obra de juan Pantoja de la cruz, la tercera generación de retratistas de la corte española. (Juan Pantoja de la cruz tiene otro retrato en la permanente) Pinta al nieto de Felipe II. A Ana de Braganza, prototipo retrato de corte. La que más éxito de público tuvo en París es esa pieza pintoresca, curiosa. Había que retratar a los personajes reales con la rigidez de la corte de los Austrias. Hay que dignificar la figura de la persona noble aristócrata, mantener el hieratismo y la distancia respecto a los súbditos. Hace una proclama del protocolo, de la protección de la casa de Austrias. Lleva una indumentaria tan particular. El artista crea un cuadro absolutamente contemporáneo. Nos fijamos en los detalles del vestido, la composición geométrica, la bola forma una especie de circulo en que nos centramos en el rostro. Hay elementos triangulares como la falda... y juegos de rombos de la figura. Se simplifica a un cuadro de composición geométrica, pero añade el artista esta transición hacia el barroco. Es lo que aprende de la pintura flamenca. Pinta con ese detalle. Hay preciosismo en las calidades de telas, joyas, bordados. Plantea el tipo de retrato tradicional. Se representaba así el retrato de corte d finales del XVI y XVII. Aparece una figura en 3 cuartos, ni de frente ni perfil, donde los tratados decían que la figura estaba pintada por lo natural, el fotoshop de hoy. (Hacerle unos arreglillos a la señora). Se trata de mostrar a la persona que retrata y que se tiene que reconocer, pero eliminando los aspectos físicos. Hay un pragmatismo rectangular de Felipe ii, los retratos de Tiziano o Sánchez Coello matizan ese detalle. Pintan por lo natural, es decir; se puede reconocer la figura, pero se pinta sin defectos. La gola es el retrato de linaje, de personajes importantes. Los que trabajan con las manos no usan gola. Hidalgos, aristócratas y nobles la usan. Esa es la idea del retrato de corte.

Alicia Klopowitz ha comprado referentes específicos de cada época y tendencia artística Picasso Goya Canaletto. Compra de todo lo mejor. Lo que tiene peso específico. Un bodegón del XVII, el mejor es el bodegón de flores de juan de Arellano. La permanente tiene otro cuadro parecido. Tenía una tienda en Madrid el tal Arellano, los vendía como tornillos, vivía muy bien, había aprendido esta manera de trabajar de los pintores flamencos. El pintor de flores y bodegones debía mostrar su maestría, representar con la mayor verosimilitud posible el tema. Son temas decorativos, no a la manera barroca, con elementos significativos. Son cuadros de sobre puerta ventana o sobre manos. Se hacen de 2 en 2, o de 4 en 4. Llama la atención por su técnica. Un cestillo de flores lo hacen todos parecidos. Pero él añade tulipanes, flores, mariposas con detalle. El artista hacía retratos de corte o bodegones. Y cuadros de devoción privada.

Hay dos cuadros del divino Morales, que hace poco hubo una exposición retrospectiva. El artista se mueve entre el renacimiento manierista hacia el barroco anterior al Greco. Sus cuadros los compran particulares y los conventos. Suelen ser pequeñitos sus cuadros. Anuncian un proceso de acercamiento a la espiritualidad. Hace un ligero alargamiento de la figura, como el Greco. Morales también lo hace. El que contempla el cuadro ve que Morales tiene la capacidad de conmovernos con la plástica. La carga simbólica del cuadro hace adivinar los símbolos al que contempla el cuadro. La virgen gitana es una serie de retratos muy especiales. Atendemos al tocado de la virgen. Morales se inspiraba en los grabados que conocía de la huida a Egipto. Retrata personajes del pueblo vestidos con indumentaria pintoresca. El origen de los gitanos se dice que está en Egipto. Una luz lunar blanquecina ilumina la imagen. Le llaman divino por pintar siempre temática religiosa. Todos sus cuadros son de devoción privada, menos un retrato. 

