Bourgeois nació
el 25 de diciembre de 1911 en París, Francia y muere el 31 de mayo del 2010. Fue
artista y escultora nacionalizada estadounidense. Es conocida por sus
esculturas de arañas, que le valió el apodo de "Mujer Araña". Es una
de las artistas más importantes del arte contemporáneo. Su escultura arácnida más grande se titula
Mama y ha sido exhibida en numerosos lugares del mundo, con una altura de más
de 30 ft (9.27m).
En la década de 1940, después de
haberse mudado a Nueva York con su
esposo, Robert Goldwater, se inclinó por la escultura. Tuvo una infancia problemática.
Una madre protectora pero agobiante y asfixiante de cuyo dolor se libró al
representarla como una araña que la abarcaba con sus enormes patas. Tuvo un
padre borracho, maltratador y violador de ella cuando era niña. De ese trauma
se libera con la creación de varias esculturas en forma de falos. De esta forma
se libraba de la obsesión paterna y del complejo de Electra famoso de Freud. Reconocida como fundadora del Arte
Confesional, 4sus trabajos
hacen referencia a la figura humana, y sus fragmentos. Expresa temas como la
traición, la ansiedad y la soledad. Su trabajo es puramente autobiográfico y
esta inspirado en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del
amorío entre su padre y su niñera.
Fue la tercera de cuatro hijos de Josephine Fauriaux y
Louis Bourgeois. Sus padres eran dueños de una galería que se especializaba en
tapices antiguos. Unos años después de su nacimiento, la familia se mudó fuera
de París y estableció un taller de reparación de tapicería debajo de su
departamento en Coisy Le Roi en donde
restauraban diseños desgastados con el tiempo. En 1924 su padre, un tirano
mujeriego e infiel tuvo múltiples amoríos, incluyendo a la maestra y niñera de
sus hijos. La pintora recuerda a su madre Josephine, como “una persona
inteligente, paciente y calculadora” estaba al tanto de la infidelidad de su
esposo, pero le fue más fácil ignorar el asunto. Bourgeois, considerada una
pequeña niña alerta, almacenaba sus memorias en diarios. De niña, Bourgeois
nunca pudo colmar las expectativas de su padre debido a su falta de habilidad.
Finalmente, llegó a adorarla por su talento y espíritu, pero sin embargo el
cariño no era mutuo. Ella continuaba odiándolo por su temperamento explosivo, su
actitud dominante en el hogar y sus burlas. En 1930, Bourgeois entró en La
Sorbona a estudiar matemáticas y geometría, materias que le atraían por su
estabilidad. Louise aseguraba: "mi única forma de obtener paz mental era
mediante el estudio de leyes que nadie podía cambiar." Su madre falleció
en 1932, mientras Bourgeois continuaba en la escuela, la muerte de Josephine la
inspiró a dejar las matemáticas y comenzar a estudiar arte. Su padre
consideraba a los artistas modernos como derrochadores y rehusó apoyarla.
Louise continuó estudiando arte, se inscribió a clases en donde eran necesarios
traductores de inglés, de esta manera no pagaba matrícula. En una de estas
clases fue Fernand Léger quien vio su trabajo y le dijo que era escultora, no
pintora.
Para Bourgeois los inicios de la década de 1940 representaron las dificultades de la transición a un país nuevo y la problemática de entrar al mundo de exhibiciones de Nueva York. Su trabajo durante la época era construido con pedazos metálicos y madera proveniente del océano. La impureza de la madera eran cubiertas con pintura, después creaba hoyos y rayones con clavos, su propósito era expresar alguna emoción. Sleeping Figure es un ejemplo de su trabajo en ese momento, la obra es una figura de guerra incapaz de encarar el mundo real debido a su vulnerabilidad. El trabajo de Bourgeois fue creado desde revisiones de su problemático pasado, encontrando inspiración y catarsis temporal de su niñez y de los abusos que recibía de su padre. Lentamente, ella fue desarrollando más confianza artística a pesar de que sus años medios fueron más opacos, debido a la poca atención recibida en el mundo del arte, a pesar de haber realizado su primera muestra individual en 1945. Conoció a Miró en París en 1938, antes de la segunda guerra mundial, a pesar de haber admirado y recibido su influencia, no comenzaron su amistad hasta 1947 en Nueva York. A pesar de apreciar su pintura, que consideraba naif, no estimaba su escultura. Ella y su marido estuvieron entre los pocos invitados a un cocktail íntimo que Pierre Matisse ofreció a Miró en una visita a Nueva York en 1965. En el verano de 1966 Bourgeois y su marido viajaron por España y Grecia visitando los edificios de Gaudí en Barcelona.