 

Cuando la ponente vio la colección por primera vez se preguntó si un coleccionista compra a golpe de talonario (los hay y son la mayoría) o si compra lo que le gusta. En esta colección se ve que las obras le dicen algo a esta señora a nivel personal emocional. El señor Smith es un multimillonario mexicano que compra lo que le echen. Alicia no compra así sino por intuición, impulso. La firma es importante lógicamente. Por el espíritu la colección de Klopowitz recuerda a la colección de Edgar de Cáceres. Se nota que ha interiorizado la colección. Ha traído obras raras y especiales. Esta primera parte cole va de la antigüedad al siglo XVII. Pero tiene máxima importancia por temática y cantidad la obra del siglo XVIII y XX.  

La obra de Lorenzo tiepolo es un fragmento de obra. No una obra entera. Son dos obras del hijo del tiepolo que conocemos. Admiramos la calidad textural que tiene el cuadro. Son pintados con pastel, pinturas especiales. Hubo discusiones con la coleccionista para que los prestara. No los dejó llevar a París. No quería que salieran de su casa los cuadros por eso. Tienen el cristal original del cuadro. El cuadro tiene una cosa como aterciopelada. El padre Tiepolo muere y vienen a España sus dos hijos. Lorenzo se queda. El rey no le deja ser retratista de la cámar. La nobleza media, la pequeña aristocracia, la naciente burguesía quiere retratos, pero no lo puede pagar al precio de los de la corte. Por eso contrata a este artista para hacer un cuadro pequeño a pastel. Hace escenas de vida cotidiana también. En el siglo XVIII se pone de moda todo lo pintoresco popular, las modas del plebeyismo, Goya, las majas, se llenan los cuadros de escenas pintorescas costumbristas populares. Vemos en la diapositiva un fragmento de la vendedora de naranjas que no es un cuadro costumbrista, aunque lo parezca. Están hechos con pastel. Son retratos de gentes populares, con expresiones en sus cabezas. Podemos compararlo con juan Pantoja de la cruz. Parecen instantáneas fotográficas, esto le da un sentido atemporal del cuadro. Es un captado del momento, una instantánea. Juega con las expresiones, las relaciones de miradas y gestos entre los personajes. Es una vendedora de naranjas, pero es también una escena de cortejo. Así se inaugura el siglo XVIII.

Aparecen muchos retratos a lo goyesco. Se pinta a la hija de la novena duquesa de Osuna, importante en La historia de España. Ese cuadro estaba atribuido a Goya. La actitud del personaje, la forma de Goya en que pinta blancas telas… pero pertenece a Esteban Marques que era ayudante de Goya, discípulo. Cuando tenía Goya muchos encargos y tenía que repetir para la corte lo copiaba este. Es un retrato que anuncia el retrato prerromántico. Es una mujer vestida a la manera del directorio francés con toque español, pero a modo parisino. Lleva una cinta roja. La calidad del cuadro radica en cómo ha pintado las trasparencias de las telas que aquí no se ven. Los Goya que tiene son de primera línea, según los expertos. Por ejemplo, la condesita de aro que muere con 17 años. El retrato lo encarga la madre para perpetuar el recuerdo de su hija. Se muestran todas las maneras plásticas de su pintura, define su rostro y pecho y figura apretada. Goya pintaba con tierra de semilla, color naranja y luego pinta por encima… Tienen por eso sus cuadros una vitalidad o brillantez especial. Lo curiosos especial del retrato es que después en la indumentaria vemos al Goya cuando quiere pintar las calidades de las telas, con pinceladas libres abiertas casi gestuales. Aúna lo delicado de la imagen con la gama de la plástica de Goya.

Rotari es un artista italiano que vivió poco allí, pinta en la corte, en San Petersburgo, es el pintor de Catalina la grande. Era muy demandado en las subastas. Hace retratos de este tipo, 600 catalogados todos iguales, retratos de media figura, retratos rococós, con actitud natural. Son instantáneas de los gestos de dos mujeres, grabadas como fotos. Una, la de la flor en la cabeza, es la dormilona pues miren el gesto de sus ojos de despertar. Y la voluptuosa, de boca entreabierta, acerca su mano al pecho. De este tipo de temáticas hace figuras muy parecidas, muy demandadas porque son distintas al retrato más convencional. Hay modernidad en los gestos de estos personajes.

En el museo Jacquemart André se exhibieron cuadros de goya y de José Camarón y Meliá. Es el ambiente y clima del siglo XVIII. Cameron y Meliá trabaja a pares. Son cuadros decorativos, escenas de divertimento de las clases altas en su época, disfrazados de majos majas y gente del pueblo. Hacen bailes en arboledas, parques, bosques. Estos cuadros representan personajes que bailan el bolero. Hay un movimiento en este baile, acompañado de guitarras y castañuelas. El personaje masculino se queda quieto haciendo una pirueta con los brazos. Es llamativo el gesto de estos bailarines. En el mundo rococó dan importancia al paisaje, al árbol, por lo francés que resulta este tipo de estética. El cuadro de Goya de lejos es de la época, una obra rococó, con una paleta cromática blanda de azules, rosas, y verdes. Goya sigue en esa línea. El cuadro es encargado por la duquesa de osuna para decorar la villa del capricho en Madrid, por la zona del aeropuerto. Está la villa de recreo de ella y los jardines, que es lo único abierto al público. El palacio por dentro está sin restaurar. Esta mujer le encarga a Goya 7 obras. La duquesa de Osuna es el prototipo de mujer ilustrada de España, acede a la academia de bellas artes de san Fernando. Se rodea en su salón de pensadores intelectuales artistas. Educa a sus hijos, a su hija que hemos visto, exactamente igual, sin distinciones por la sexualidad. Es una mujer muy moderna. Le encarga 7 cuadros con temas amables. De lejos es un tema amable, parece. Junto a este vemos la importancia de los árboles, la profesión. El tema es el asalto a una diligencia por unos bandidos. Lo más dramático tiene más protagonismo. Domina la vegetación, esa cosa placentera, pero el tema es terriblemente cruento; los bandidos han matado a los viajeros, a la mayoría, y otros piden clemencia. ¿Cómo la duquesa de Osuna acepta un cuadro con un tema tan cruento? Como mujer de su tiempo entiende que esta era la España de su época; caminos llenos de bandidos, la idea del asaltante, curro Jiménez. El bandido es el héroe, roba a los ricos para dárselo a los pobres. Se vuelve una anécdota este tema de la época, algo muy natural. Es un cuadro agradable y amable de contemplar.

La colección recalca en lo español pintoresco, lo plebeyísimo de majos majas… parte esta visión de España más de Europa y parte del siglo XVIII. Si algo caracteriza a la pintura renacentista barroca europea son las vistas o velutes italianas. Klopowitz compra elementos señalados de cada época. Tiene de todo, es la idea con la que te quedas. “No puedo explicar las 90 obras”, reconoce la licenciada en bellas artes que nos explica la colección, “¿qué elijo? Hay 4 goyas esenciales y no puedo explicarlos todo. ¿quito a Van Goth, a Tolouse Lautrec, a Gauguin… ¿ Hay cosas concretas de cada tendencia. Son las vistas en Europa del XVIII un tema recurrente. Los aristócratas ingleses hacían viajes como el erasmus actual. Era el grand tour, viajan de un año a tres por toda Italia, Grecia, a París, para adquirir cultura y conocimiento del mundo clásico. De recuerdo para su casa se llevan las velutas, especie de postales, las fotos de ahora. El principal pintor de velutas era Canaletto. En toda colección de arte antiguo que se precie tiene que haber Canaletto y velutas. Aquí vemos la plaza de san marco, puente de Rialto. Representa la escuela veneciana de velutes. Era un gran dibujante de arquitecturas, escenografías teatrales, muy reales y muy dibujadas, con una perspectiva marcada, un punto de fuga muy señalado de esas vistas de Venecia. Su discípulo Francesco Guardi también pinta vistas de Venecia. Canaletto es muy racional mental frio. Guardi nos habla de vistas más emocionales, pintorescas, anuncian el prerromanticismo. Tan dibujado, estricto cansa. Guardi está más suelto, con una pintura de toque, es más pintor.  Frente la emoción del otro, su discípulo pintó en España velutas exactas. Canaleto nos engaña, modifica la perspectiva, alguna cosa para que encaje bien. Guardi pinta lo que ve exactamente, la calle de Alcalá. Esto se ve en la película el castrato Farinelli, un poco dura pero interesante. Farinelli le llama para que pinte escenografías de la ópera en el jardín del buen retiro.  Pinta con exactitud. A los historiadores urbanistas les sirve para saber cómo era el urbanismo, las calles amplias con fachadas barrocas, como se distribuían. Se ven detalles de los edificios.