En 1954, Bourgeois se unió al American Abstract
Artists Group con varios contemporáneos, entre ellos Barnett Newman y Ad Reinhardt
. Durante esa época se hizo amiga de los
artistas Willem de Kooning, Mark Rothko y Jackson Pollock Formó parte del American Abstract Artists
Group. Bourgeois abandonó el uso de la madera para utilizar estructuras de
mármol, plaster y bronce mientras investigaba temas como el miedo, la
vulnerabilidad y la pérdida del control. Esta transición fue un giro
definitorio. Ella se refería a su arte como una serie o secuencia de días y
circunstancias relacionadas entre sí, describiendo su trabajo temprano como el
miedo a caer que posteriormente se transformaría en el arte de caer y la
evolución final al arte de "aguantar". Sus conflictos en la vida real
le dieron el poder de autentificar sus experiencias a través de una forma única
de arte. En 1958 (según otras fuentes en 1961), Bourgeois y su esposo se
mudaron a una casa con terraza en la calle 22 Oeste en Chelsea en el barrio de
Manhattan donde ella vivió y trabajó por el resto de su vida. A pesar de que no consideraba su arte
feminista, su tema central era la feminidad. Trabajos como Femme Maison
(1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964) y Arch of Hysteria (1993) fueron referidos
al cuerpo femenino. Bourgeois dijo: "Mi trabajo lidia con problemas
pre-género, por ejemplo la envidia no es masculina o femenina." Como había
dicho Freud que la mujer tenía envidia al pene, ella esculpió penes como para
destruir su teoría.
En 1973,
Bourgeois comenzó a enseñar en Pratt Institute, Cooper Union,
Brooklyn College y New York
Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Louise enseñó,
también, por muchos años en escuelas públicas en Great Neck, Long Island.
A principios de 1970 Bourgeois era anfitriona de
reuniones llamadas “Sunday, bloody Sundays” en su casa en Chelsea. Durante las
reuniones, jóvenes artistas y estudiantes recibían críticas de parte de
Bourgeois. Sus comentarios críticos sin tacto y su humor negro llevaron al
nombre de las reuniones. Louise inspiró a múltiples estudiantes a un arte
basado en la naturaleza femenina. Bourgeois se rodeó de activistas, volviéndose
parte de The Fight Censorship Group, un grupo feminista fundado por Anita
Steckel. Durante la década de 1970 el grupo defendió el uso de imágenes
sexuales en el arte. Steckel argumentaba: "Si un pene no es lo
suficientemente bueno para entrar en un museo, no debería ser considerado lo
suficientemente bueno para entrar en una mujer." Robert Goldwater falleció el 26 de marzo de 1973,
hecho que provocó un gran cambio en su vida.
Desde 1980 contó con la colaboración del comisario
artístico Jerry Gorovoy, que actuó como su mánager. La artista se dedicó desde
entonces a crear obras de creciente poder transgresor, fuertemente influenciada
por el feminismo y por nuevos materiales. Consiguió el reconocimiento
internacional al celebrar su primera retrospectiva, comisariada por Deborah
Wye, en 1982, en el Museo de Arte moderno de Nueva York. Hasta entonces, había
sido una figura periférica en el arte, cuyo trabajo era más admirado que
aclamado. En una entrevista con Artforum, programada para coincidir con
la apertura de la retrospectiva, ella reveló que las imágenes en sus esculturas
eran puramente autobiográficas. Bourgeois compartió con el mundo que revivía
obsesivamente, a través del arte, su trauma de descubrir que su niñera era
también amante de su padre.
Bourgeois tuvo otra retrospectiva en 1989 en Documenta
9 en Kassel, Alemania.12 Representó a EE UU en la Bienal de
Venecia (1993). Sus últimas obras, realizadas en su taller de Nueva York
exploraron las posibilidades más sorprendentes del montaje monumental, como en Spider
(1992) y Maman, una araña en bronce de 10 metros de altura que se expuso
en 2004 en el Museo Guggenheim de Bilbao.. Obtuvo varios premios: Gran Prix de
Escultura del Ministerio de Cultura francés (1991), León de Oro de la Bienal de
Venecia, Premio de la Asociación Japonesa de Arte (1999), Premio Aragón-Goya
(2008). En 1993, cuando la royal Academy realizó su encuesta acerca del arte
americano en el Siglo XX, los organizadores no consideraron que el trabajo de
Bourgeois tuviera importancia significativa como para incluirla en la encuesta.