Goya de nuevo. Hay grandes cuadros de el y son las últimas adquisiciones de Alicia. Aparecen estas cosas en mercados subastas. El tema de la prostitución lo pinta en momentos que no tenía encargos reales porque estábamos en plena guerra de la independencia. En el balcón aparece la celestina que recuerda a las pinturas negras posteriores, sobre todo la cara de esa mujer. Ofrece su mercancía a los hombres que pasan por la calle, la mujer cargada de luz representa la cosa pura inocente envuelta en la oscuridad y brumas de la celestina, detrás se las cortinas. Las celestinas llevan los rosarios no para rezar sino para contar los virgos, las mujeres jóvenes que tenían para ofrecer a los hombres

  

En el siglo 19 Raymundo de Madrazo (Madrazo, el político, es de familia de pintores), plasma una imagen de la belle epoque del París cosmopolita decadente y culto. Todo esto acaba en seguida. Sorprende con esta pintura. En 1920 muere madrazo. Es contemporáneo de Van Dongen o Picasso. Con esto termina la 1 guerra mundial y las vanguardias. A la vez que pinta Picasso las señoritas de Aviñón Madrazo hacia ese tipo de pintura. Las mismas clientas las tiene Picasso y Madrazo. El cuadro de Van Goth es mes y medio antes de morir. Está estabilizado antes de su intento de suicidio. Pinta jarrones de flores porque no tiene dinero pagar modelos. La paleta colores muy escasa, muy emocional visceral. Antes era lo que dominaba era el tema, ahora el florero es lo de menos, lo demás es la pintura pasada por el filtro de lo emocional, lo íntimo, personal, el sello del artista. Lo que más importa o abunda es lo emocional. Los artistas postimpresionistas son Van Gogh Gauguin y Toulouse Lautrec. Tenemos uno de cara. Es un cuadro pintado en el primer viaje de Gauguin a Tahití cuando vuelve de Bretaña, con un estilo de Bretaña, es el tipo de pintura que hará después. Son piezas espaciales en la trayectoria del artista muy singulares. Toulouse pinta muy a la manera de Degas, en la imagen de la lectora, pintado con oleo diluido seco, casi parece pastel, dibujo. Raya toda la pintura, la dibuja. Es contemporáneo de Madrazo. Pintan para las señoras del París de la aristocracia. Van Dongen es un pintor fauvista violento. Lo de menos es el personaje pintado, sino la forma de color, la forma del empaste pictórico. Todas las obras son magníficas. Este Picasso y un Calder de después son lo mejor de la exposición. Picasso llega con Fernande Olivier, y se van al pirineo de Lérida y se dedican a trabajar allí. Unos meses. Después de eso vienen las señoritas de Aviñón inmediatamente. En el pueblo de Aviñón en 1906. Es el campo de experimentación que da lugar a las señoritas. Influido por la pintura pompeyana, muy de moda en país de la época, se publican muchos dibujos de pinturas en muchos catálogos. Picasso era un gran depredador, personal y artístico. Coge esos dibujos y los manipula, nos adivina ese lenguaje que después desarrolla posteriormente. Rompe con las leyes de perspectiva, juega con el primer plano y el plano de fondo, un marrón de picado, otro de frente. De perfil la mujer. Hace el emborronamiento de una pared, la mancha, con la calidad de pintura de Pompeya. Juega a entrar y salir en el espacio del cuadro. Camina después al cubismo. Hay un cuadro cubista del año 17 en plena guerra mundial. juan Gris tiene una paleta cromática mucho más apagada. Schielle es de los pintores malditos europeos que pinta en la Viena de fin de siglo con una violencia y fuerza descarnada, con una expresividad muy intensa. Y junto a el un cuadro de Mogdiliani que representa a su última mujer con la que tuvo su hijo. Este cuadro impacta. Tiene un tamaño importante. A Modigliani le gusta mucho Cézanne, los colores verdes azules que contrastan con el naranja y los secundarios y hace un contraste delicado. Escultura de gargallo, que no se ve el detalle de la cabeza. Gargallo hace un retrato a Chagal que siempre tenía en mente a su mujer, todo lo hacía por ella. Gargallo hace atravesar la cabeza de Chagal con una figurita de mujer de esas que vuelan por sus cuadros. Empieza así la escultura más contemporánea que a una la parte de materia metal y el vacío como elemento de composición. Al fondo un cuadro de Picasso de su época clásica y el Calder de gran tamaño., al lado de otro cuadro de Mondrian. Le falta un Kandinsky por ahí, lo único que le falta. Calder del 1934, hace sus primeras esculturas en las que empieza a trabajar con el movimiento natural de la pieza mediante la inercia. Son piezas difíciles de conseguir, muy buscadas valoradas, hay pocas en el mercado, son cosas super experimentales de Calder. Es una pieza que le encanta.  Es muy difícil de ver. Los primeros móviles que hace lo hace con una base de madera. Los primeros tenían un motorcito. Estudia la fuerza de crear movimiento, pues era ingeniero. Se crea el movimiento mediante la inercia y vuelven a intentar buscar el equilibrio. Es la primera escultura móvil de la historia del arte. 

  

En el periodo de entreguerras y las dos guerras, el foco intelectual artístico se desplaza de París a Nueva York porque los artistas se van de la guerra. Nacen corrientes de abstracción mundial, entre ellas el expresionismo abstracto. De kunin, con su cuadro expresionista abstracto, el action paintin, pintura de acción. Heredan la forma de los artistas que vienen de Europa; el constructivismo, la pintura automática irracional del surrealismo. No importa el tema sino el gesto del pintor, la intuición, la manera no controlada de hacer la pintura. Como en los cuadros de dekunin clásicos. Hay varias obras de Giacometti, un Rothko de gran tamaño… tras las abstracciones vuelve la figuración con la escuela de Londres. Autorretrato de Bacon, de David Horcney. Antonio López dentro de la figuración española. Estaba en la retrospectiva de Antonio López, vista de Tomelloso, que se celebró aquí en el Bellas Artes. Vemos las calidades de la cara de su mujer María. La calidad de la piel, parece un trabajo hecho sobre la piel, con capas y veladuras. Bacon y Freud están al lado. Bacon representa la figuración de la escuela Londres. Fontana el artista reflexiona sobre la idea de que el cuadro va más allá de la bi dimensión, para crear la tercera dimensión. Canaletto pinta en perspectiva para crear esa tercera dimensión, pero también se puede crear con un cúter rasgando el cuadro, vemos el especialísimo en el cuadro. Y como broma, nos pone una diapositiva de Homer Simpson rayando a la fontana. 

  

Hay obras de Oteiza, Chillida. La última parte abarca las abstracciones minimalistas, las escuelas del núcleo alemán. Son obras de tamaño importante situadas en las oficinas del grupo omega capital. El cuadro de Alselm Kiefer, el durmiente del valle, llama la atención. Está basado en un poema de Rimbaud, pertenece a una serie. Describe el valle y las flores, hay un cadáver entre las flores que ha muerto por dos balazos. Los primeros cuadros de la serie hacían alusión al poema de Rimbaud de forma más literal. Flores, soldado, la idea de muerte. En otros elementos hace desaparecer la imagen directa de la muerte hasta convertirlo en una parte más amable del tema, que esconde todo eso. Lo interesante es poder poseer una serie completa, pero eso son palabras mayores. Este cuadro es el que más problemas da de conservación. La conservadora de su equipo cuenta que el cuadro está perdiendo el óleo, los empastes porque las arenas contenían sal. En el Guggenheim hay n problema de conservación de los Kiefer con pajitas y cosas pegadas. Estas obras no van a durar lo que un Goya. Hay problemas de conservación, se van despegando. Hay varias obras de Mikel Barceló en la época de Mali. La barcaza. A Barceló le pasa lo que a Kiefer. Son pinturas matéricas con problemas de conservación. A Ai Wei Wei le conocemos como activista político, opositor del régimen chino, por sus idas y venidas a la cárcel. Él dice de si mismo que es un artista figurativo conceptual. Para hacer esta pieza se ha fijado en la pelotita con la que juega su gato, un icosaedro truncado. Este es el que tiene Helga de ALvear, el coleccionista de Cáceres. Se basa en el libro la divina proporción donde Da Vinci dibuja esos icosaedros. Está hecha con un tipo de madera especial como palisandro, protegida. El equipo de artesanos sigue la tradición de la mampostería. Van encajadas sin clavos ataduras. Tiene una araña de Luoise borghese también. Muy pequeña.