Sin embargo, esta encuesta fue criticada por haber omitido a varios artistas,
con el comentario de un crítico que dijo que "secciones completas del
mejor arte americano habían sido eliminadas" haciendo énfasis en que muy
pocas mujeres fueron incluidas.16 En el 2000 su trabajo fue seleccionado
para ser expuestos en la apertura del Tate Modern en Londres. En 2001, expuso
en el museo Guggenheim Hermitage. En el 2010, el último año de su vida,
Bourgeois utilizó su arte para hablar a favor de la igualdad para las
lesbianas, gais, bisexuales y transgéneros LGTB. Creó la pieza I do, que
muestra dos flores creciendo de un solo tallo, para beneficiar a la
organización sin fines de lucro Freedom to Marry. Bourgeois dijo que
"todos deberían tener el derecho a casarse. Hacer un compromiso de amar a
alguien para siempre es algo hermoso."18 Bourgeois fungió como activista a favor
de la igualdad LGBT, creando piezas para la organización activista contra el
sida, ACT UP en 1993. En el 2011 uno de
sus trabajos titulado Arala se vendió por $10.7 millones de dólares,
nuevo récord para una obra en subasta y el precio más alto pagado por el
trabajo de una mujer.
Bourgeois murió de infarto agudo de miocardio el 31
de mayo de 2010, en el Beth Israel Medical Center en la ciudad de Nueva York. Wendy
Williams, directora del Estudio Louise Bourgeois, anunció su muerte. Louise
continuó con la creación de piezas hasta su muerte; sus últimas piezas fueron
terminadas una semana antes de su fallecimiento. El New Tork Times dijo que su
trabajo "compartía una serie de temas repetitivos, centrados en el cuerpo
humano y su necesidad de ser nutrida y protegida de un mundo aterrador." Su
esposo, Robert Goldwater, había fallecido en 1973. A ella la sobreviven dos
hijos, Alain Bourgeois and Jean-Louis Bourgeois. Su tercer hijo, Michel, murió
en 1990.
Femme Maison (1946–47) es una serie de pinturas
en donde Bourgeois explora la relación de una mujer y el hogar. Las cabezas de
la mujer son reemplazadas con casas, dejando a sus cuerpos en el mundo exterior
y sus mentes en el doméstico. El tema forma parte de la deshumanización del
arte moderno.
La destrucción del padre (1974) es una exploración biográfica y
psicológica del poder dominante del padre sobre sus hijos. La pieza es una
instalación color piel en un cuarto suave parecido a un útero. Está hecho de
yeso, látex, madera, tela y luces rojas, fue la primera pieza en la que la
artista utilizó materiales suaves a gran escala. Cuando se entra a la
instalación, el espectador es expuesto a una escena de crimen. Puestos en un
comedor estilizado (con el doble sentido de parecer una recámara, los niños
como formas abstractas, hijos de un padre prepotente, se han rebelado y lo han
asesinado y engullido.
Le digo a la audiencia lo malo que era,
todas las cosas horribles que hizo, toda la gente mala que él atrapó. Pero esta
escena se repite día tras día. Hay tragedia en el aire. Ha dicho su parte
demasiadas veces. Es intolerablemente dominante, aunque él mismo no se da
cuenta. Es un tipo de resentimiento que crece y un día mi hermano y yo
decidimos que le '¡llegó la hora!' Lo cogemos, lo recostamos sobre la mesa y lo
diseccionamos con nuestros cuchillos. Lo desmembramos, le cortamos el pene. Y
se convirtió en comida. Nos lo comimos completo, lo liquidamos de la misma
manera que él liquidó a sus hijos.
Celdas. En sus ochenta, Bourgeois produjo
dos series de trabajos de instalaciones a las que ella se refería como
"Celdas". Muchas son pequeñas cajas, dentro se observan arreglos de
objetos simbólicos; otros son pequeños cuartos que invitan al espectador a
entrar. En las piezas "Celdas", Bourgeois utiliza formas esculpidas
con anterioridad, objetos que encontró, así como objetos que tenían una gran
carga emocional personal para la artista. Las Celdas guardan estados
psicológicos e intelectuales, principalmente miedo y dolor. Representan diferentes
tipos de dolor: físico, emocional y psicológico, el mental e intelectual. Cada
Celda maneja el miedo. El miedo es dolor. Cada Celda trata con el placer del voyeur,
la emoción de mirar y ser mirado”
Maman A finales de la década de los noventa, Bourgeois
comenzó a utilizar la araña como imagen central de su arte. Mama mide
más de 9 metros de alto, es una escultura de acero y mármol de la cual se
produjeron subsecuentemente seis réplicas de bronce. Al principio hizo una
aparición como parte del comisionado de Bourgeois para la serie Unilever para
el Turbine Hall del Tate Modern en el 2000. Recientemente la escultura estuvo
instalada en el Centro Nacional de convenciones en Doha, Qatar. Es la escultura
arácnida más grande construida por Bourgeois.
La escultura hace alusión a la fuerza de su madre, con metáforas de
tejidos, nutrición y protección.