No es normal que un coleccionista abarque toda la historia del arte en una serie que se sigue bien. Compra lo que le dice algo. Los ricos también lloran. En sus momentos terribles la colección de arte le ha servido para no pagar un siquiatra, igual que a Louise va la pintura por los traumas que tiene. Es el arte como escape y serenidad interior. Como no cabía, la última parte se ve accediendo por las escaleras. Hay ascensores, por suerte. Hay arte que parece hecho para coleccionistas. Pollock no está pensando en coleccionistas cuando pinta, aunque tiene algún encargo de Peggy Guggenheim para una pared de su casa que ahí siempre hay un cuadro a medida. Pollock pinta cuadros de acción, chorrea la pintura, necesita un formato grande, ¿cómo mueves tu cuerpo en un formato pequeño si se trata de chorrear? No pintan en el tamaño pensando en un coleccionista futuro. Su necesidad de expresión le lleva a usar un formato u otro, no es porque lo va a vender mejor, aunque también hay cuadros de encargo. La historiadora del arte ha ido dos veces y va a ir la tercera. Ella también vio la colección en Cáceres, o en el pueblo, o la de París. Ha visto la exposición con el museo cerrado y las salas vacías. Antes de que abrieran al público tenía que hacer una visita al director y ve la exposición. Alicia Klopowitz no es cualquiera eligiendo, compra lo que le dice emocionalmente. Toda colección es una inversión con sus asesores, algunas más que otras, pero se nota que aquí elige. La conferenciante pernoctó allí para preparase esta conferencia. Las obras no están protegidas por cinc, ni cintas en el suelo. No hay separación física con el cuadro. “Los coleccionistas dicen que riesgo. Ahora me da ataque de locura, cojo un spray, no había ningún guarda, y se acabó todo y paso a la posteridad”. Ha sido una experiencia maravillosa que no ha tenido después la guía, siempre está la sala con gente, y ella como guía se pone detrás de los cuadros. Ni el director lo ha visto así. Esas medidas de seguridad no las hay en la colección porque Alicia Klopowitz marcó como se expone la colección, ya que eran sus obras. Así lo dispuso ella. Marcó una temperatura baja porque hay mucho papel y el pastel necesita esa temperatura. Marco una temperatura de conservación más baja de lo normal. Marca eso, pero no las cintas. Te acercas mucho a las obras. Están sobre peanas, pero por ejemplo en las griegas no hay caja de cristal, o cinta alrededor. Si uno empuja a otro la escultura se va. Están amarradas. Podemos disfrutar con esa sensación de mucha apertura. Se respira muy bien. El jueves es el día de la visita. Se cierra el lunes. El viernes por la mañana están planeando hacer una visita libre. No la volveremos a ver salvo que ella nos invite a su casa, verla como conjunto de exposición, se refiere. El 12 de diciembre viene la  exposición del último Eduardo arroyo. Es su última época y lo trae la fundación MAE francesa que es garantía de calidad de exposición.  Luego en febrero viene Goya, está ahora en Zaragoza. La de Archibombo que viene ahora, no nos engañemos, son 3 cuadros de él contextualizados. Tres obras de la colección permanente de el. el 14 de diciembre es la visita a Arroyo. Ani Albers vendrá el mes que viene, con tejidos, y su pintura al estilo de la Bauhaus y de los años 30. Será un trimestre muy bueno en cuanto a arte se refiere.