La Araña es una oda a mi madre. Ella era mi
mejor amiga. Como una araña, mi madre era tejedora. Mi familia estaba en el
negocio de restauración de tapices, y mi madre estaba a cargo del taller. Igual
que las arañas, mi madre era muy astuta. Las arañas son presencias agradables
que comen mosquitos. Sabemos que los mosquitos esparcen enfermedades y por lo
tanto, no son bienvenidos. Entonces, las arañas son proactivas y de mucha
ayuda, justo como lo era mi madre.
Impresiones de Bourgeois florecieron durante dos periodos, primero
de 1930 y 1940, cuando se mudó a Nueva York y en 1980, cuando comenzó a recibir
reconocimiento mundial. En la primera etapa hacía impresiones caseras en una
pequeña presa en su tienda Atelier 17. Después de este período, Louise
se centró en la escultura, y no fue hasta sus setenta que comenzó a realizar
impresiones de nuevo. Volvió a utilizar su antigua presa y agregó una nueva,
trabajó con ayuda de otros impresores de manera bastante activa hasta su
fallecimiento. Durante su vida, Bourgeois creó aproximadamente 1,500
impresiones.
En 1990 Bourgeois decidió donar su archivo de
impresiones completo a el museo de arte moderno. En 2013 el museo lanzó
un catálogo en línea llamado "Louise Bourgeois: The Complete Prints
& Books." El sitio se enfocaba en el proceso creativo de la
artista incluyendo libros ilustrados con el contexto de la producción,
significados y temas.
Uno de los temas recurrentes del trabajo de Bourgeois
es el trauma de su niñez. Después de
que la madre de Louise se enfermara, su padre comenzó a tener amoríos con otras
mujeres, en especial con Sadie (la maestra y niñera de Bourgeois). Louise estaba
muy atenta y vigilaba la situación. Fue en este momento cuando la autora
comenzó a engancharse con dobles estándares relacionados con el género y la
sexualidad presentes en casi todo su trabajo. Louise dice recordar a su padre
diciendo "te amo" en repetidas ocasiones a su madre a pesar de sus
infidelidades. "Él era un lobo, y ella era una
liebre racional, no era rencorosa y lo aceptaba como era" Su
trabajo de 1993 "Cell: You Better Grow Up", parte de su serie
"Cells", habla directamente del trauma infantil de Louise y la inseguridad
que la rodeaba. Su trabajo "Give or take" del 2002, definido por
emociones escondidas, representa el intenso dilema que la gente encara a lo
largo de su vida mientras intenta balancear el dar y recibir. El dilema no es
sólo representado por la forma de la escultura, sino también por el peso de los
materiales.
La arquitectura la memoria son componentes importantes
del trabajo de Bourgeois. En numerosas entrevistas, Louise describe la
arquitectura como una expresión visual de la memoria, o a la memoria como un
tipo de arquitectura. La memoria, protagonista de muchos de sus trabajos, es
una memoria inventada acerca de la muerte o exorcismo de su padre. La memoria
imaginada se entreteje con memorias reales como vivir frente a una carnicería o
el amorío de su padre. Para Louise su padre representó heridas y guerra, la
manera en que se engrandecía menospreciando a otros y lo más importante, una
representación de la traición. Su
trabajo de 1993, "Cell (Three White Marble Spheres)" habla del miedo y
el cautiverio, los espejos representan una realidad alterada y distorsionada. La
sexualidad es, sin duda alguna, uno de los temas más importantes en el trabajo
de Louise Bourgeois. El vínculo entre la sexualidad y la fragilidad es muy
poderoso, se dice que esto derivó de las memorias de su niñez y el amorío de su
padre. "Spiral Woman"
(1952) combina el enfoque de Louise en la sexualidad con la tortura. La pierna
flexionada y los músculos del brazo indican que la mujer sigue por encima a
pesar de que está colgada y sofocada. Su trabajo de 1995, "In and
Out" utiliza materiales de metal frío para ligar a la sexualidad con enojo
y cautiverio.
Premios y Menciones Honoríficas
- 1977: Doctorado con Honores de la Universidad Yale
- 1990: Seleccionada para la National Academy of Design33
- 1991: Premio al Logro de Vida en Escultura Contemporánea (Hamilton, New Jersey, USA)
- 1997: Medalla Nacional de las Artes
- 1999: Praemium Imperiale por logros a lo largo de su Vida
- 1999: Golden Lion en el Venice Biennale
- 2003: Wolf Foundation Prize En las Artes (Jerusalem)
- 2005: Austrian Decoration for Science and Art34
- 2008: Légion d'honneur
- 2009: "Commandeur" de la patafísica Ordre de la Grande Gidouille.[cita requerida]
- 2009: Honrada por el National Women's Hall of Fame
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